sábado, 24 de septiembre de 2016

KANDINSKY, NACIMIENTO DE LA ABSTRACCIÓN (I)


                                      Wassili Kandinsky (Moscú, 1866- Neuilly- sur- Seine, afueras de París, 1944) fue el precursor de la Abstracción en pintura y teórico del arte. Después del traslado de su familia a Odesa estudió leyes en Moscú (1886-1889) y en 1896  rechaza una prometedora plaza  de profesor en la Universidad de Dorpat. Decidido ya a dedicarse a la pintura se desplaza a Munich en donde funda el grupo “Phalang” (“Falange”) en 1901 cuyo enfoque principal es la introducción de las vanguardias francesas: Impresionismo, Simbolismo y “Jugensdtill”= Modernismo Alemán, abriendo una escuela a tal efecto.
Paisajes elaborados con espátula son sus primeras obras a principios de siglo, umbríos y oscuros al principio, intensos y coloristas como los “fauves”, después. Pinta también temas fantásticos basados en la tradición rusa y alemana. Viaja a Venecia y contempla el crepúsculo en Moscú lo cual le despierta su primer interés por los colores, siendo sus preferidos (como dice en sus memorias) el verde claro/fresco, negro, rojo carmín y ocre amarillo; le apasiona el descubrimiento de la pintura de Rembrandt con sus tonalidades de luz y color que influenció en sus primeras obras. 
En 1895 a una representación del “Loengrin”, de Richard Wagner (el leiv-motiv usado por Wagner, asociación libre de una melodía a una idea abstracta, influirá en la futura obra pictórica de Kandinsky). Para quedar maravillado y en el mismo año se prendó de las obras de los impresionistas franceses en Moscú. En 1910 dará su primera obra considerada abstracta (“Primera acuarela abstracta”), aunque algunos sostienen que ha de fecharse en 1913. Franz Marc y Kandinsky formaron el segundo conjunto expresionista: “Der Blaue Raiter” (“El jinete azul”), sin finalidad de establecer un grupo homogéneo como “Die Brucke” (“El puente”), sino de de organizar un espacio de relaciones compuesto por todos los movimientos de vanguardia. Consiguieron realizar muestras y exposiciones y a las filas de la asociación se sumaron personajes como Robert Delaunay y Arnold Schönberg (participó como pintor aunque después destacara y se hiciera famoso en el campo de la música, aportando su teoría dodecafónica o atonal, carente de forma estructurada y equivalente abstracto de la pintura kandinskiana). El camino hacia la abstracción total estaba abierto...

Podríamos decir que en relación a la regla tradicional del arte como imitación de la realidad se había roto en 1910 (o 1913), con la aparición de la “Primera acuarela abstracta” de Kandinsky. Dos años después publicó el libro “De lo espiritual en el arte” donde exponía la teoría de sus planteamientos, proponiendo --- en su ataque al materialismo reinante --- una dimensión espiritualista. El arte procede de una necesidad interior (idea presente ya en el Romanticismo) exponiéndolo por medio del color y la forma. Para Wassili Kandinsky los colores (como los sonidos) poseen un significado propio actuante sobre los sentidos  y puede llevar (si somos  perceptibles a la manifestación artística) a una experiencia espiritual. Si un color provoca tan solo un efecto superficial (mismo caso que en el sonido) o el grado de sensibilidad no es muy alto el efecto desaparecerá al acabar el estímulo. La percepción de colores y formas ha de ser total/integral, no solamente de la parte consciente del ser humano sino también del subconsciente- De esta forma a partir de Kandinsky (referente al arte abstracto) no hay en toda la superficie del cuadro ni una sola pincelada que exponga al espectador la más mínima idea de una realidad objetiva ofrecida por el pintor. Se ha prescindido de cualquier tipo de perspectiva desplegando una obra totalmente plana. Una sensación de relativa profundidad a la par de una impresión de lejanía y cercanía se deberá a la buena combinación de colores fríos (azul, verde pálido) y cálidos (rojo, marrón)...

jueves, 8 de septiembre de 2016

TIZIANO, LA MARAVILLA DEL COLOR


Stefano Zuffi nos informa concisa y densamente en su obra sobre Tiziano (Pockets Electa, 1996) que su gran aportación al arte pictórico es el uso del color. Solo un Velázquez o un Van Gogh han poseído gusto y sentidos similares para la coloración. La pincelada de Tiziano no solamente añade tonalidades a la tela, sino también masa, forma, materia. Para Tiziano el pintor debía conocer tres colores: blanco, negro y rojo y tenerlos en la mano. Habitualmente usaba --- fue el primero en hacerlo --- los colores sordos o quebrados (él los llamaba “sucios”), obtenidos por la mezcla de complementarios y blanco en desiguales proporciones (Zuffi). Su forma de pintar al óleo, forma que aprendió de Giovanni Bellini y Giorgione, también es innovadora: al substituir los pinceles de punta fina y pelo suave por otros de cerda sus óleos ganan en textura y la materia pigmentada adquiere un relieve especial, convirtiéndose en factor importante con respecto a la calidad pictórica y estilo. De ello nace el aprecio por las calidades matéricas de la pintura (aparte de acabar algunas de sus obras con los dedos, con mayor frecuencia que alguno de sus contemporáneos). Tiziano no ilumina formas dibujadas con colores existentes sino que crea color  y forma al mismo tiempo y a medida que avanza la obra. Adoptó el método de trabajo de Giorgione  sin esquemas ni bocetos previos yendo aún más lejos. Tiziano empieza a pintar directamente dibujando, coloreando y corrigiendo sobre la marcha. El dibujo era para él una interpretación plana de la forma de los objetos y otra distinta llegar a la forma de las cosas mediante el color.
La temática sobre la obra de Tiziano se compone de mitología, iconografía cristiana, alegoría y su magnífica producción retratista-
Lo único dudoso en la vida de Tiziano Vecellio es la fecha de su nacimiento en Pieve di Cadore (Venecia), fijándose entre 1488 y 1490, falleciendo en Venecia en 1576. Cantidad y calidad de obras en su larga vida. Es la primacía del color antitéticamente colocada frente a la preponderancia, en el mismo período, propia de Miguel Ángel, ambos pilares pictóricos del siglo XVI.
La familia Vecellio había dado generaciones de abogados y notarios en Pieve di Cadore, importante villa cuya economía se apoyaba en el comercio de madera (el propio Tiziano invertirá parte de sus bienes en aserradero y transporte de maderas). Dotado de cierto talento natural se trasladará a Venecia a los nueve años junto a su hermano, recibiendo un progresivo y completo aprendizaje con el mosaiquista Sebastián Zuccato, con Gentile Bellini y, finalmente, con Giovanni Bellini. Con Zuccato empezó a apreciar el color como materia,con Gentile adquirió predisposición para el retrato y para Giovanni completó su formación más significativa: el tonalismo, gran conquista de la pintura veneciana de principios del siglo XVI (abandonar progresivamente el dibujo para extender los colores por todo el cuadro con sutiles cambios de tono sombras- luces). En el taller de Giovanni conoce a Giorgione (unos 10 años mayor que él) con quien formará una especie de sociedad pictórica (cuadros pintados al alimón con dificultades en descubrir las respectivas autorías).
Tiziano se identifica con el mundo poético de Giorgione pero con más dinamismo , en pleno movimiento, libre de corsés arquitectónicos y con un estilo personal. Comienza a tener ya un público y un nombre. Nos legó una obra pictórica incomparable por calidad y cantidad. De forma esquemática podríamos dividir su aportación en dos etapas.
A) obras de juventud (hasta 1515 aprox.). Cuando Giorgione muere joven (epidemia de peste) Tiziano acaba tres de sus obras que son “Virgen y el niño con san Roque y san Antonio de Padua” (1510), “Concierto campestre” (1511) y “Venus dormida” (ca. 1510). Su particular cromatismo (rojos, naranjas, ocres sobre azules y verdes quebrados) ya empieza a notarse en sus primeras obras documentadas. “Los milagros de san Antonio” (tres frescos, 1511), la alegoría cristiana- pagana con riqueza de colores y vitalidad de personajes en “Amor sacro, amor profano” (1515), igual que “Flora” (1515), otro derroche de saber pictórico- colorista. “Noli me Tangere” (1512), con reminiscencias giorgionescas (en el paisaje de fondo) y en “La Virgen y el Niño con san Jorge y santa Catalina” (ca. de 1515), el cromatismo destaca en sedas y rasos. Ahora es cuando Tiziano evoluciona hacia rasgos más personales.
B) Comienza ahora su 2ª y última etapa que es su prolongada y total madurez artística, abierta con “La Asunción de la Virgen” (1516- 1518), primera gran obra religiosa de Tiziano, monumental (casi 7 metros de altura), donde separa cielo y tierra. El cielo desprende luz dorada y en la tierra están los apóstoles. “La Asunción de la Virgen” propagó definitivamente la fama de Tiziano en su país y fuera de él. “La Virgen Pesaro” (1519- 1526) es otra formidable pintura en lo compositivo y en lo cromático  que la acerca a la anterior. El “Políptico Averoldi” (1520- 1522) dividido en cinco ventanas donde destaca la mayor/central (Cristo resucitado/triunfante) y la del lado inferior izquierdo (muerte de san Sebastián), con total y ejemplar unidad al conjunto, en primer lugar gracias al uso de la luz que da resplandores y reflejos mientras el recuadro central suma los efectos de contraluz totalmente innovadores.
Apartir de 1518 Tiziano comienza las obras para el despacho privado de Alfonso d'Este, duque de Ferrara, las cuales le llevarán varios años. Tiziano pintaba tres telas aparte de retocar una de Giovanni Bellini. La sensación que circula por las obras es de un carácter festivo. Allí donde Giorgione practicaba las armonías del tonalismo, sosegadas y melancólicas, Tiziano da imágenes de impetuosa energía: “Los amorcillos” (1518-19), “Baco y Ariadna” (1520-23) y “La Bacanal” (1523-26). En ellas, cualidades pictóricas aparte, se demuestra que Tiziano era el mejor pintor de niños (“Amorcillos”) y gran conocedor de las mitologías griega y romana.
La “Venus de Urbino” (1538), óleo sobre tela, una de las obras cumbre del Renacimiento la cual sirvió de modelo a varios artistas (Goya, Manet). La Venus adormecida mira al observador mientras las criadas y el perro  durmiendo aportan imagen de cotidianidad. Es la sucesora más viva y real que “La Venus dormida” de Giorgione (1507-10) que el mismo Tiziano había ayudado a pintar.
De “Venus recreándose con el amor y la música” (1548) hizo Tiziano varias versiones relacionando nuevamente un ambiente real con sensualidades clásicas del mundo pagano: “Dánae fecundada por la lluvia de oro” (1553-54) y “Venus con Adonis” o “La Venus del espejo” (1555).

A partir de la década 1550- 1560,Tiziano da respuesta o complementa (según como se mire) al movimiento Manierista (nacido como reacción a las normas compositivas humanistas con las características son la monumentalidad de Miguel Ángel, emulación de la Antigüedad y posturas retóricas y contorsionadas): “La gloria” (1551-54) y la inacabada “La piedad” (1570). También es muy importante los retratos, Tiziano es, sin lugar a dudas, uno de los mejores retratistas de la pintura :”El emperador Carlos V a caballo”, “Pablo III con sus sobrinos, “Isabel de Este” entre otros., magníficos a todos los niveles.