tag:blogger.com,1999:blog-63840527529083040112024-03-13T03:03:39.271-07:00Cine y CulturaNarcíshttp://www.blogger.com/profile/08118936220217813153noreply@blogger.comBlogger218125tag:blogger.com,1999:blog-6384052752908304011.post-22279070680174063182020-03-15T05:22:00.000-07:002020-03-15T05:22:43.938-07:00SOBRE LA CIENCIA- FICCIÓN<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjDmARwlTxSxMIDLbKeYOQe0HWhaj75ADM2MuVNsowyFRCTiVtQeInOBTFvG389yyskYNTdLh1xC8ZA0sq2n8yPq4GR4nqEeK3WsbgZRdI0xYcnzi7l1gerd8lxh1Cr2Kwil0YqxJ29JgQC/s1600/portada_ursula_800x669.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="669" data-original-width="800" height="267" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjDmARwlTxSxMIDLbKeYOQe0HWhaj75ADM2MuVNsowyFRCTiVtQeInOBTFvG389yyskYNTdLh1xC8ZA0sq2n8yPq4GR4nqEeK3WsbgZRdI0xYcnzi7l1gerd8lxh1Cr2Kwil0YqxJ29JgQC/s320/portada_ursula_800x669.jpg" width="320" /></a></div>
<br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><i><span lang="ES">“La
Ciencia-Ficción no es algo menor. Y no es solo, ni especialmente, la
Enterprise, Star Wars o “Las tropas del espacio”. Significa experimentar con la
imaginación, responder preguntad que no tienen respuesta. Implica cosas muy
profundas, que cada viaje es irreversible”</span></i></b><span lang="ES">.
(Ursula K. Le Guin, escritora) <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES">“<b><i>La
Ciencia-Ficción no es solo un género literario, sino algo más que un estado de
conciencia</i></b>”. (René Rebetez, escritor)<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span>Mucho se ha
hablado de este (sub) género naciente de la literatura de ficción y de
fantasía. La Ciencia- Ficción literaria tuvo su apogeo en los años 20 del siglo
XX, aunque hubiera obras identificables antes de la eclosión, llamada Proto
Ciencia- Ficción. Generalmente se toma el año 1818 cuando es publicado “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Frankenstein
o el moderno Prometeo</i></b>” de Mary W. Shelley como primera obra de Ciencia-
Ficción, seguida de algunas elaboraciones de Julio Verne por el ensamblaje de
anticipación que poseen (aunque haya seguidores que no lo vean así) y las de
Herbert Georges Wells, todas ellas antes del reconocimiento popular y cultural
del género y de la aparición de la nomenclatura aunque aparezcan elementos de
Ciencia- Ficción en leyendas, relatos y mitos mucho antes. Se nos explica que Dédalo,
padre de Ícaro, --- mitología griega--- constructor del laberinto de Minos,
creó estatuas de madera con vida y autonomía propias. “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Cyrano de Bergerac”,</i></b> <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“El
barón Munchaüsen</i></b>” o hasta incluso “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Somnium</i></b>”, de Johannes Kepler, son
claros paradigmas de la Proto Ciencia- Ficción, como también Edgar Allan Poe
tiene relatos con ingredientes del género (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">La incomparable aventura de un
tal Hans Pfaal”, “Revelación mesmerica</i></b>”, etc.) o Howard Phillips.
Lovecraft.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">El termino
Ciencia- Ficción surgió en 1926 gracias al electricista y publicista Hugo
Gernsback al incorporarle en una revista de narración especulativa, “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Amazing
Stories</i></b>”, aunque parece ser que la unión de ambos vocablos se utilizaba
ya en 1851 (atribuido a William Wilson) pero nunca se generalizó hasta su
invención y uso por parte de Gernsback quien se vio obligado a vender la
revista con la denominación inicial, <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“Scientifiction</i></b>” (hoy diríamos aquí <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Cientificción)</i></b>
que, por otra parte, nunca cuajó y quedarse con el de <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Science- Fiction</i></b> (<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Ciencia-
Ficción</i></b> para el castellano). Con relación a la abreviación se ha usado
“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Sci-fi</i></b>”,
o sencillamente las iniciales <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">SF</b>,
que yo prefiero (hay por supuesto el equivalente, <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">CF</b>).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Una vez asentada y
reconocida como (sub) género (nunca en sentido peyorativo sino indicativo
puesto que la SF forma y es<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>parte de la
literatura de fantasía), la SF conoce su esplendor a finales de los 30 hasta
principios de los 50: Arthur C. Clarke, Robert Heinlein, Isaac Asimov, John
Wyndham o Karel Capek, introductor de la robótica en la literatura de SF a
partir de su obra teatral. A esta época, llamada <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“La Edad de oro”,</i></b> le
sigue “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">La Edad de Plata”,</i></b> que podríamos acotar a mediados de los 50
hasta la mitad de los 60, donde vemos la consolidación<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>de los antes citados mientras escritores no
catalogados ni especializados en el género son más reconocidos, Aldous Huxley o
George Orwell (en su famosa “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">1984</i></b>”, escrita en 1948) a la vez que
entraban en el Olimpo de la fama nombres como Poul Anderson, Philip K. Dick,
Ray Bradbury, Richard Matheson, Frederick Pohl, Clifford D. Simak sin
olvidarnos de personajes que habían cultivado la literatura de fantasía y
terror con alguna incursión en la SF, como el ya citado Lovecraft, Fritz
Leiber, Robert Bloch (autor de la novela que tradujo Alfred Hitchcock en
imágenes, “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Psicosis”</i></b>) o Robert E. Howard (el autor más famoso del género
de fantasía llamado “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Espada y brujería</i></b>” junto con J.R.R.
Tolkien, creador de personajes como <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Solomon Kane</i></b> o <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Conan el Bárbaro</i></b>),
fallecido prematuramente en 1936 pero<span style="mso-spacerun: yes;">
</span>reconocido en los 50-60.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">La dificultad
surge cuando queremos tabular una definición dada la complejidad del posible
contenido de los dos términos ¿Qué ha de haber? ¿Quizás 50% de ciencia y 50% de
ficción? Algunos no familiarizados con el género se quejaban de haber mucha
ficción y poca ciencia, otros piden lo contrario pero esta cuestión ha de
aparcarse hoy en día ya que prácticamente no existe fricción en este punto. En
infinidad de libros publicados hasta hace poco, los respectivos autores ---
fueran analistas, eruditos o aficionados --- dejaban en blanco la definición.
Actualmente, por el contrario, todos intentan la descripción, difícil ---
repito ---, por la gran extensión y complejidad del tema. Los argumentos pueden
ser muchos: conquista del espacio, viajes interestelares, civilizaciones
extraterrestres, mutaciones a consecuencia de catástrofes provocadas por el
hombre o por una fuerza cósmica, viajes en el tiempo, el tema de la robótica y
sus diferentes planteamientos, etc., mientras la acción se puede dar,
generalmente, en un futuro pero también en el pasado o presente, en tiempos
ajenos a la realidad humana; el escenario será terrestre o extraterrestre,
reales o imaginarios o en el interior de la mente (cita de Wilkipedia a estos
elementos). Quizás una de las definiciones más plausibles sea la de los
escritores Eduardo Gallego y Guillem Sánchez en su artículo “¿<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><u>Qué
es la Ciencia- Ficción</u>?</i></b>”: “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">La Ciencia- Ficción es un género de
narraciones imaginarias que no pueden darse en el mundo que conocemos, debido a
una transformación del escenario narrativo, basado en una alteración de
coordenadas científicas, espaciales, temporales, sociales o descriptivas, pero
de tal modo que lo relatado es aceptable como especulación racional”</i></b>.
Para muchos escritores del género, trata expresa y principalmente sobre la
ciencia y posibilidades científicas, incluso sobre la probabilidad científica.
J. P. Telotte (1) nos dice en la introducción de su obra que la SF propone el
juego de “¿<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Qué pasaría si…?</i></b>” en el que se enfrascan los científicos cuando
diseñan experimentos y llevan a cabo su investigación extrapolando a partir de
lo conocido para explicar lo desconocido. Ello da paso a la definición dada por
el editor de revistas John W. Campbell Jr.: “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">La SF debería ser siempre un
esfuerzo para predecir el futuro basándose en hechos conocidos, sobretodo
conseguidos por los laboratorios actuales</i></b>” pero esto solo es una
definición parcial que atañe a determinados temas de la SF.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Pasando a su
homólogo cinematográfico vemos, prácticamente, que el cine nació con la SF.
Ilustres pioneros como Georges Méliès y el aragonés Segundo de Chomón, ínclitos
primeros adaptadores de Julio Verne y H. G. Wells, tienen en su haber varias o
muchas películas del género como las sugestivas “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El hotel eléctrico” ,</i></b> “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">La
cocina magnética</i></b>” (Chomón), “<b><i>Viaje a la luna</i></b>” (Méliès). A
diferencia de la literaria la SF cinematográfica obtendrá su reconocimiento (y
en muchos casos su prestigio) en los años 50, coincidiendo con la <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Edad
de Oro</i></b> de la SF escrita. Evidentemente había muestras de género antes
de su aceptación como tal. Así, podríamos señalar, resumiendo lo anteriormente
dicho,<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>el desarrollo de<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>la <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><u>SF
LITERARIA</u></b> como: 1) PRIMITIVA O PROTO SF-----> 2) ASENTAMIENTO<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>Y AVANCE HACIA EL RECONOCIMIENTO, APARICIÓN
DEL TÉRMINO EN LOS AÑOS 20-----> 3) LEGITIMACIÓN – PRESTIGIO, FINALES
30-MEDIADOS 50, ECLOSIÓN LITERARIA (<i style="mso-bidi-font-style: normal;">EDAD
DE ORO</i>)<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>4) -----> CONSOLIDACIÓN,
APARICIÓN EN MÁS CANTIDAD DE LAS OBRAS RECONOCIDAS COMO CLÁSICOS, ½ DE LOS 50 A
½ DE LOS 60 (<i style="mso-bidi-font-style: normal;">EDAD DE PLATA</i>) ----->
5) LA SF MODERNA, ESPECIALMENTE DE 1965 A 1972, SE AMPLÍAN CAMINOS Y TEMAS,
EPOCA DE GRAN EXPERIMENTACIÓN (<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">NUEVA OLA</i></b>).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">El camino de la <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><u>SF CINEMATOGRÁFICA</u></b>, resumiendo,
sería el siguiente: A) -----> BALBUCEOS EN EL NACIMIENTO DEL CINE (MELIES,
CHOMON) B) -----> MANOJO DE FILMS SUELTOS EN TIEMPO DE SF CINEMATOGRAFICA NO
LEGITIMADA (AÑOS 20, 30, 40 Y ALGUNO DE LOS 50) C) -----> EL CINE DE SF
LOGRA SU RECONOCIMIENTO- PRESTIGIO, BUSCA EN MÁS O MENOS INTENSIDAD UN LENGUAJE
CINEMATOGRÁFICO EN LOS 50, INFLUENCIA DE LA “GUERRA FRÍA” D) ----> ESPLENDOR
Y MADUREZ (2) SON LOS TERMINOS PARA REFLEJAR LOS AÑOS 60, ECLOSIÓN APOTEÓSIS
DEL GÉNERO CON “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">2001, UNA ODISEA DEL ESPACIO”</i></b> (STANLEY KUBRICK, 1968) E)
-----> TÍTULOS INTERESANTES AISLADOS, SE MANTIENE EL PRESTIGIO F) ----->
FINAL AÑOS 70, 80, 90, HASTA LA ACTUALIDAD: EN GENERAL SE ABANDONA LA
ESPECULACIÓN, LA SF YA NO ES TAN TRANSGRESORA, NOS CENTRAMOS EN MÁS EN
AVENTURAS REMEMORANDO COMICS, IRRUPCION DE “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">LA GUERRA DE LAS GALAXIAS</i></b>”
(GEORGE LUCAS, 1977) Y SAGA POSTERIOR, ALGÚN TÍTULO INTERESANTE Y MÁS ARRIESGADO
SOBRE LA TÓNICA GENERAL (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">BLADE RUNNER”, “ALIEN”, “DESAFÍO TOTAL”</i></b>,
ECT.).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Así, la SF visual
logra su reconocimiento en los 50, treinta años después de su homólogo
literario. Cuando no tenía aún un lenguaje cinematográfico la SF adapta/adopta
el del fantástico y de terror, imitando las obras de Universal y seguidores;
una excelente película como “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">The Day the Earth Stood Still” (“Ultimátum a
la Tierra”, </i></b>1951<b style="mso-bidi-font-weight: normal;">),</b> de Robert
Wise, p. e., se expresa con material y estilo del cine negro de 20th Fox,
productora del Film. Aparte, varios films de SF se engloban/archivan en el cine
de terror para mejor comercialización/localización/comodidad: todas las obras
de cine sobre la historia de “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Frankenstein</i></b>”, las del “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">hombre
invisible</i></b>”, las del <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“Dr. Jekyll & Mr. Hyde”</i></b> <span style="mso-spacerun: yes;"> </span>o <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“Island of the lost souls” (“La isla de las
almas perdidas”)</i></b>, de Erle C. Kenton (Paramount, 1932), primera y mejor
adaptación de la obra de H.G. Wells son claros ejemplos…. La SF, recordemos,
ubicada siempre dentro de la fantasía, debe tener un sostenimiento/una
justificación científica o pseudo científica en su argumento mientras que el
cine de terror fantástico (llamado de varias formas) lo tiene por lo
sobrenatural (magia, hechicería, maldiciones, etc.).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span>Esta<span style="mso-spacerun: yes;">
</span>breve reflexión sobre la SF está en función de esbozar el camino de una
gran película del tema que comentaremos, Dios mediante, en un futuro próximo: “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Them!</i></b>”
(literalmente <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">¡Ellas!</i></b>”), estrenada en España como <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“La humanidad en peligro</i></b>”
(1954), de Gordon Douglas sobre unas hormigas que se han vuelto gigantes a
causa de las radiaciones de una bomba atómica (crítica sobre el armamento
nuclear) con erl consiguiente perligro para la taza humana. Tras el<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>éxito artístico y comercial (yo prefiero el
primero) se inició un tema/apartado sobrela SF, el de los insectos gigantes: “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Tarántula</i></b>”
(Jack Arnold, 1955) --- aunque la araña no sea un insecto --- y “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">The
deadly mantis</i></b>” (Nathan Juran), exponentes más significativos y
representativos después del film de Douglas y también podríamos recordar aquí “<b><i>Ultimatum
a la Tierra</i></b>” de Robert Wise sobre un extraterrestre que nos pide haya
paz<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Otra definición de
la SF, en este caso elucubrada por algunos amigos asistentes asidúos al
Festival de Sitges de antaño y aficionados al género: “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">La SF es una mixtificación de lo
real y lo fantástico en una atmósfera eminentemente científica”</i></b>.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><span style="mso-spacerun: yes;">
</span>Narcís Ribot i Trafí<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">1)- “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El
cine de Ciencia- Ficción</i></b>” (2002), de J. P. Telotte. Traducción española
de “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Science-
Fiction</i></b> (2001) publicado por Cambridge University Press (2001).
Análisis bastante destacable de la literatura de SF.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">2)- <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“La
edad de oro de la Ciencia- Ficción</i></b>” <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">(1950-1968)</i></b>”, de Javier
Memba. T & B Editores, Madrid, (primera edición: diciembre-2007).
Posiblemente el mejor estudio sobre la SF cinematográfica (de los años
anunciados) publicado en los últimos años por un autor que le gusta y sabe del
tema a tratar. <o:p></o:p></span></div>
<br /><br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiXPot0qkOguZdBqQk3uJkeo7BGQ_ZUZChAJa4nMl3Ec5xwJhOyJjcGHrvzymdPL2yCIn-C22P7oMLTnsWgO89xuG2rn03vBCLsuiLRiEIdHEkhdZ6M94gnIKkCz4mhQgDXdlsKDyCthez3/s1600/ciencia-ficcion-star-wars.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="500" data-original-width="840" height="190" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiXPot0qkOguZdBqQk3uJkeo7BGQ_ZUZChAJa4nMl3Ec5xwJhOyJjcGHrvzymdPL2yCIn-C22P7oMLTnsWgO89xuG2rn03vBCLsuiLRiEIdHEkhdZ6M94gnIKkCz4mhQgDXdlsKDyCthez3/s320/ciencia-ficcion-star-wars.jpg" width="320" /></a></div>
<br />Narcíshttp://www.blogger.com/profile/08118936220217813153noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6384052752908304011.post-31509089720415188692020-03-05T22:20:00.000-08:002020-03-05T22:20:41.185-08:00“EL PERRO DE LOS BASKERVILLE” <div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhuhr3Od2-bWI06YD5B1wRcrbGbfuD7rTKecBLlWxbYb3gkzc76YOJydUhDKUomdXPcqWal9ALPGf-8O9YjjuUeTM53KrpRU1JMkMdlc3JzEobhHNu8F7o4y0kBW9lPqnwI3Im4Y8b3PiTB/s1600/THE+HOUND.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1020" data-original-width="690" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhuhr3Od2-bWI06YD5B1wRcrbGbfuD7rTKecBLlWxbYb3gkzc76YOJydUhDKUomdXPcqWal9ALPGf-8O9YjjuUeTM53KrpRU1JMkMdlc3JzEobhHNu8F7o4y0kBW9lPqnwI3Im4Y8b3PiTB/s320/THE+HOUND.jpg" width="216" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="mso-line-height-alt: 10.0pt; text-align: justify;">
<b><span lang="ES" style="font-family: Algerian; font-size: 20.0pt; mso-bidi-font-family: Algerian;">(TERENCE
FISHER, 1959)</span></b><b><i><span lang="ES" style="font-family: Algerian; font-size: 12.0pt; mso-bidi-font-family: Algerian;"><o:p></o:p></span></i></b></div>
<div class="MsoNormal" style="mso-line-height-alt: 10.0pt; text-align: justify;">
<b><i><span lang="ES" style="font-family: Algerian; font-size: 12.0pt; mso-bidi-font-family: Algerian;">“No
cuenta lo que sabemos sino lo que podemos probar” </span></i></b><b><span lang="ES" style="font-family: Algerian; font-size: 12.0pt; mso-bidi-font-family: Algerian;">(Sherlock
Holmes en “<i>El perro de los Baskerville</i>”, de Arthur Conan Doyle)</span></b><span lang="ES" style="font-family: Algerian; font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Algerian;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="mso-line-height-alt: 10.0pt; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: Algerian; font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Algerian;">-Publicado
originalmernte en “<b><i>Forun Universitas</i></b>” y “<b><i>Diario de cine</i></b>”
(2013)-</span><b><span lang="ES" style="font-size: 18.0pt;"><o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="mso-line-height-alt: 10.0pt; text-align: justify;">
<b><span lang="ES" style="font-size: 18.0pt;"> </span></b><span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%;"> “<b><i>The
Hound of the Baskerville” (“El perro de los Baskerville”</i></b>) es una de las
cuatro <i>novelas sobre Sherlock Holmes
escritas por </i>Arthur Conan Doyle, originalmente publicada por entregas
mensuales en el <b><i>Strand Magazine</i></b> de Londres en 1901-1902. Está configurada por
15 capítulos y la acción acontece principalmente en la apartada y poco poblada
región de Dartmoor (parte de Devonshire, reconvertida actualmente en parque
nacional), Inglaterra. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; tab-stops: center 99.25pt; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%;">Termina
la guerra de los Bóers y el escritor se retira a descansar lejos de Londres con
su amigo, el periodista Fletcher Robinson, para instalarse en un hotel de
Cromer (en la costa de Norfolk). Allí
--- entre mal tiempo, lluvias y frío --- Robinson le contó la leyenda de un
gran perro fantasmal que aparecía durante algunas noches en los yermos y
ciénagas del condado de Devon, junto con otras leyendas de mastines con ojos
enrojecidos y una criatura mezcla de enorme y monstruoso perro y diablo que
aparecía en los páramos persiguiendo a los caminantes que circulaban por ellos.
Sorprendido e impresionado por estos terroríficos relatos, Conan Doyle decidió
basarse en uno de ellos para su próxima novela. Al ser racional el desenlace decidió que fuera su personaje,
el investigador Sherlock Holmes, haciéndole aparecer ocho años antes de su
muerte al caer en las cataratas de Reichenbach con su mortal enemigo, el
profesor Moriarty (muerte que no fue tal, como sabemos). El paisaje en las
cercanías de la colina Fox Tor en Darmoor inspiró la localización del Grimpen
Mire en el relato. Rodeados de páramos pantanosos y turberas que aún, hoy en
día, despiertan el temor de los caminantes, especialmente después de las
fuertes lluvias que borran todo trazo de senderos y el suelo se convierte en
una resbaladiza y blanda ciénaga (en la novela es destacado por Watson). Cerca
de allí coloca la mansión de los Baskerville (Baskerville Hall), quizás
inspirada en las mansiones de Hayford Hall o Brook Manor, situadas cerca de
Buckfastleigh.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%;">Como
material de construcción utiliza dos géneros magistralmente yuxtapuestos: 1) el
terror con misterio extraído de la tradición gótica inglesa, a la perfección
fusionado con 2) el policíaco sostenido por la deducción lógica y el “<b><i>whodunit</i></b>”
<b><i>(“¿Quién
lo hizo?</i></b>” en inglés, trama que se va complicando donde se invita al
lector a intentar descubrir al autor del delito antes de finalizar la obra o
sea todo en función de descubrir quien es el ladrón o asesino); lo
sobrenatural, inexplicable, horrendo situado en ambiente de pantanos, ciénagas,
yermos, páramos solitarios y mansiones aisladas
frente a la lógica racional del mejor Holmes (aquí relegado a segundo
plano en función del narrador Watson). Conan Doyle recibió críticas por tratar
con la literatura de fantasía y de terror. La novela fue un éxito, hoy
considerada como uno de sus mejores logros. Años después, personas con la misma
cerrada mentalidad atacaron la versión cinematográfica de Sydney Landfield por
tener el ambiente de terror de aquel entonces (1939), principalmente de
Universal (la película era de la 20th Fox) y 20 años después hicieron
exactamente lo mismo con la versión de Terence Fisher para Hammer: estilo
fantástico, sorpresas y terror en detrimento de la intriga policíaca. Algo
totalmente falso. Como ha pasado en otras ocasiones se criticó a Fisher por
haberse especializado en el género fantástico y ahora se defendía la era
Universal; más adelante se ensalzó a Fisher y a Hammer para menospreciar a
otros realizadores. Así se escribe, en varias ocasiones, la historia. Hoy día sabemos
que las versiones de Landfield y Fisher son las mejores adaptaciones para el
cine de la obra de Doyle (de la novela en particular y de todas sus obras en
general). El cine fantástico ha despertado el desdén y el ataque de algunos
amantes de <i>“Lo políticamente correcto”</i>
y la reacción de un puñado de aficionados quienes han publicado fanzines con
ideas y opiniones a veces interesantes --- validando ya su existencia --- y
otras íntegramente subjetivas. En otros casos, se ha buscado uno o varios films
“<b><i>redentores”</i></b>
del género, películas que justa o injustamente son agasajadas para condenar el
resto (lo intentaron y lo intentan pero no pueden porque el fantástico es un
género popular donde hay obras maestras, films sobresalientes, notables,
pasables junto con mediocridades, desaguisados y auténticas atrocidades) como
pueden ser las películas de terror realizadas por Jacques Tourneur en los 40
para Val Lewton- R.K.O. u <b><i>“2001, una Odisea del Espacio</i></b>”
(1968), de Stanley Kubrick en el campo de la Ciencia- Ficción; films con su
importancia y su peso específico pero que a uno le puedan gustar- atraer más
las de Universal y Hammer en el primer caso y preferir un “<b><i>Planeta prohibido”, “El planeta e los
simios”, “Ultimátum a la Tierra”, “La humanidad en peligro”, “Almas de metal</i></b>”
o “<b><i>Viaje
alucinante</i></b>” en el segundo.</span><b><u><span lang="ES" style="font-family: "Arial Narrow",sans-serif; font-size: 20.0pt; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: "Arial Narrow";"><o:p></o:p></span></u></b></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<b><u><span lang="ES" style="font-family: "Arial Narrow",sans-serif; font-size: 20.0pt; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: "Arial Narrow";">A)- SOBRE TERENCE FISHER-</span></u></b><span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%;">Leí
hace años un escrito donde se decía que “<b><i>Terence Fisher (1904-1980) habló siempre en
voz baja</i></b>”. Nada más cierto (1): ni él ni sus películas fueron nunca
pretenciosos (al igual que John Ford, entre otros). Empezó desde abajo,
trabajando en salas de montaje hasta llegar a la realización. El éxito le vino
años después, finales 50 y toda la década de los 60, en Hammer Films, la
productora de Carreras- Hinds, especializada (a partir de 1955 con “<b><i>El
Experimento del Dr. Quatermass”</i></b>, de Valt Guest, como dijimos) en el
género de terror, fantasía y ciencia- ficción. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%;">Terence
Fisher, hijo único, nació en Maida Vale (Londres), a los cuatro años perdió a
su padre, estudió hasta los 16 años y se embarcó en la marina mercante a los
21. Aún sin objetivo claro en la vida trabajó en un negocio textil para entrar
después de claquetista en los estudios cinematográficos Lime Grove a Sheperd’s Bush para montar su primera
película en solitario en 1936. Su esposa Morag (a quien conoció en los
terribles días de los bombardeos sobre Londres en la II Guerra mundial)
colaboró siempre con él y le animó a introducirse en el campo de la
realización, participará en los cursos de aprendizaje de la Rank y en 1947 tendrá
su oportunidad en una pequeña película de argumento fantástico, “<b><i>Colonel
Bogey</i></b>” y su cuarto film como director lo rodó en los Estudios
Gainsboroug, ya para realizadores profesionales. Junto con Anthony Darnborough
filmará “<b><i>So Long at the Fair” (“Extraño suceso</i></b>”, 1950), su primer film
con cierto renombre. Continuará haciendo pequeños films de consumo interior
británico en los que no creía mucho según declaraciones. Su especialización en
filmes fantásticos le dio su merecido éxito. Había entrado en Hammer también a
principios de los 50 y cuando la firma le encargó “<b><i>The Curse of Frankenstein”, (“La
maldición de Frankenstein, </i></b>1957) la hizo con una semana más del tiempo
previsto (“<i>No </i><i>sabía bien hacia
donde me encaminaba”</i>). Universal había explotado los personajes de
mitología clásica del género en los años treinta en aquellas inolvidables
cintas en blanco/negro para mezclarlos y parodiarlos en los 40. Vendió de mala
gana sus derechos a Hammer a excepción del aspecto del monstruo de Frankenstein
(un ser de apariencia cuadrada/rectangular con dos electrodos en el cuello,
idea del realizador James Whale y del maquillador Jack P. Pierce sobre Boris
Karloff, un hallazgo extraordinario pero sin nada que ver con la novela
original de Mary W. Shelley). Fisher, pues, empezó de cero y sin haber visto
--- por suerte --- las antiguas versiones Universal (las visionó después).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%;">El
equipo casi fijo que rodeó a Fisher era poco conocido al principio pero se
lanzó a la tarea con gran profesionalidad y entusiasmo: los magníficos decorados
de Bernard Robinson (siempre bien aprovechados), el maquillador Phil Leakey
(seco y correcto), la música de James Bernard, siempre sugerente, la fotografía
de Jack Asher (delirante y viva, sencillamente inolvidable), los guiones de
Jimmy Sangster (bien compenetrado con Fisher, su gran mérito fue volver a las
fuentes literarias originales y no copiar, no hacer un “<b><i>remake</i></b>” vulgar de los
antiguos films Universal) y los dos actores emblemáticos lanzados a la fama,
Peter Cushing y Christopher Lee. Christopher Lee fue portador de esta nueva
máscara con un desarrollo interpretativo menos importante y más limitado que la
criatura de la antigua versión pero Peter Cushing será el mejor barón
Frankenstein de todos los tiempos. Dos puntos para recordar diferencias: 1) a
primera vista la divergencia más clara radica en los dos personajes
(creador-criatura), en las películas Universal la criatura roba el protagonismo
(y el nombre) al creador; en las cinco realizadas por Fisher (Hammer produjo
dos más, una de Freddie Francis y otra de un Jimmy Sangster pasado a la
dirección, más inmaduro y menos sólido que como guionista, ambas inferiores al
bloque de cinco firmadas por Fisher) el doctor es el protagonista absoluto,
incluso en algunos títulos el monstruo no aparece (solo un trasplante de
cerebro) y 2), si James Whale en su
sobrevalorado “<b><i>Frankenstein” (“El Dr. Frankenstein”</i></b>, 1931) utiliza material procedente del Expresionismo Alemán
y nos narra la enajenación pasajera de un sabio que juega a ser Dios y crea
vida a partir de la muerte; Fisher nos muestra la evolución del personaje a
partir de su infancia hasta llegar al experimento mediante la progresión de sus
teorías (mostrándose todo el proceso de la creación, el robo de cadáveres y sus
consecuencias hasta el final, guillotinado por la sociedad a causa de los
crímenes cometidos por su abominación mientras en el film de Whale los aldeanos
incendian el molino donde aparentemente la creación morirá a la vez que el
barón se recupera sin que nadie le pida cuentas en su responsabilidad).<b><i><o:p></o:p></i></b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<b><i><span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%;">“La
maldición de Frankenstein</span></i></b><span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%;">” fue un éxito,
ratificado y aumentado un año después con <b><i>“Horror of Dracula”</i></b> <b><i>(“Drácula</i></b>”,
1958), donde Christopher Lee dará su interpretación totalmente sugestiva y
personal del vampiro, perdiendo la imagen fantasmal de Bela Lugosi en la
versión de Tod Browning para Universal. El film es, sencillamente, una obra
maestra y Lee se convierte en un autèntico don Juan de ultratumba donde sangre
y sexualidad recobran su importancia, mientras Peter Cushing será el más
inolvidable profesor Van Helsing (con
cierto paralelismo con Sherlock Holmes). Hasta 1965 Fisher no dará la esperada
continuación, “<b><i>Drácula, príncipe de las tinieblas</i></b>”, excelente, ya que “<b><i>Las novias de Drácula”</i></b> (1960), uno
de sus films más agudos, trata de un discípulo, el barón Meinster (David Peel)
en confrontación con Cushing/Van Helsing. A diferencia de la riqueza de
aportación dada por la serie de Frankenstein, las distintas películas sobre
Drácula --- Fisher ya no dirigió más --- irán perdiendo fuerza hasta aburrir a
Lee. Recordemos su versión, la más profunda temáticamente sobre el personaje de
Robert Louis Stevenson, “<b><i>Las dos caras del Dr. Jekyll”</i></b>
(1960), “<b><i>La momia</i></b>” (1959), con sus meritos descubiertos años después de
su estreno, mismo año para “<b><i>El perro de los Baskerville</i></b>”, el
inolvidable licántropo albino de “<b><i>The curse of the werewolf</i></b>”, (la
mejor película de hombres-lobo) interpretado por Oliver Reed y un film
estrenado para todos los públicos, “<b><i>El fantasma de la Ópera</i></b>”, que
resultó un fracaso en taquilla aunque sus méritos fueron rescatados, también,
más tarde, además de <b><i>“The Gorgon”</i></b> sobre el mito griego de
la Gorgona (una cinta excepcional) y “<b><i>The Devil’s rides out”,</i></b>
protagonizada por un extraordinario Christopher Lee quien combate una secta satánica.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%;">Fisher
detestó siempre la gratuidad (“<b><i>Quiero siempre que el miedo tenga una base
filosófica y moral</i></b>”) evitaba por un igual la teatralidad (presente en
algunas obras de los 30-40) como los efectismos (zooms, efectos visuales,
movimiento continuo de la cámara) que empezaban a caracterizar (influencias del
medio televisivo) el cine de principios de los 70, envolvente también de Hammer
en sus últimos productos (con Fisher ya retirado). Nuestro hombre gustaba de
planos largos pero con uso dinámico de la cámara sin caer en los dos puntos
anteriormente citados. Con el movimiento de la cámara variaba la escala del
encuadre, p. e. un plano general podía convertirse en un plano medio de algún
personaje, para después volverse a abrir, siguiendo o cortando las evoluciones
de los personajes podían los planos desplegarse en gran variedad de
movimientos. Complejidad que, a veces, se traducía en panorámicas
bidimensionales combinando desplazamientos laterales con un movimiento
perpendicular sobre el eje anterior- posterior. Gracias a su dominio y
experiencia en el montaje nos percatamos de su habilidad para establecer nexos
o “<b><i>raccords</i></b>”
originales que sirven de conexión entre las secuencias. Obtiene un total
provecho a partir de la profundidad de campo en doble beneficio: 1) los
decorados son mostrados en su totalidad (sin nunca recrearse en ellos como
hacen algunos realizadores actuales) y 2) podía filmar dos acciones en paralelo
dentro del mismo encuadre. La profundidad de campo puede esconder alguna figura
oculta en un principio para el espectador; es el llamado “<b><i>unheimlich visual</i></b>” usado
por primera vez por el Expresionismo Alemán. Era una época en la cual el “<b><i>fantástique”</i></b>
se servía del plano- contraplano para sorprender y aterrorizar y también
para planos estáticos en tiempos
“muertos”/”de descanso” (incluso directores de diferentes procedencias como
Mario Bava o Roger Corman a veces usaron esta técnica procedente de los
realizadores televisivos), Fisher construye sus planos con objetos como cebo en
el encuadre con los figurantes totalmente fundidos con ellos, filmando al
interlocutor por encima de la espalda de uno de los personajes. Nada de
violencia gratuita en su puesta en escena, en muchas ocasiones dedica un primer
plano de detalle a una secuencia para resaltar la importancia y significación
de un objeto que dará sentido al resto
de la escena (crucifijo: exorcismo contra los vampiros, estaca de madera:
destrucción del vampiro, Pepe Valiente fundiendo un crucifijo de plata para
darle forma de bala que acabará alojada en el corazón del hombre-lobo,
escalpelo para realizar una operación quirúrgica por parte de Frankenstein),
moviendo la cámara rápidamente hacia atrás para enfocar a los personajes.
Actualmente, hablando en líneas generales, se acude sin rubor, o bien porque no
se sabe hacer de otra forma, a la grosería, al exceso y a la vulgaridad. El
recurso usado por Fisher, aparte de ser un acierto estilístico, fomenta una
concepción diferente: inquietud, angustia, sugerencia antes que el susto fácil.
Fisher mostraba siempre al monstruo --- aunque en escasas ocasiones --- y lo
relacionaba con los seres humanos en un mismo plano sin dejarnos en la duda de
si existía o no (como el caso de la serie de RKO y Val Lewton realizadas por
Jacques Tourneur), Fisher jugó siempre limpio. Sus movimientos de cámara
creaban esta inquietud (p. e. largos travellings a través de decorados
desiertos), jamás violencia gratuita. Si
bien fue uno de los primeros directores en mostrar la sangre, siempre lo hace
con algún propósito y nunca en exceso, el filmar en color acentúa los
contrastes en sensación de violencia, jugando sobre los colores con simbolismos
antagonistas. Fisher fue un realizador intuitivo y emocional, con un rigor
encomiable en su puesta en escena, totalmente contrario a las improvisaciones,
así como la repetición de planos con los actores; preparaba los movimientos de
cámara con los actores integrados perfectamente en el decorado/paisaje.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%;">Punto
crucial de la temática fisheriana es el choque Bien- Mal. El Mal se presenta muy
atractivo, extiende sus tentáculos, parece que vencerá pero finalmente triunfa
el Bien, representado generalmente por personas austeras (Van Helsing, Sherlock
Holmes, el duque de Richlieu de <b><i>The Devil’s rides out</i></b>”, el abad
Sandor), el Mal es encarnado por personajes ejercitantes de su atracción sobre
los demás, muchas veces aristócratas (el conde Drácula, el barón Meinster, el
marqués Siniestro de “<b><i>The Curse of the Werewolf”</i></b>, el satanista
Mocata, sir Hugo Baskerville, Mr. Hyde) y en otras ocasiones la antinomia Bien-
Mal coincide dentro de la misma persona, p. e. Carla Hoffman- La Gorgona <b><i>(“The
Gorgon</i></b>”), León Carido- hombre-lobo <b><i>(“Curse of the werewolf</i></b>”) y el Dr.
Henry Jekyll- Mr. Edward Hyde <b><i>(“Las dos caras del Dr. Jekyll”</i></b>)<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%;">Más
adelante el equipo varió: el decorador Bernard Robinson (fallecido en 1970) fue
substituido por Scott McGreggor, el guionista Jimmy Sangster se retiró y
Anthony Hinds, hijo del copropietario de Hammer, con el pseudónimo de John
Elder (su característica más esencial era la irregularidad) ocupó su lugar, el
maquillador Phil Leakey se marchó pero trajo a su substituto Roy Aston cuyo
mayor logro fue el maquillaje del licántropo en “<b><i>Curse of the werewolf</i></b>” y
el fotógrafo Jack Asher reemplazado por Arthur Grant cuya fotografía es
brillante aunque no tan pictóricamente regular como la de su antecesor (otros
fotógrafos destacables fueron Moray Grant, sin ningún vínculo familiar con
Arthur, y Michael Reed) pero la puesta en escena fisheriana no cambió, siempre
espléndida, siempre geométrica……<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%;">Con
sus intereses cómodamente asentados, a mediados de los 60 Hammer dio paso a
otros directores. Que duda cabe que con aciertos: el ex –fotógrafo Freddie
Francis, el recientemente fallecido Roy Ward Baker, Val Guest, John Gilling (2) etc. nos ofrecieron “cuentos” clásicamente
bien narrados pero solo Fisher transgredió los maleables materiales de John
Elder o los bienintencionados de Jimmy Sangster porqué el fantástico es un
género donde se pueden decir muchas cosas. Más adelante introdujeron
realizadores provenientes de la televisión (Fisher jubilado ya con el pretexto
de la edad), empezó la decadencia y los estudios cerraron a mitad de los
setenta.</span><b><u><span lang="ES" style="font-family: "Arial Narrow",sans-serif; font-size: 20.0pt; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: "Arial Narrow";"><o:p></o:p></span></u></b></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<b><u><span lang="ES" style="font-family: "Arial Narrow",sans-serif; font-size: 20.0pt; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: "Arial Narrow";">B)- EL PERRO DE LOS BASKERVILLE (1959)</span></u></b><span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%;">-El
primer acierto de Terence Fisher es mostrar en la obertura del film lo que
sucedió a sir Hugo de Baskerville (David Oxley) siglo y medio antes del
desarrollo de los acontecimientos. Al exponer la leyenda al principio se (nos)
ahorra un flash- back explicativo (un retroceso en el tiempo, cansino en
ocasiones por cortar la narración y después volver a retomar la trama,
necesario y /o acertado en otras). Después del impresionante genérico pasamos a
1740 donde en la mansión Baskerville un criado es arrojado por una ventana
llevándose la cristalera por delante hasta caer al foso de agua. Una voz en off
nos habla de sir Hugo, un hombre impío, salvaje y blasfemo, dominado por su
inclinación a lo perverso y a la crueldad. Rodeado de una cohorte de
aristócratas amigos suyos que le ríen las gracias, bajan a sacar al infeliz
para continuar martirizándole ya que se había negado a entregar a su hija a los
deseos de su amo. La muchacha, encerrada en una alcoba, logra escapar por la
ventana lo cual despierta la ira de sir Hugo quien la persigue a caballo con
una jauría de perros. La joven logra refugiarse en las ruinas de una abadía
cerca del páramo pero es descubierta por su perseguidor. Un aterrador aullido
se escucha en la obscuridad. Todos lo perros de la jauría huyen, así como el
caballo pero el malvado no quiere renunciar a la cacería, su orgullo está
herido: arroja al suelo a la mujer y la apuñala con una daga, vuelve oírse el
amenazador aullido. Sir Hugo se vuelve y grita, algo que no se ve se le arroja
encima y le degüella. Fisher no enseña el supuesto perro fantasmal ni la muerte
del réprobo noble, solo ruido y el plano detalle de la daga de sir Hugo en el
suelo que encadenará con el inicio, 148 años después, en la casa de Sherlock
Holmes, quien realiza una jugada magistral de ajedrez sobre un tablero mientras
escucha la narración del Dr. Richard Mortimer (Francis De Wolff). Este,
aparente amigo de los Baskerville, les cuenta que el sabueso espectral surge
amenazador para atacar a quien posea el título y tierras de los Baskerville,
que sir Charles, amigo suyo, murió en el bosque de un infarto (terror al ver
algo, ¿El perro?) y ahora llega su sobrino sir Henry de Baskerville y teme por
su vida ya que, se intuye, la maldición recaerá sobre él.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%;">Hasta
aquí el guión (muy bien estructurado) de Peter Bryan se ciñe a la novela de
Conan Doyle. A partir de ahora realizará algunos cambios como la aparición de
la tarántula venenosa robada al aquí reverendo Frankland (Milles Malleson),
aficionado a la entomología; la mina abandonada; Cecile (Maria Landi), esposa
de Stapleton (Ewen Sola) en la novela, devenida aquí hija suya; el segundo
cuadro de sir Hugo, robado para no ver la mano derecha palmeada que también
tiene el asesino, asimismo descendiente del Baskerville quien desea eliminar a
sir Henry para más tarde apoderarse de la herencia y las tierras. Elementos
todos ellos policíacos que contrastan con los del terror gótico. Fisher juega y
domina perfectamente la fusión de ambos géneros con la resolutiva aportación
racional del detective y va encajando los componentes policiaco-detectivescos
como un juego de cartas donde se logra colocar los precisos naipes para lograr
el solitario o similar a una jugada de ajedrez como la ejecutada al inicio,
después de la narración de la terrible leyenda.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%;">La
fotografía de Jack Asher es (como siempre) sencillamente magnífica, el pardusco
color de la vegetación muerta de los páramos, el de las peligrosas ciénagas,
riscos o el mismo de la abadía en ruinas contrastando con el generalmente
grisáceo del castillo Baskerville y el <i>atrezzo
</i>de Bernard Robinson: la reproducción
de los bosques, yermos, páramos y ciénagas parece extraída de la mente de Conan
Doyle, el castillo vemos el mismo decorado, retocado, claro, que “<b><i>Dracula,
príncipe de las tinieblas”</i></b> (el hall) o las columnas salomónicas (“<b><i>Drácula</i></b>”),
aparte del triciclo del reverendo anglicano, cajones de buena madera, urnas de
cristal y demás utensilios de entomología nos recuerdan el detallismo perfecto
que hacía de Robinson uno de los mejores de su oficio.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%;">Así
lo sobrenatural y fantástico avanza conjuntamente con el policíaco- deductivo-
racional discurrido por Holmes, los avances en ambos géneros van uniéndose
prácticamente cuando Holmes en la abadía en ruinas encuentra la daga de 1740
con la cual sir Hugo dio muerte a la doncella por negarse al derecho de pernada
aunque en su hoja hay sangre reciente……un preso fugado de una penitenciaría
situada a siete millas de Baskerville, Seldon (Michael Mulcaster), es en
realidad hermano de la Sra. Barrymore (Helen Gros) quien con su marido (John Le
Mesurier) cuidan del castillo desde hace años. El recluso escapado es
encontrado con la garganta destrozada, luego el cuerpo desaparece y es mutilado
con la famosa daga de sir Hugo para
evitar su reconocimiento. Holmes va atando cabos. La señora Barrymore confiesa
llorosa ser hermana de Seldon a quien daba comida y ropa usada por la noche.
Sir Henry, quien ha iniciado una relación amorosa con Cecile, la tranquiliza
sin llamarle la atención ni despedirla. Entonces pasamos ya al campo de lo
policiaco/racional. El famoso perro al oler la ropa usada de sir Henry mató a
Seldon por equivocación, deduce Holmes e investiga una abandonada mina de
estaño donde sospecha guardan un perro amaestrado convertido en fiera al no
darle de comer y en la noche deseada hacerle oler prendas del interesado para
que le devore . Sospecha de Stapleton que tiene la mano palmeada. Él y su
cómplice el Dr. Mortimer provocan la caída de una vagoneta lo cual causa un
derrumbe para asesinar al detective. Hubiera quedado enterrado en la mina pero
Holmes sabía y había comprobado la existencia de otras salidas. Les sorprende a
todos. El detective y Watson corren a salvar a sir Henry que ha sido invitado
por Cecile a cenar. Como dice Javier Memba (“<b><i>La Hammer, su historia, sus
películas, sus mitos</i></b>”, T&B Editores, 2007) “aún hay tiempo de ver
la última secuencia gótica, la más hammeriana en lo que a inquietud se
refiere”: en las ruinas de la abadía sir Henry besa a Cecile quien le responde
con una bofetada y además de insultarle le dice que ella y su padre también son
Baskerville, que sedujo a su tío Charles y le trajo hasta aquí y que murió
cuando apareció el perro, sir Charles corrió pero el miedo le hizo fallar su
delicado corazón; que quieren la herencia y finalmente la tendrán, ahora encima
de un peñasco aparece el fantasmal y terrorífico perro ante la carcajada de
Cecile…….Salta sobre sir Henry que cae al suelo. Aparecen Holmes y Watson y se
disponen a dispararle al perro, surge Stapleton de la obscuridad y les ataca.
Watson dispara sobre Stapleton y le hiere, Holmes abre fuego sobre el animal
que al ser herido de muerte se revuelve contra su amo herido, ambos mueren.
Cecile huye pero cae en la ciénaga y es tragada por las arenas movedizas.
Holmes y Watson incorporan al herido y asustado sir Henry y le hacen contemplar
el perro con máscara fosforescente para parecer mas fantasmal y aterrorizar a
sus víctimas, un enorme dogo amaestrado por Stapleton para hacer repetir la
maldición sobre los Baskerville.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%;">Holmes
y Watson ya están de vuelta a su domicilio del 221-B de Baker Street. Reciben
por correo un cuantioso cheque de sir Henry el cuadro robado y recuperado de
sir Hugo. “<b><i>Para su colección. Con un cuadro de este bribón ya tengo bastante”</i></b>
--- refiriéndose a su antepasado. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%;">De
esta forma Fisher logra un film redondo en todos los sentidos, tanto como logro
cinematográfico como en su línea argumental y temática. La historia se abre y
cierra en círculo sin dejar nada colgado o al azar. Por ello la veo un poco
superior a la versión de Sydney Landfield con Basil Rathbone (1939) donde su
guión (de Ernest Pascal) es clásico, correcto y a la vez convencional mientras
el libreto usado por Fisher (de Peter Bryan) es más abierto en las sugerencias
heterogéneas propias del género y más cerrado en su conclusión/resolución.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%;"> Narcís
Ribot i Trafí<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">1)- Conocí
personalmente a Terence Fisher en Sitges-1976. Hablé un buen rato con él y
comprobé que era como yo había pensado a través de entrevistas y reportajes: un
auténtico <b><i>gentleman</i></b>, tanto como realizador que como persona. Sin ninguna
ínfula, sin ningún divismo (a la inversa de algunos de no más allá de nuestras
fronteras), de carácter bonachón (como su aspecto), un personaje extraído de
una novela de Charles Dickens, como dijo Juan Tébar.<o:p></o:p></span></div>
<span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: AR-SA;">2)- También conocí personalmente entre los festivales
de Sitges y Madrid a Freddie Francis, John Gilling, al muy simpático Roy Ward
Baker y a Peter Sasdy, además de otros técnicos de Hammer como el maquillador
Roy Ashton y al productor- empresario- realizador Michael Carreras. A quien,
desgraciadamente, no pude conocer fue al director israelita Seth Holt (uno de
los Hammer que prefiero), autor de la famosa <b><i>“El sabor del miedo”</i></b>.
Seth Holt falleció poco antes de acabar el rodaje de “<b><i>Sangre en la tumba de la momia”</i></b>
(1971),</span><br />
<span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: AR-SA;"><br /></span>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjUJmJq59eoemgrcbEdy2Uf9aIlSeJJ8-yTH1l41fzQvGiRGJvcVUzBCJxIl_E_TFYCf1XZN1FwsmbV48-Y-TXMAigP9pvMmYuT0bI5rf4dmjMGKyqxrvtY1hCuYTX1VKzjuYY7xY9uj0Bz/s1600/TERENCE.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="512" data-original-width="411" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjUJmJq59eoemgrcbEdy2Uf9aIlSeJJ8-yTH1l41fzQvGiRGJvcVUzBCJxIl_E_TFYCf1XZN1FwsmbV48-Y-TXMAigP9pvMmYuT0bI5rf4dmjMGKyqxrvtY1hCuYTX1VKzjuYY7xY9uj0Bz/s320/TERENCE.jpg" width="256" /></a></div>
Narcíshttp://www.blogger.com/profile/08118936220217813153noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6384052752908304011.post-87017957261426234122020-02-26T14:42:00.001-08:002020-02-26T14:42:43.827-08:00INTRODUCCIÓN A SHERLOCK HOLMES: DE LA LITERATURA AL CINE<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgqVMtMlGeH-I-PYmff6ibq0ROcX4xpQd5gHWvg3RDRKyCKmuRmymhU2yGv62Z_ttfcbcAASRasOoIzAMpR5I81j7Cyu8nvIxAHCx9wZ3v06jfAMYt0_vxd_v8J6DWDmNC9NdsqqPa9qxUm/s1600/1923-arthur-conan-doyle-writing-at-his-desk.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="428" data-original-width="600" height="228" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgqVMtMlGeH-I-PYmff6ibq0ROcX4xpQd5gHWvg3RDRKyCKmuRmymhU2yGv62Z_ttfcbcAASRasOoIzAMpR5I81j7Cyu8nvIxAHCx9wZ3v06jfAMYt0_vxd_v8J6DWDmNC9NdsqqPa9qxUm/s320/1923-arthur-conan-doyle-writing-at-his-desk.jpg" width="320" /></a></div>
<br />
<div class="MsoNormal" style="mso-line-height-alt: 10.0pt;">
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i><span lang="ES" style="font-family: "Britannic Bold",sans-serif; font-size: 12.0pt; mso-bidi-font-family: "Britannic Bold";">“Es un error capital el teorizar antes
de poseer datos. Insensiblemente, uno comienza a deformar los hechos para
hacerlos encajar en las teorías en lugar de encajar las teorías con los
hechos”. </span></i></b><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span lang="ES" style="font-family: "Britannic Bold",sans-serif; font-size: 12.0pt; mso-bidi-font-family: "Britannic Bold";">(Sherlock Holmes)</span></b><u><span lang="ES" style="font-family: "Britannic Bold",sans-serif; font-size: 16.0pt; mso-bidi-font-family: "Britannic Bold";"><o:p></o:p></span></u></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<u><span lang="ES" style="font-family: "Britannic Bold",sans-serif; font-size: 16.0pt; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: "Britannic Bold";">I)- ARTHUR IGNATIUS CONAN DOYLE</span></u><span lang="ES" style="font-size: 16.0pt; line-height: 150%;">- </span><span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%;">Nació
en Edimburgo (1859), era el mayor de ocho hijos de una familia católica de
procedencia irlandesa. Su padre, Charles Altamont Doyle, ilustrador de libros,
dibujante y pintor, desgraciadamente cayó en el alcoholismo sumiendo al clan en
la casi ruina. Arthur deseaba estudiar medicina, sus éxitos en el colegio
fueron en prácticas deportivas mientras la rigidez del internado le convertía
en agnóstico y más adelante creyente a su manera pero no por ninguna iglesia
cristiana ni por cualquier religión sino por su seguimiento del esoterismo, del
ocultismo y del espiritismo, de los cuales se convirtió en experto. Había
podido estudiar gracias a unos parientes y decidido por el campo de la medicina
abandonó el colegio a los 17 años para entrar en la Universidad de Edimburgo.
Allí entablará amistad con futuros grandes literatos como James Barrie (creador
de Peter Pan)<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>y Robert Louis Stevenson <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">(“La
isla del Tesoro”, “La Flecha Negra”, “El extraño caso del Dr. Jekyll y Mr.
Hyde”, “La isla de la Aventura</i></b>”, etc.) y será alumno del profesor
Joseph Bell cuyos dotes de deducción y lógica<span style="mso-spacerun: yes;">
</span>aplicada será el andamiaje inspiratorio de su futuro personaje, el
detective de ficción más famoso de todos los tiempos, el inigualable Sherlock
Holmes. Empezó ha escribir siendo universitario, sus autores preferidos y por
quienes fue influenciado fueron Bret Harte y Edgar Allan Poe. Uno de sus
primeros relatos, “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">The</i></b> <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">mystery of Sasassa Valley” (“El misterio del valle de Sasassa”</i></b>),
fue publicado en el magacín Chamber’s Edimburgh Journal, seguido de “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">The
American Tale” (“Cuento americano”), </i></b>aparecido en London Society.
Embarcado para realizar prácticas de cirujano, continuó escribiendo: “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Captain
of the Pole Star” (“Capitán de la Estrella Polar”</i></b>) para doctorarse en
1881. Después de un nuevo embarco que no le satisfizo y pasar algunas
penalidades abrió consulta en Southsea, obteniendo un renombre profesional que
estabilizó económicamente su posición y, a partir de entonces, afrontar su vida
con más tranquilidad. Su fama literaria<span style="mso-spacerun: yes;">
</span>comenzó al publicar la primera novela sobre el detective Sherlock Holmes
(1887), “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">A Study in Scarlet” (“Estudio en escarlata”)</i></b>, la había escrito
en tres semanas y percibió 25 libras por su trabajo. Aquí aparecen los
personajes del detective privado Holmes y su amigo el Dr. John H. Watson,
pronto internacionalmente conocidos. A pesar de todo, el relato policiaco no
fue nunca el preferido del autor, siempre habló de su creación como instrumento
comercial, ganar dinero y nada más. Escribió poemas, obras para teatro, novelas
históricas (por las cuales sentía predilección), fantásticas y de aventuras
(muchas de ellas olvidadas) pero debía, sin embargo, volver sobre su
personaje-icono quien, a pesar de la fama, le llevó al hastío hasta el punto
que decidió “<i style="mso-bidi-font-style: normal;">matarle</i>” en uno de sus
relatos (cayendo en un precipicio con su mortal enemigo, el profesor James
Moriarty). Inútil. Recibió infinidad de cartas de súplica para continuar las
aventuras por parte de los lectores además de la presión de los editores y ser
vio obligado a “<i style="mso-bidi-font-style: normal;">resucitarle</i>” en el
siguiente relato. Una compañía de Filadelfia le pagó para una segunda novela
del detective, naciendo así “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">The Sign of Four” (“El signo de los cuatro”</i></b>),
publicada en 1890. “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">The Hound of the Baskerville” (“El perro de los Baskerville</i></b>”)
vio la luz en 1902 y “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Valley of Fear” (“El valle del terror</i></b>”),
su cuarta y última novela, se publicó en 1915. Además de su tetralogía
novelesca, Conan Doyle escribió 56 relatos recopilados finalmente en cinco
tomos: “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Las aventuras de Sherlock Holmes”</i></b> (1892), “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Memorias de Sherlock Holmes</i></b>”
(1893), “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El regreso de Sherlock Holmes” </i></b>(1903), <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“Su última reverencia</i></b>”
(1917) y <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“El archivo de Sherlock Holmes</i></b>” (1927). A excepción de cinco
casos, los relatos y novelas del personaje están contados en primera persona
por el Dr. Watson. “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El ritual de los Musgraves”</i></b> y “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">La corbeta Gloria Scott</i></b>”
son casos sobre deducción policial anteriores al encuentro Holmes- Watson (se
entrevé que las escribió Watson pero contadas a éste por Holmes), <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“La
piedra preciosa de Mazarino”,</i></b> uno de los últimos escritos está relatada
en 3ª persona (el llamado narrador omnisciente), mientras <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“La aventura de la melena del
león”</i></b> y <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“La aventura del soldado de la piel descolorida” </i></b>es Holmes el
cronista desde su perspectiva.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%;">Conan
Doyle también fue el creador del profesor George Edward Challenger,
protagonista de cinco novelas de ficción iniciadas por “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">The Lost World” (“El mundo
perdido</i></b>”, 1912) con su primera transcripción al cine a mediados de la
década siguiente (efectos especiales del admirable maestro de Ray Harryhausen,
Willis O’Brien, futuro animador del mítico “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">King- Kong</i></b>”).<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>Escribió unas cuantas novelas históricas <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">(“Sir
Nigel</i></b>”, 1906, “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Las hazañas del Brigadier Gerad</i></b>”,
1896), su género predilecto y otras obras diversas <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">(“La tragedia del Korosko”</i></b>,
1898, “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Lot nº 249”</i></b>, 1892, --- uno de los primeros relatos sobre una
momia rediviva --- “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">The vital Message”</i></b>, 1919, o <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“The Great Boer War</i></b>”,
1900, --- su libro más largo) pero su gran fama merecida (aparte, era un gran
escritor) la consiguió --- a pesar de no gustarle --- por el “Rey de los
detectives”, como dijo hace años Juan Tébar, haya o no otros detectives famosos
dignos de tal título, Sherlock Holmes.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%;">Arthur
Conan Doyle falleció en Crowborough (Inglaterra) el 1930 de un infarto, tenía
71 años. Había residido durante 23 años en esta localidad, donde se erigió una
estatua suya. Otra de Sherlock Holmes está en Picardy Place (Edimburgo), cerca
de donde nació el escritor.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%;">Doyle,
en principio, deseaba llamar a su personaje Sherrinford Holmes, lo describe
como un hombre alto, delgado, irónico, frío en ocasiones, ingenioso e
intelectualmente inquieto, en algún momento parece brusco y siempre es educado
con las mujeres aunque no se fía de ellas (posiblemente un amor frustrado,
¿causa de su drogodependencia?), por la deducción en detalles aparentemente
banales es un maestro, posee gran habilidad al disfrazarse, es un experto en
apicultura, en tocar el violín (un Stradivarius, a veces en horas poco
oportunas), fuma en pipa (1), le encantan las galletas, tiene gran conocimiento
científico, gran esgrimista y con conocimientos de boxeo y en sus escasos ratos
libres toma cocaína en una solución al 7% (se menciona en <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“El signo de los cuatro</i></b>”
y es el título original de una película donde Holmes pide ayuda al Dr. Sigmund
Freud para librarse de la droga, “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">The Seventh- Per- Cent Solution</i></b>”,
dirigida por Herbert Ross en 1976, titulada en España <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“Elemental, Dr. Freud</i></b>) y
vive en Baker Street, 221 B, en Londres (2). Usa siempre métodos científicos
(en ocasiones él es el promotor del sistema) con sus grandes dotes de
observación y deducción siempre racionales.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%;">Hay
una serie de puntos curiosos los cuales no fueron aportados por Conan Doyle, en
realidad provenientes de las versiones teatrales, recogidas posteriormente por
el cine y por los editores de las obras en las ilustraciones de portada o
interiores: -1)- Holmes era fumador de pipa pero la iconográfica, la pipa <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">meerchaum</i></b>
(espuma de mar), casi siempre de estilo <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“calabaza”,</i></b> aparece por vez primera
en una obra teatral de 1899 protagonizada por William Gillete --- encarnaría al
detective cientos de veces y durante muchos años --- popularizando también la
capa <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Inverness</i></b>;
-2)- el sombrero de cazador de gamos a doble visera, inseparable del personaje,
no se cita en los escritos de Doyle; el excelente ilustrador Sidney Paget
(1860-1908) fue su introductor, utilizando además a su hermano Walter como
modelo para materializar el aspecto de Holmes (Walter Paget era cazador y por
ello incluyó este sombrero, además de la lupa); -3)- la tan repetida frase “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">ELEMENTAL,
MI QUERIDO WATSON</i></b>” <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">(“Elementary, my dear Watson”</i></b>) no
figura en ninguna obra de Doyle --- es una expresión cinematográfica<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>--- sí aparece en “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El jorobado</i></b>”, historia
corta perteneciente a la recopilación “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Memorias de Sherlock Holmes</i></b>” pero la
palabras “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">elemental”</i></b> y la frase <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“…mi querido Watson</i></b>” se encuentran
por separado; -4)- la novela <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“El perro de los Baskerville</i></b>” o “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El
sabueso de los Baskerville” </i></b>retrocede la narración unos ocho años antes
de su ”muerte” en “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El problema final</i></b>”, que luego no será tal a causa de los
ruegos, súplicas, presiones y también porqué el personaje siempre le hizo ganar
mucho dinero. </span><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><u><span lang="ES" style="font-family: "Britannic Bold",sans-serif; font-size: 16.0pt; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: "Britannic Bold";"><o:p></o:p></span></u></b></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><u><span lang="ES" style="font-family: "Britannic Bold",sans-serif; font-size: 16.0pt; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: "Britannic Bold";">II)- RÁPIDO PASO AL CINE</span></u></b><span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%;">Muy
pronto el reciente invento del cinematógrafo se interesó por el personaje. La
primera incursión es “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Sherlock Holmes Blaffed</i></b>”, rodada en
1900, aunque registrada oficialmente en 1903, donde el detective hace frente a
un ladrón. Tiene un minuto de duración, no más se podía hacer. Más adelante,
actores como Viggo Larsen, Maurice Costello, Francis Ford (hermano del sin par
John Ford), Alwin Neub (el primero en interpretarlo en un ciclo), William
Gillete --- quien lo había encarnado tantas veces en el teatro --- Alvin Neuss,
Carlyle Blackwell Jr., Eille Norwood, Herman Speelmans, John Barrymore,
Reginald Owen, Raymond Massey, Arthur Wontner y Clive Brook fueron sucesivos
intérpretes. Una rareza (la filmografía de Holmes posee varias) es “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Sherlock
Holmes and the Great Murder Mystery</i></b>” (1908) donde no se adapta ninguna
historia de Conan Doyle sino de Edgar Allan Poe en una versión de “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Los
crímenes de la calle Morgue”,</i></b> substituyendo al detective francés
Auguste Duphin del relato original (a quien Holmes le debía mucho) por nuestro
personaje. En 1939 la 20th Fox nos da un díptico muy interesante: “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">The
Hound of the Baskervilles” (“El perro de los Baskerville”)</i></b>, de Sidney
Landfield y “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">The adventures of Sherlock Holmes</i></b>” <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">(“Sherlock Holmes contra Moriarty</i></b>”),
de Alfred L. Werker. Dos excelentes films que daban a conocer los actores más
identificados con nuestros personajes: Basil Rathbone y Nigel Bruce. Rathbone
encajaba perfectamente en la descripción de Conan Doyle: alto, delgado,
observador, ingenioso, dispuesto a ayudar a quien lo necesite aunque a veces
parezca frío e insensible; será el Sherlock Holmes por antonomasia. Su pareja
era Nigel Bruce como el Dr. Watson. Un punto a favor de la química
interpretativa era la amistad entre Rathbone y Bruce antes de los rodajes, algo
muy positivo aunque algunos puristas criticaron el trabajo de Bruce por ser
demasiado cómico y por privarle de la inteligencia dada por el novelista. Ello
venía dado por exigencias de guión, el actor interpretó tal como le dijeron
porque era un mandado. “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El perro de los Baskerville</i></b>” estaba
ambientada por vez primera en la época de la novela y no en la fecha actual del
rodaje. La Universal tomó el relevo de la 20th Fox y realizó una docena de
películas con el tándem Rathbone- Bruce volviendo a la ambientación actual
cuando se rodaron dichos films. En general eran más sencillas que las del
díptico de la Fox, alguna bastante mediocre, pero Basil Rathbone estuvo como
siempre, formidable, mientras que Bruce se vio obligado en forma más acusada y
exagerada a ser el comparsa irrisorio muy alejado de la mente de Conan Doyle
(en algunas de estas cintas los adversarios eran los nazis). Varias de ellas no
fueron estrenadas comercialmente en España (doy el título de TV y/o del DVD):
Se cambió el título de la primera aportación Universal para finalmente quedar <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“Sherlock
Holmes and the voice of Terror</i></b>” (TV y DVD: “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Sherlock Holmes y la voz del
terror</i></b>”), realizada por John Rawlins en 1942. A partir de ahora, las
once restantes serán dirigidas todas por Roy William Neill, un artesano con
bastante buen gusto pero sin ninguna ambición: “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Sherlock Holmes and the Secret
Weapon</i></b>” (TV y DVD: “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Sherlock Holmes y el arma secreta</i></b>”),
también de 1942), “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Sherlock Holmes Faces Death” (“Sherlock Holmes desafía la muerte”</i></b>,
la primera en estrenarse en España), 1943, <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“Sherlock</i></b> <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Holmes in Washington” (“Sherlock
Holmes en Washinghton</i></b>”), 1943, “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Sherlock</i></b> <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Holmes and the Spider Woman</i></b>”
(“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">La
mujer araña</i></b>”, retitulada en su pase televisivo y en DVD como <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“Sherlock
Holmes y la mujer araña</i></b>”), 1944, “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">The Scarlet Claw” (“La garra escarlata</i></b>”
o “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Sherlock
Holmes y la garra escarlata”</i></b> en TV y DVD), 1944, “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">The Pearl of Death”( “La perla
maldita</i></b>” o <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“Sherlock Holmes y la perla de la muerte</i></b>”, para DVD y TV),
1944, “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">The House of Fear” (“La casa del miedo”</i></b> , rebautizada para TV y
DVD como <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“Sherlock Holmes y la casa del terror</i></b>”), 1945, “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">The
Woman in Green” (“El caso de los dedos cortados”,</i></b> o “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Sherlock
Holmes y la mujer de verde</i></b>”, para TV y DVD), 1945, <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“Pursuit to Algiers”
(“Persecución en Argel</i></b>” en su estreno comercial, o “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Sherlock
Holmes en la persecución de los argelinos”</i></b> para los otros dos medios),
1945,<span style="mso-spacerun: yes;"> </span><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“Terror by Night” (”Terror
nocturno</i></b>”, o “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Terror en la noche”</i></b> para DVD), 1946,
y “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Dressed
to Kill” (“Vestida para un asesinato</i></b>”, en DVD y TV), 1946.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%;">Después
de 13 años de ayuno holmesiano en el cine llegó en 1959 el film producido por
Hammer Films y realizado por Terence Fisher. Los socios Enrique Carreras y Will
Hinds fundaron en 1932 Exclusive Films para distribuir pequeñas películas de
serie B. Pasada la guerra desapareció Exclusive y se fundó Hammer con la
intención de producir films de bajo presupuesto. La dirección de la empresa
pasó a los hijos de ambos: James Carreras y Anthony Hinds (aparte de avispado
productor fue guionista con el nombre de John Elder, a veces con ideas
originales y atrevidas, a veces rutinario o con mucha sal gorda, en definitiva
muy irregular) para más adelante pasar a manos de Michael Carreras, hijo de
James y nieto de Enrique. El inesperado éxito de una pequeña (y excelente)
película de Ciencia- Ficción, “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">The Quatermass Xperiment” (“El experimento
del Dr. Quatermass</i></b>”, 1955), dirigida por Val Guest, decidió la entrada
de Hammer en el campo de la fantasía y el terror. Compraron los derechos de los
personajes clásicos usados por Universal en los años 30-40 y tras el éxito de
“The <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Curse
of Frankenstein” (“La maldición de Frankesntein</i></b>”, 1957), de Terence
Fisher, decidieron especializarse en el género. Muchos fueron los méritos de
Hammer, uno de los<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>más grandes fue el
nacimiento del cine moderno de terror. En otra ocasión podríamos extendernos
sobre el fenómeno Hammer, parejo a la Ealing de Michael Balcón: dos modestas
productoras británicas consiguieron obras maestras, sea del terrofantástico
(Hammer) o comedia (Ealing).<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><o:p></o:p></i></b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%;">“El
perro de Baskerville</span></i></b><span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%;">”, de Terence Fisher, no
solamente es la mejor adaptación de las varias sobre esta novela sino también
la mejor cinta sobre nuestro personaje pese a la tibieza de su aceptación en
taquilla. Peter Cushing y Christopher Lee, dos actores lanzados a la fama por
Hammer encabezaban el elenco. Su elección fue acertadísima. Sin ningún gesto de
más, sin sobreactuación, Peter Cushing encarnó a Sherlock Holmes (3) con la
misma dignidad y presteza que Basil Rathone, con su misma energía, ímpetu,
esfuerzo y brío;<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>Christopher Lee da vida
a sir Henry de Baskerville, descendiente del malvado sir Hugo y Andre Morell
interpretaba a uno de los mejores Watson cinematográficos. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%;"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span>Hammer no volvió a tocar el tema pero Fisher
si: “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Sherlock
Holmes und das Halsband des Todes (“El collar de la muerte</i></b>”, 1962),
coproducción alemana (principal), francesa e Italiana, codirigida por Terence
Fisher y Frank Winterstein, guión de Curt Siodmak sobre los personajes de Conan
Doyle, con Christopher Lee ahora como Holmes, Thorley Walters como Dr. Watson y
Hans Sönker como Dr. Moriarthy. La fotografía es en blanco-negro y aunque la
producción de Artur Brauner configure la cinta con dimensión de policiaco
rutinario al uso de la época, Fisher nos da una puesta en escena --- sin ser de
las destacables --- con varios puntos de interés. Thorley Walters volverá a ser
Watson en algún telefilm de los 80 y en alguna parodia bastante olvidable <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">(“El
hermano más listo de Sherlock Holmes</i></b>”) mientras Christopher Lee
interpretará a Mycroft Holmes, hermano del detective, en “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">The Private Life of Sherlock
Holmes” (“La vida privada de Sherlock Holmes”)</i></b>, dirigida y producida
por Billy Wilder para United Artists (1970), con Robert Stephens como Sherlock
Holmes y Colin Blakely como Dr. John H. Watson quien demostró poder hacer una
estupenda comedia (hasta el momento fue la película más cara sobre el
personaje, memorables los deslumbrantes decorados, la perfecta ambientación e
interpretación) sin caer en la burda desmitificación, tosca y chabacana. <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><o:p></o:p></i></b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%;">“</span></i></b><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span lang="ES-TRAD" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%; mso-ansi-language: ES-TRAD;">A Study in Terror” (“Estudio de terror”),</span></i></b><span lang="ES-TRAD" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%; mso-ansi-language: ES-TRAD;"> de James Hill (1965) fue el segundo film del
personaje en color, producción británica. Excelente recreación del Londres
victoriano junto con sus grandezas y miserias. Por primera vez (no será la
última) se enfrentan (intelectual y, al final, físicamente) el personaje ficticio
de </span><span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%;">Sherlock Holmes y el real de Jack el Destripador. John
Neville (Holmes) y Donald Houston (Watson) eran los protagonistas. “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">They
Might Be Giants” (“El detective y la doctora”</i></b>), Antonhy Harvey
(Universal, 1971) donde George C. Scott interpreta a Justin Playfair, un
enfermo que se cree Sherlock Holmes. Fracaso en taquilla aunque la película se
deja ver. “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">The Seventh- Per- Cent- Solution” (“Elemental, Dr. Freud”),</i></b> de
Herbert Ross (Universal, 1976), con Nicol Williamson y Robert Duvall como
Holmes y Watson, respectivamente, es otro famoso encuentro entre un personaje
ficticio y otro real, apareciendo además Alan Arkin (Dr. Freud) y Laurence
Olivier (profesor Moriarty). Nos encontramos, quizás, con el Holmes más
romántico y literalmente humano (derrama lágrimas). Cristopher Plumer (Holmes)
y James Mason (Watson) protagonizaron el film <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“Murder by Decree” (“Asesinato
por decreto</i></b>”, 1978), segundo encuentro Sherlock Holmes- Jack el
destripador. Tiene su gracia pero prefiero el film de James Hill. Alguna
parodia más <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">(“Sin pistas”),</i></b> series televisivas, una divertida aventura de
Holmes en su infancia <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">(“El secreto de la pirámide”</i></b>) y un
desvirtuado <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“Sherlock Holmes</i></b>” (Guy Ritchie), quizás confundido con James
Bond…………</span><span lang="ES"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%;"><span style="mso-spacerun: yes;">
</span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span>Narcís
Ribot i Trafí<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">1)- La popularidad
de Sherlock Holmes y su entorno es tan grande que se ha intentado reproducir
objetos de los relatos. La reputada firma de pipas Peterson dio un modelo por
cada historia, totalmente inventadas ya que no se describe el tipo. Pipas de
excelente calidad pero un poco grandes a juicio de quien suscribe estas líneas,
también fumador de pipa.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">2)- Continuamos
con la popularidad. BAKER STREET, 221-B no existía en tiempos de Arthur Conan
Doyle (la numeración terminaba en el 85). Al numerarse de nuevo, en 1930, la
calle se alargó. Dicho número (un edificio de Art Decó) se asignó a Abbey Road
Building (más tarde Abbey National). Ante el volumen de cartas recibidas ---
hay gente que cree el personaje de Holmes como real --- se formó un
“Secretariado para Sherlock Holmes” para organizar toda la correspondencia, hay
un museo “Sherlock Holmes” con el nº 221-B y en 1999 Abbey patrocinó<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>la creación y colocación de una estatua de
casi tres metros de Sherlock Holmes en la entrada de la estación de Baker
Street.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">3)- Peter Cushing
interpretó de nuevo a Sherlock Holmes en una serie televisiva británica (1968)
muy bien ambientada (en dos episodios “<b><i>El perro de los Baskerville</i></b>”)
y en un telefilm, “<b><i>The Masks of Death</i></b>” (“<b><i>Sherlock Holmes y
la máscara de la muerte</i></b>”) dirigido por Roy Ward Baker (1984).<o:p></o:p></span></div>
<br /><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEikyxbzIPxJtdlhTkf74CeqcpnLDWdIDmGemVLjIncMaZ7kk96VqfWh1Nhj_ZBoL3Mhtv_Aem3Q8Id7me9HaNUKwgHgjjoD4iWEOugV11IMMhyxwV5C1BLnUJs-ypakBDsfKoCu_trSVKuy/s1600/sherlock-holmes-y-su-amigo-watson.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="720" data-original-width="1280" height="180" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEikyxbzIPxJtdlhTkf74CeqcpnLDWdIDmGemVLjIncMaZ7kk96VqfWh1Nhj_ZBoL3Mhtv_Aem3Q8Id7me9HaNUKwgHgjjoD4iWEOugV11IMMhyxwV5C1BLnUJs-ypakBDsfKoCu_trSVKuy/s320/sherlock-holmes-y-su-amigo-watson.jpg" width="320" /></a></div>
<br />Narcíshttp://www.blogger.com/profile/08118936220217813153noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6384052752908304011.post-45218703803551477202020-02-20T07:30:00.000-08:002020-02-20T07:30:03.227-08:00LINCOLN… JOVEN<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiGG3JPZLP5HMLQfTDR5nG0PjZpGM3selXCh8gdD7q8nmyblCqiJ5El8BvBixsUD2UKn5I-Nja12xRZqlnqtpP-5ir_PvRDhZsKzL6dmqB_tMpTn48ADXQPv-u6YbSgbxvnPxPFMxAqqWw7/s1600/El_joven_Lincoln.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="445" data-original-width="300" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiGG3JPZLP5HMLQfTDR5nG0PjZpGM3selXCh8gdD7q8nmyblCqiJ5El8BvBixsUD2UKn5I-Nja12xRZqlnqtpP-5ir_PvRDhZsKzL6dmqB_tMpTn48ADXQPv-u6YbSgbxvnPxPFMxAqqWw7/s320/El_joven_Lincoln.jpg" width="215" /></a></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-family: "Impact",sans-serif; font-size: 22.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt;">“EL JOVEN LINCOLN”,
(JOHN FORD, 1939)</span><span lang="ES" style="font-family: "",serif; font-size: 14.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-family: "",serif; font-size: 14.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";"> -ESCRITO
PUBLICADO ORIGINALMENTE EN <b>“<i>DIARIO DE</i> <i>CINE</i>” </b>Y<b> “<i>FORUM
UNIVERSITAS</i> </b>(2014)<b>-</b></span><b><i><span lang="ES" style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";"><o:p></o:p></span></i></b></div>
<div class="MsoNormal">
<b><i><span lang="ES" style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">“Lograr la abolición de la esclavitud. Eso era algo
que solo podía conseguir alguien cuya humanidad fuera tan ancha como el mismo
mundo”</span></i></b><span lang="ES" style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">. (Leon Tolstoi, escritor)<b><u><o:p></o:p></u></b></span></div>
<div class="MsoNormal">
<b><u><span lang="ES" style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">REDUCCIÓN
I: LA HISTORIA-</span></u></b><span lang="ES" style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";"> Hay ocasiones en que el cine pone
de moda un personaje ya sea por haber sido tratado por algún realizador
reconocido o bien por una serie de circunstancias
como pueden ser la publicidad, la acertada política de un buen lanzamiento, una
cierta suerte en el estreno y en los primeros días… Luego aparecen estudios sobre
la película, artículos en revistas de historia (1), del personaje en cuestión,
la historia de su tiempo, lo aportado, (en positivo o negativo) en la sociedad
de su tiempo y en la futura, etc. Un
ejemplo de ello es “<b><i>Alexander” (“Alejandro Magno”, </i></b>2004<b><i>), </i></b>de Oliver Stone, de
donde surgieron desde los ya consabidos juegos de rol hasta los muñecos con
ricitos rubios imitando el presunto aspecto físico del conquistador macedónico.
Ahora le ha tocado al presidente número 16 de los Estados Unidos y primero por
el partido Republicano, el más emblemático junto con George Washington, el nº
1: Abraham Lincoln. El fenómeno tiene consecuencias interesantes: personas que
nada saben o han pasado olímpicamente de la historia ahora leen para saber más
--- aunque sea un poquito --- sobre la figura en cuestión y su entorno. En este
caso ha sido gracias a la película de Steven Spielberg, “<b><i>Lincoln</i></b>” (“<b><i>Lincoln</i></b>”,
2012).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">A raíz de
los anuncios de su estreno también yo leí más sobre este honesto y gran hombre,
abogado y presidente de un país que nacía, más de lo mostrado/exigido en nivel
corriente en la asignatura de historia. Mi intención era visionar el film
spielbergiano pero las obligaciones son primero y ya lo han retirado de mi
entorno. Solución: verlo en otro sitio cuando haya oportunidad o bien esperar
la aparición en DVD. Pude acceder a una copia del mismo soporte, aunque no
perfecta, en ingles que me aclara algunos puntos pero queda pendiente el
visionado en estado natural: el cine, únicamente así se puede apreciar en su totalidad
(el presente escrito se publicó , repito, en 2014, después conseguí los títulos de Ford y Spielberg en Blu-Ray).
También he visto y revisado otras cintas más antiguas y ello ha supuesto un
hallazgo extraordinario en el caso de “<b><i>Young Mr. Lincoln</i></b>” (“<b><i>El
joven Lincoln”</i></b>) un film de John Ford de 1939, mismo año que triunfó con
“<b><i>Stagecoach</i></b>”
(“<b><i>La
diligencia</i></b>”) la cual sirvió para dar cartas de nobleza al western como
género. “<b><i>El joven Lincoln</i></b>” es una película poco citada y recordada ---
ahora, tras el estreno de la actual, ya lo es más --- incluso por los eminentes
fordianos. En verdad no se le han dedicado muchos estudios y los analistas con
método de escoger un abanico de cintas para dirimir personalidad y estilo del
director no la sacan con frecuencia. Posiblemente haya otros ejemplos
considerados mejores (y lo sean) pero en muchos casos es muy difícil decir cuál
es la más o menos buena en un realizador con: 1) varias obras maestras en su
haber y 2) un montón de grandes films (Ford también tiene películas inferiores,
algunas de encargo pero entre estas encomendadas “para poder comer y pagar
facturas” también las hay tanto del punto 1 como del 2). En mi caso la vi hace
tiempo, años ha, cuando mi interés por el cine era tan solo de entretenimiento
(en la infancia) y sí, me gustó, pero ahora, revisada, la tengo en gran estima.
<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">Recordando
en forma resumida su historia vemos que Abraham (Abe para los amigos) nació en
una granja cerca de la ciudad de Hodgenville en el Estado de Kentucky un 9 de
febrero de 1809 en el seno de una familia muy humilde. Sus padres, Thomas
Lincoln y Nancy Hanks, habían nacido en Virginia y como muchos otros se
trasladaron al oeste. Antes de la mitad del siglo XVII el antepasado Samuel
Lincoln --- la familia procedía de Inglaterra --- emigró a América para
establecerse definitivamente en Hingham (Massachusetts). Thomas era agricultor
con mucha habilidad por la carpintería (ello les salvó de la miseria total).
Fue el segundo de los tres hijos, el hermano menor murió joven de una dolencia
desconocida, traslado de la familia a Indiana en diciembre de 1816 el mismo mes
que el territorio se convertía en estado. Su madre Nancy murió a los 34 años
(1818) de una epidemia y un año después Thomas contraía matrimonio en segundas
nupcias con la viuda Sara Bush Johston quien fue a vivir a la casa de los
Lincoln con sus tres hijos de su anterior matrimonio. Sara se comportó con Abe
y su hermana como si fueran hijos suyos (en la película de Ford y en alguna
otra se refleja la estima profesada cuando Abraham se despide para ir a la
ciudad y ella le manifiesta lo orgullosa que está de él y su deseo de haber
sido hijo suyo). Marchó a Nueva Orleans, sirvió en el ejército y trabajó en la
construcción del ferrocarril. Mientras se iba formando culturalmente; de niño
solo había podido ir un año a la escuela y luego leyó con avidez los libros que
caían en sus manos en el poco tiempo libre del cual disponía ya que tuvo que
trabajar como leñador al lado de su padre y peón en los campos. Fue un
autodidacta que se convirtió en abogado entre los campesinos que apenas podían
pagarle pero le sirvió para pulirse en su oficio y ejercitar su potente
oratoria. Es ahora cuando encuentra al amor de su vida en una joven hija de un
tabernero: Ann Rutledge quien falleció en 1835 y sumió a Lincoln en una
profunda depresión (algunos biógrafos apuntan que ello era la consecuencia de
los cambios de ánimo en el futuro presidente; del buen humor y chistes, incluso
sobre él mismo, pasaba a la depresión más profunda). Al igual que su padre fue
siempre un profundo antiesclavista en un grupo dentro de la Iglesia Bautista el
cual había escindido y promulgaba abiertamente la abolición de la esclavitud
(los Lincoln anteriores eran cuáqueros). Abraham siempre fue cristiano pero sin
pertenecer a ninguna iglesia en concreto (si sentía mucha simpatía por los
cuáqueros). Al ser presidente comentó la vergüenza sentida en un país naciente
donde existía algo tan reprobable como la esclavitud, antihumano y
anticristiano; habló muchas veces de Dios y de la acción redentora de
Jesucristo sobre la humanidad entera como su Hijo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">Casó luego
con Mary Todd, procedente de una familia bastante influyente pero él siguió
siendo el mismo Abe de siempre. Tuvo cuatro hijos varones: uno murió de
pequeño, otro al entrar Abe en la Casa Blanca, otro, el más joven, a los seis
años de ser asesinado su padre y el mayor, Robert Todd Lincoln, vivió más
años y le dio descendencia. Subió
peldaños en la sociedad y llegó a ser presidente. Intuyó la guerra como mal
inevitable. Amaba la Unión y deseaba erradicar la esclavitud; de entre sus
actuaciones destaca la “Proclamación de la Emancipación” y su discurso después
de la batalla de Gettysburg (1863), ambos acontecimientos en plena Guerra Civil
Americana. Las tensiones entre los estados del norte y del sur (esclavitud
aparte) eran evidentes y en febrero de 1861, antes que Lincoln tomara posesión
del cargo de presidente, estallaba la terrible contienda civil que duraría
hasta 1865. Siete estados declararon la Secesión de la Unión: Mississippi,
Carolina del Sur, Florida, Alabama, Luisiana, Georgia y Texas, formando los Estadios
Confederados. Dos meses más tarde se añadían cuatro estados más a la
Confederación: Carolina del Norte, Arkansas, Virginia y Tenesse. Primero la
Confederación consiguió alguna ventaja pero Lincoln eligió bien a sus
generales, p. e. Ulysses S. Grant (también futuro presidente) y al final la
Unión, mejor organizada, se impuso. Lincoln habló de reconciliación, de
hermandad, de olvido de la guerra y también que no habría ninguna represión.
Pero Lincoln fue asesinado, 15-abril-1865, en el palco del Ford’s Theatre de
Washington de un disparo por la espalda (murió a la madrugada siguiente)
mientras contemplaba una obra cómica (pistola Derringer, de un solo disparo).
El actor John Wilkes Booth, fanatizado seguidor de la Confederación, fue el
asesino (gritó “El Sur está vengado” y “Sic semper tyrannis”= “Así siempre a
los tiranos”) aunque se trataba de una trama de varias personas. Booth fue
descubierto y pereció en intercambio de disparos con los soldados once días
después de la muerte de Lincoln, otros miembros de la conspiración fueron
condenados a la horca y los dos últimos a cadena perpetua.<b><u><o:p></o:p></u></b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><u><span lang="ES" style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">REDUCCIÓN II: EN EL CINE-</span></u></b><span lang="ES" style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">Abraham
Lincoln posiblemente sea el personaje real de los Estados Unidos más veces
presente en el celuloide desde 1911 con “<b><i>His First Commission</i></b>”, donde Charles
Bravin interpretaba a Lincoln, rol que asumió después Francis Ford (hermano de
John Ford, el cual tuvo la felicísima idea de introducirle en el cine) y Ralph
Ince en seis ocasiones. En la mítica “<b><i>The
Birth of a Nation</i></b>” (“<b><i>El nacimiento de una nación”</i></b>, 1914)
el pionero D. W. Griffith, maestro de futuros maestros, consiguió una película
llena de innovaciones y alardes técnicos, con gran peso específico en la
historia del cine y logró, además, que el cine fuera reconocido como arte (el
7º). En contraposición, Griffith --- educado en la ideología del Sur --- hizo
apología del siniestro Ku- Klux- Klan, sociedad racista surgida al finalizar la
Guerra de Secesión, suprimida en la presidencia de Ulysses S. Grant pero vuelta
a renacer posteriormente --- extendió en su film una propaganda segregacionista
totalmente denigrante. Lincoln fue encarnado por Joseph Henabery y su asesino
Wilkes Booth estaba interpretado por el futuro gran realizador Raoul Walsh.
Después de finalizar el periodo mudo (donde hay algunas películas más, muy poco
o nada conocidas) el mismo Griffith realizó <b><i>“Abraham Lincoln</i></b>” (“<b><i>Abraham
Lincoln</i></b>”, 1930), una de sus dos únicas películas sonoras y, en contra
de lo dicho por algún crítico, demostró ser un gran director dentro del sonoro.
Aquí es más ecuánime ideológicamente y señala favorablemente al presidente
Lincoln quizás por la promesa de no reprimir al adversario vencido y hablar de reconciliación y hermandad
(promesa no cumplida por la muerte de Lincoln). Walter Huston era Lincoln en
una gran interpretación mientras Ian
Keith representaba a John Wilkes Booth.
Griffith nos muestra a fogonazos los distintos capítulos de la vida de un
hombre del campo el cual llegó a presidente a pesar de sus escasísimos estudios
--- valoración de su tenaz energía autodidacta y su entusiasmo para aprender
--- y costumbres campesinas chocantes con los políticos estadounidenses
acomodados en la sociedad, así como la forzosa combinación (propia de los
primeros tiempos del sonoro) entre los decorados y escenarios naturales. No
tuvo éxito comercial (tiempos de depresión) y Griffith falleció arruinado años
después. También resulta muy positivo <b><i>“Abe Lincoln in Illinois</i></b>” <b><i>(“Lincoln
en Illinois”</i></b>) del siempre interesante John Cromwley (para R. K. O.,
1940), notable biopic donde Raymond Massey interpreta al futuro presidente
(inolvidable inicio donde su padre contempla la lluvia a través de la ventana y
Abe lee poesía de Shakespeare, luego se despide de su madrastra a quien llama
“madre” y se abrazan efusivamente, la pelea forzado a mantener con un pedante a
quien vence y se hacen amigos, la manada de cerdos saltando al río, su entrada
en la política, su enfrentamiento electoral con Douglas, etc.) mientras el
sólido guión es del “pulitzer” Robert E. Sherwood sobre su propia novela
(adaptación de Grover Jones). <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">De las
cerca de 250 cintas sobre Lincoln (sumando cine y TV), la de Griffith, la de
Cromwley y la de Ford son las mejores. Actualmente el <b><i>“Lincoln”</i></b> de Spielberg
devuelve el interés sobre el personaje sin olvidarnos de <b><i>“Conspiration</i></b>” (“<b><i>La
conspiración</i></b>”, 2011), de Robert Redford aunque no tuviera éxito de
público ni de crítica en general.<b><u><o:p></o:p></u></b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><u><span lang="ES" style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">REDUCCIÓN III: LINCOLN, JOHN FORD Y “<i>EL JOVEN LINCO</i>LN”</span></u></b><span lang="ES" style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">John Ford admiró siempre a Abraham Lincoln en
todos los sentidos. Es lógico que lo trasladase al cine. Charles Edward Bull lo
interpretó en la muda “<b><i>The Iron Horse</i></b>” (<b><i>“El
caballo de hierro”</i></b>, 1924), sobre la construcción del ferrocarril cuya
idea fue siempre apoyada y respaldada por Lincoln aunque él prefería, siempre
que fuera posible, el transporte fluvial. En el fragmento de la <b><i>“Civil War</i></b>” <b><i>(“La Guerra Civil</i></b>”) de “<b><i>How the West was Won</i></b>” <b><i>(“La
conquista del Oeste</i></b>”, 1962) dirigido por Ford --- el film era un “<b><i>kolossal</i></b>”
de 122 minutos con tres realizadores;
los otros dos fueron Henry Hathaway y George Marshall (2) --- Raymond Massey
volvía a su papel de presidente Lincoln. Curiosa y sorprendente es otra
espléndida película de Ford, realizada tres años antes de su “<b><i>El
joven Lincoln</i></b>”: “<b><i>The Prisoner of Shark Island” (</i></b>1936<b><i>) ---
</i></b>literalmente<b><i> “Prisionero de la Isla del Tiburón”</i></b> --- titulada en España “<b><i>Prisionero
del odio</i></b>” (para 20th Fox), donde Warner Baxter da vida al Dr. Samuel A.
Mudd, el galeno que curó provisionalmente la pierna de John Wilkes Booth
(Francis McDonald), el asesino de Lincoln (sin saber que lo era) pero
simpatizaba con la Confederación, fue acusado, implicado y condenado
injustamente a cadena perpetua en la isla del título pero finalmente logrará
curar a los supervivientes de la fiebre amarilla, tanto prisioneros como
guardianes, y será rehabilitado, pudiendo regresar a su casa. Aquí Ford señala
las injusticias cometidas sobre un hombre inocente a quien no quieren escuchar
(en la realidad se condenaron tanto inocentes como culpables). Cuando el médico
de la prisión traba amistad con él y se entera después quien es le da la
espalda y Mudd le dice: <b><i>“Supongo será inútil jurarle por lo más
sagrado de nuestra profesión que yo nada tuve que ver en la muerte del señor
Lincoln</i></b>” y el otro contesta: “<b><i>Totalmente inúti</i></b>l”. Abraham Lincoln
estaba interpretado por Frank McGlynn. Humanismo al máximo, propio de Ford, y
así lo vemos en su filmografía desde dos puntos de vista teóricamente
antitéticos: el presidente asesinado y
el médico que cura al asesino sin saber lo sucedido aunque comparta ideología
con él.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">En
diciembre de 1938 termina el rodaje de <b><i>“La diligencia</i></b>” para United Artists
y dos meses después empieza a filmar “<b><i>The Young Lincoln</i></b>” (“<b><i>El
joven Linco</i></b>l<b><i>n</i></b>”) para 20th Fox con Henry Fonda (dubitativo en un principio
ante la grandiosidad del personaje a representar pero Ford y el estudio ya
habían pensado en él) con nariz postiza. En verdad tiene mérito Daniel Day-
Lewis al interpretar al presidente en el “Lincoln” de Spielberg --- recibió un
Oscar y otro por el diseño de la película; quizás debía haber recaudado más
estatuillas pero viendo la “política” de Hollywood, guiada muchas veces por la
fuerza de “lo políticamente correcto” lo dejamos así ya que tampoco nadie puede
hacer nada --- pues tanto Walter Huston como Raymond Massey, en su doble
interpretación, o Henry Fonda dejaron el listón muy alto. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">“<b><i>El
joven Lincoln</i></b>” no es un biopic al uso, solo una parcela de su vida. Su
juventud, cuando despiertan en él sus ideas y su triunfo como abogado
defendiendo a unos pobres campesinos, como él, que no pueden ni pagar sus
honorarios. Así, de esta forma, Ford retrata perfectamente al personaje que
encarna perfectamente los ideales americanos del hombre que desde unos orígenes
muy humildes se forja a sí mismo y llega a la cima aunque esto le cueste la
vida. Si “<b><i>Lincoln en Illinois</i></b>” se cierra con la elección
presidencial, <b><i>“El joven Lincoln”</i></b> lo
hace --- mucho antes en su vida --- subiendo a una colina mientras contempla y
asume una tempestad, empapándole con el agua de la lluvia, símbolo de lo que le
deparará la vida (luces y sombras) pero al ganar el caso de los hermanos
campesinos inocentes le hace fuerte para asumir su responsabilidad y seguir
adelante.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">El guión lo
escribió Lamar Trotti, notable productor y guionista, quien había dado ya el
material escrito a Ford de <b><i>“El juez Priest</i></b>” (1934) y “<b><i>Barco
a la deriva</i></b>” (1935) y seguirá haciendo con “<b><i>Corazones indomables</i></b>”
(1940), además de dos espléndidos westerns de William A. Wellman, “<b><i>Incidente
en Ox- Bow</i></b>” (1943) y <b><i>“Cielo amarillo</i></b>” (1948), <b><i>“El
hombre atrapado”</i></b> (1941), de Fritz Lang y <b><i>“El capitán de Castilla</i></b>”
(1947), de Henry King, entre otros. La historia es sencilla y aquí radica una
parte de la positividad en manos de Ford (en las de otro podría haber derivado
hacia lo soporífero y el aburrimiento o, simplemente, una mala película), quien
logra un gran film. Quizás Trotti lo sabía ya que tiene otros trabajos, los
citados p. e., más complejos. Se basa en un caso real que asumió Lincoln ya más
entrado en años que en la película pero da absolutamente igual.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">Como en
toda obra fordiana la fotografía está cuidada al máximo, en esta ocasión es de
Bert Glennon, factor que fundirá sin fisuras con los personajes, el decorado y
el ambiente musical (el paisaje bucólico donde conversan Abe y Ann, el mismo
paisaje nevado y la tormenta final me parecen de un “cromatismo en
blanco/negro” espléndido, pocas veces conseguido). También es destacable el uso
del contrapicado (señalado por Ricardo Pérez) para mostrar en mismo encuadre
los techos de las cabañas/habitaciones al igual que hiciera en “La diligencia”.
Un admirador de Ford, Orson Wells, lo hará pero sin tanta mesura (Ford los
usaba en función de la historia, otros lo realizarán para demostrar su
habilidad técnica que nadie les discute).
<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">Muy
acertada la partitura musical de Alfred Newman, repetida en la grandiosa <b><i>“El
hombre que mató a Liberty Valance</i></b>”. Los genéricos del film se abren con
la conocida música del “¡Gloria, Gloria, Aleluya!” (curioso comprobar el caso
de <b><i>“Lincoln
en Illinois”</i></b>: comienza con una macedonia de melodías, una de ellas es <b><i>“¡Gloria,
Gloria, Aleluya</i></b>!”). Recordemos el inicio de la magistral “<b><i>Las
uvas de la ira</i></b>”: “<b><i>La Vall del Riu Vermell</i></b>” (adaptación
del espiritual negro “<b><i>Red River Valley</i></b>”) que a veces
cantamos, especialmente en los responsos o en las misas exequiales.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">Ford
homenajeará a Lincoln, una vez más, colocando el apellido de su prometida
fallecida (Rutledge) al sargento de color Braxton Rutledge (“<b><i>El
sargento negro</i></b>”, 1960) y también destacar la oposición del abogado al
intento de linchamiento por parte del público de sus defendidos (desafiando
físicamente a quien sea, “<b><i>El joven Lincoln</i></b>” o exigiendo al
juez que imponga orden en la sala o disperse a la turba, “<b><i>El sargento negro”</i></b>). En
ambos casos será el abogado quien descubra al auténtico asesino.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">El núcleo
de la historia se centra en la defensa de dos nobles campesinos acusados de dar
muerte en una riña a un desagradable pendenciero que siempre los provoca. Según
un testigo, presunto amigo del difunto,
uno de los dos hermanos le clavó un cuchillo y le causó la muerte. Él no estaba
muy cerca pero lo vio gracias a la luz de la luna y el tema se centrará a
partir de ahora en la angustia de la madre a la que, incluso, el jurado le pide
cual de sus hijos mató al tipo en cuestión y así podrá salvar al menos a uno
(juicio con reminiscencias algo salomónicas). El fiscal John Felder (Donald
Meek) es un tipo cómico --- incluso hace dormir al juez Herbert A. Bell
(Spencer Charters) --- pero empapado de leyes. Lincoln llega algunas veces a
ridiculizarle (recordemos que también se burla de sí mismo) para poder realizar
su tarea de abogado con sus dos defendidos. Lincoln con toda lógica resuelve
finalmente el caso al colocar delante del jurado y del testigo “El almanaque
del granjero” y demostrar que el día del asesinato la luna estaba en su primer
cuarto y no había luz y al igual que “<b><i>El sargento negro</i></b>” el asesino estaba
entre el público y era un testigo mentiroso pero al final confiesa….cogió el
cuchillo de los campesinos del suelo y apuñaló a su presunto amigo
inconsciente…<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">Una
vertebración de puro lírico atraviesa la obra, sin prácticamente desfallecer
plano a plano y una de las escenas más poéticas, melancólicas y líricas es
aquella que habla con Ann en el bosque que muchos citan (3): después de
marcharse Ann, Lincoln queda solo y arroja una piedra al río; el movimiento
concéntrico del agua es encuadrado por Ford y encadena con el río, ahora
helado, Abe camina para llegar a una lápida --- aún no ha pasado el invierno,
Ann ha muerto, es su tumba ---, nuestro hombre coge unas flores y la cámara
enfoca el nombre de Ann en la lápida, ahora Abe parece hablar con el espíritu
de Ann; con unos segundos de sabiduría cinematográfica Ford nos ha señalado el
transcurrir del tiempo y los sucesos (muerte de Ann). El cine de Ford posee en
gran número estos momentos memorables. Otra escena es aquella donde Abe,
montado en un asno y con su atuendo iconográfico (vestiduras oscuras, camisa
blanca, lazo negro, sombrero de copa) atraviesa su localidad y llega al lugar
de los campesinos, habla con ellos, donde hay un carro con un mulo, las
personas continúan hablando y caminando hasta convertirse en frontal pero sin
cambiar de plano quedando la cabeza del mulo alineada con las personas que
continúan hablando. Y podríamos citar muchos más….<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";"> Narcís
Ribot i Trafí <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">1)- Una
biografía recomendable es la de César Vidal, “<b><i>LINCOLN</i></b>”, (Editorial
Planeta, 2002 en su 1ª edición). <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">-La revista
“<b><i>Clio-
Historia</i></b>” en su número 136 nos ofrece una excelente síntesis histórica.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">-Es
interesante la biografía novelizada de Gore Vidal: “<b><i>LINCOLN</i></b>” (EDHASA, 1985 en
su 1ª edición). Se trata de una novela histórica donde se desgrana la
biografía.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">2)- “<b><i>HOW
THE WEST A WON</i></b>” <b><i>(“La conquista del Oest</i></b>e”, 1962) fue
realizada por tres directores. John Ford filmó de “<b><i>The Civil War”</i></b> (“<b><i>La
Guerra Civil</i></b>”), George Marshall cuidó de las espectaculares<b><i> </i></b>escenas
de “<b><i>The
Railroad” (“El Ferrocarril”) </i></b>y Henry Hathaway se encargó de “<b><i>The
Plains</i></b>” (“<b><i>Las llanuras</i></b>”).<o:p></o:p></span></div>
<span lang="ES" style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-language: HI; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: HI; mso-hansi-font-family: "";">3)- Quizás quien mejor lo explica y con más detalles
sea Quim Casas, un gran fordiano, gran admirador de estas y otras escenas que
sabía transmitir John Ford. Su libro “<b><i>John Ford, el arte y la leyenda</i></b>”
está entre lo mejorcito grabado en letra impresa, creo haberlo ya recomendado
pero repito: “<b><i>JOHN FORD, EL ARTE Y LA LEYENDA”</i></b>, </span><br />
<span lang="ES" style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-language: HI; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: HI; mso-hansi-font-family: "";"><br /></span>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiz-31AfB2B6KYqeE42uluPNDT3ZbkLT51BFjsLkGk5ttRwP6TDr8e9QzkX65ld0WqrnTRAqOG2QWZUV4Xldi1p6s1vb-m7xZDmPeNs-4Nq2T5-EedmIGIu3rUJMNgnclYshJod4-LkI6uB/s1600/el-joven-lincoln-.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="377" data-original-width="1200" height="100" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiz-31AfB2B6KYqeE42uluPNDT3ZbkLT51BFjsLkGk5ttRwP6TDr8e9QzkX65ld0WqrnTRAqOG2QWZUV4Xldi1p6s1vb-m7xZDmPeNs-4Nq2T5-EedmIGIu3rUJMNgnclYshJod4-LkI6uB/s320/el-joven-lincoln-.jpg" width="320" /></a></div>
<span lang="ES" style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-language: HI; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: HI; mso-hansi-font-family: "";"><br /></span>Narcíshttp://www.blogger.com/profile/08118936220217813153noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6384052752908304011.post-72525602709402696332020-02-17T09:26:00.000-08:002020-02-17T09:26:50.580-08:00 TIMÓN EN LAS LETRAS<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEixkN9KHUdarJwikmEAkhYwvq1Z-dh2xI1xpZ_piw3Xtoiy2TpWVlhzO9GlgR2dJHLT9ZsknY_T3JTtZnCRKUUVi1lpKw1MeMGlPH5KhPTGxyltw6n3kVoiOHW8gqcwmfb3HLXUZnlDezVX/s1600/Timon-of-Athens-.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="528" data-original-width="403" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEixkN9KHUdarJwikmEAkhYwvq1Z-dh2xI1xpZ_piw3Xtoiy2TpWVlhzO9GlgR2dJHLT9ZsknY_T3JTtZnCRKUUVi1lpKw1MeMGlPH5KhPTGxyltw6n3kVoiOHW8gqcwmfb3HLXUZnlDezVX/s320/Timon-of-Athens-.jpg" width="244" /></a></div>
<br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">“<i style="mso-bidi-font-style: normal;">Aquel que le gusta que le adulen se merece al adulador”</i> (“<i style="mso-bidi-font-style: normal;">Timón de Atenas</i>”</span></b><span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">, de W. Shakespeare, Acto I, Escena I<b style="mso-bidi-font-weight: normal;">) </b></span><o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">“<i style="mso-bidi-font-style: normal;">Quien menosprecia mi honor, no ha de conocer mi moneda</i>” (</span></b><span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">Idem, Acto III, Escena III<b style="mso-bidi-font-weight: normal;">)</b><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span>El personaje
real de Timón vivió en la Atenas clásica (contemporáneo de Alcíbiades) del
siglo V a. C. Historias y leyendas hicieron a este hombre no solamente un
ejemplo de insociabilidad y retraimiento sino de la misantropía personificada
(casi siempre se mantuvo alejado de sus semejantes, especialmente de sus
compatriotas).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">El grueso informativo sobre su historia es de
Plutarco en la colección doble biográfica titulada “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Vidas paralelas</i></b>” en donde
se compara un griego y un romano con alguna o muchas características comunes en
situaciones, problemas, profesión, o sea vivencias en general (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Alejandro
Magno- Julio César”,<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>“Pericles- Fabio
Máximo”, “Alcíbiades- Coriolano”</i></b>, etc.). En su biografía sobre Marco-
Antonio, después de perder la batalla de Accio frente a su ex cuñado y rival
Octavio/Octaviano (futuro emperador Augusto), nos cuenta Plutarco como se hizo
construir una casa aislada en Faros (costa egipcia) para llevar allí una vida
apartada de todos a semejanza de un segundo<span style="mso-spacerun: yes;">
</span>y resentido<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>Timón. En otra
biografía de Plutarco, sobre Alcíbiades, vemos a Timón aliarse con Alcíbiades a
quien manifiesta gran estima (quizás la única persona a quien mostró afecto).
Le preguntaron el porqué y contestó que podía ocasionar una gran desgracia para
Atenas.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">Luciano relata en un diálogo como Timón, pobre y
arruínado después de haber sido rico, implora a los dioses que actúen con
dureza contra la humanidad. Esta obra de Luciano, posiblemente originaria en
una perdida comedia de Antífanes (salvo algunos fragmentos) del siglo IV, es la
base de varias obras teatrales posteriores. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">El autor de comedias Aristófanes se burla de Timón
en “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Lisístrata</i></b>”
(411 a. C.) y en “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Los pájaros</i></b>” (414) mientras Estrabón habla de nuestro hombre en
el “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Timonium</i></b>”
de Marco Antonio. Marco Tulio Cicerón habla de la misantropía de Timón en “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Tusculanae
Disputationes</i></b>” enfocándola como una enfermedad del alma proveniente de
una aspiración frustrada.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">Ya en el Renacimiento la primera obra teatral
apoyada en el texto de Luciano es la de Matteo María Boiardo (1487) por encargo
de Ercole di Ferrara seguida de la escrita por Galeotto del Carretto (1497)
para Isabella d'Este y la del historiador, erudito, humanista y escritor
español Pedro Mejía --- Pero/Pedro Mexia para grafías antiguas ---<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>quien publicará un libro titulado “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Silva
de varia lección</i></b>” (1540) en donde se incluye un capítulo con mixtura de
anécdotas y situaciones burlescas (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Timón ateniense</i></b>”). Entrando en el
barroco también William Shakespeare, en líneas generales, sigue el texto de
Luciano y las anécdotas salteadas de las dos biografías de Plutarco:<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">
“Timón de Atenas”</i></b> o “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">La vida de Timón de Atenas</i></b>” --- “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Timon
of Athens”</i></b> o “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">The Life of Timon of Athens</i></b>”, en el
original inglés (1606 o 1607) --- mostrándonos primero a un Timón generoso y
noble el cual es constantemente adulado y finalmente estafado. Después de su
ruína económica se retira a una cueva para convertirse en un misántropo y
continuar siendo halagado y lisonjeado después de haber encontrado un tesoro
hasta que, cansado, expulsa con agresivida a los aduladores. Por similar
camino, con mismas fuentes, circula Mexia en su ya citado libro.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">Este sorprendente “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Silva de varia lección</i></b>”,
de Mexia, servirá de base para un relato de William Painter titulado “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Palace
of Pleasure</i></b>” (1566).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">En una ópera de Henry Purcell, con adaptación de
Thomas Shadwell, sigue a Shakespeare añadiendo un entreacto (1694) mientras
Peter Meulewels acude también a Luciano para una tragedia en holandés: “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Timon
mosanthropos</i></b>” (1636) y en una obra de Emile Fabre (1899) --- relato
ideado y elaborado por él --- sobre los contratiempos y adversidades de Timón.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">Nuestro hombre ya convertido universal y
típicamente en la personificación de la misantropía lo cual hace que algunas
obras literarias referentes a la misantropos llevensu nombre aunque él no
aparezca (como en cine fantástico hay películas de vampiros que llevan el
nombre de “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Drácula</i></b>” sin que el conde transilvano aparezca en la cinta)
como en la comedia de Graf von Soden <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">” Der Neue Timon”</i></b> (1789), el poema
épico de Edward Bulwer- Lytton (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">The New Timon</i></b>”, 1846) y el drama de
F. Dümmler (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Timon von Athen</i></b>”, 1917).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">Ferdinand Bruckner (pseudónimo de Theodor Tagger,
escritor y director de teatro), por su parte, se apoya en Shakespeare en su
drama de 1932, inspirando una pintura de Nathaniel Dance, una de las escasas
aportaciones del arte figurativo a nuestro personaje...<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span>Narcís Ribot i Trafí</span><o:p></o:p></div>
<br /><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgJe3FiqIQfUS21GvzdjsnydXrSb-qJLbSTF4v1wF9jz81T9An7jPYuclsHJIi0XiBi9M-Y_zdS9lzjyuP86-5I4pHeD3pqan63NRcZaVXPN99ob9H_DwbQIrpGfF_U4nizJaUtaDD36YQk/s1600/Timon1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="652" data-original-width="450" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgJe3FiqIQfUS21GvzdjsnydXrSb-qJLbSTF4v1wF9jz81T9An7jPYuclsHJIi0XiBi9M-Y_zdS9lzjyuP86-5I4pHeD3pqan63NRcZaVXPN99ob9H_DwbQIrpGfF_U4nizJaUtaDD36YQk/s320/Timon1.jpg" width="220" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<br />Narcíshttp://www.blogger.com/profile/08118936220217813153noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6384052752908304011.post-66264923012069874732020-01-28T16:08:00.001-08:002020-01-28T16:08:29.939-08:00ALCÍBIADES EN LAS ARTES<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh3jnVG7Hl8rNg69jHgtEOmf4hTavxrDGwOWIt3dMGxSTl0CbR0hHmH0EwJTUu8uEAboYo29CiSiQOH1gYPQKXAc1ldlmHL7IJSrGqNnYIGiW0f4wFzmr8xFIvE2IGBbSrHygU7qHX0JkW-/s1600/Socrates-Alcibiades.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="700" data-original-width="653" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh3jnVG7Hl8rNg69jHgtEOmf4hTavxrDGwOWIt3dMGxSTl0CbR0hHmH0EwJTUu8uEAboYo29CiSiQOH1gYPQKXAc1ldlmHL7IJSrGqNnYIGiW0f4wFzmr8xFIvE2IGBbSrHygU7qHX0JkW-/s320/Socrates-Alcibiades.jpg" width="298" /></a></div>
<br />
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">Fue un estadista </span>ateniense (450- 404 a. C.)
de la noble familia de los Alcmeónidas. Al morir su padre, Clinias, pasó a
vivir a casa de Pericles del cual era pariente. Según los escritores ni
Pericles ni su amigo y maestro Sócrates tuvieron mucho éxito en la educación de
Alcíbiades. Ya desde joven se mostró pre<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">potente, osado, insolente, temerario y con una vida repleta de escándalos.
Fue de aquel tipo de personas que despiertan una fuerte admiración o un odio
intenso. Se sabe que cuando su esposa Hiparete entró en el juzgado para
tramitar el divorcio, cansada de su licencioso marido, él fue a buscarla y la
arrastró por los cabellos hasta su casa. Fundó unas cuadras con mucho renombre
y éxito y en su domicilio hizo pintar por Aristofon o Aglaofon una imagen de él
mismo en las rodillas de Nemea (por haber ganado una competición atlética en
los Juegos Nemeus), algo impensable para un particular.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">Al entrar en política como portavoz de las fuerzas
democráticas al morir Pericles (429 a. C.) se mostró partidario de la guerra
contra Esparta en oposición a las ideas del prudente Nicias. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">Al llegar a Catania (Sicilia) fue acusado de
mutilar los “hemas”, unas estatuas en las tribunas de Atenas para veneración
pública y de haber ridiculizado los “Misterios de Eleusis”. Obligado a huir,
pudo refugiarse en Esparta (primer cambio de bando) pero al seducir a la esposa
del rey Agis II tuvo que huir de nuevo y aliarse con los atenienses que le
perdonaron el exilio (segundo cambio de bando). Sin volver a Atenas dirigió la
flota y venció en Cinosema, Abidos y Cícico además de tomar las ciudades de Bizancio
y Calcedonia. En su ausencia el lugarteniente Antíoco fue derrotado en Notion y
los atenienses le retiraron la comandancia. Se retiró a Tracia y después de la
caída de Atenas se refugió a la provincia del sátrapa persa Farnabazo (tercer
cambio de bando, año 405 a. C.) el cual --- siguiendo instrucciones del
almirante espartano Lisandro y/o de los Treinta Tiranos, gobernantes ahora de
Atenas --- mandó a un grupo de sicarios para que lo asesinaran.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">La relación Sócrates/Alcíbiades es tratada por
Platón en diversos de sus “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Diálogos</i></b>”: se presenta a un
Alcíbiades impetuoso, vanidoso y ambicioso pero siempre receptivo ante las
lecciones y los consejos del filósofo quien en una batalla le había salvado la
vida (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El</i></b> <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Banquete</i></b>”). “S<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">obre los misterios</i></b>”, discurso de Andócides,
se cuenta el proceso de los “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Hermocópides</i></b>” (mutilación de los “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Hemas</i></b>”).
Otros documentos coetaneos y posteriores señalan su aversión/admiración por
Alcíbiades: comedias de Aristófanes, textos de Lisias e Isócrates y la
biografía de Plutarco, determinante para tiempos posteriores. En Aristófanes
desarrolla una tendencia homosexual muy clara y en Flaco Aulo Persio (época de
Nerón) recibe de Sócrates una lección de moral romana.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">Ya en la Edad Media “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Alcibiade Fanciullo a Scuola</i></b>”
de Ferrante Pallavicini o de Antoni Rocco, siguiendo el estilo del diálogo
platónico, contiene una defensa de la homosexualidad (reeditado diversas veces
con éxito y traducido al francés y al alemán). De parecido caríz es el drama de
Thomas Otway (1675) y en “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Dialogues des Morts</i></b>” de Fenelon
(1712), a la conocida vanidad y ambición se añade el cinismo. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">Más simpático aparece en el “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Timón de Atenas</i></b>” de
William Shakespeare (1608). Basado en un personaje real, el amargado y
misántropo Timón influye en Alcíbiades para que se levante en armas contra
Atenas a causa del trato injusto recibido por ambos pero al final se comportará
con mesura con su ciudad natal. Los poemas de Friedrich Höldein y de Gotthold
Ephaim Lessing (en un fragmento de obra teatral) pertenecen al primer Romanticismo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">No hay mucho en el arte figurativo de la
Antigüedad sobre Alcíbiades: desapareció la pintura de su domicilio y el
emperador Adriano (sentía admiración por Alcíbiades), en un viaje a Grecia,
hizo erigir una estatua en su tumba. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">A partir del Renacimiento aparecen más pinturas
sobre nuestro hombre, sobre todo las que le muestran acompañado de Sócrates: el
fresco del gran Rafael Sanzio (quizás el equivalente de Mozart en la pintura)
actualmente en la Stanza della Signatura del Vaticano en donde es amonestado
por su amigo al iguan que en el de François- André Vincent (1776), Jean
François Peyron (1782), Schmidt (1786), Jean- Baptiste Regnault (1791) y Cosroe
Dusi, ya en el siglo XIX además de Philippe Cherry y Jacques Réattu los cuales
habían pintado a finales del siglo XVIII la muerte de Alcíbiades por espada.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">Una vez más Editorial Alderaban, de la mano de
Víctor M. Renero, dio una magnífica biografía: “<b><i>Alcíbiades, la ambición
del poder</i></b>” (1998), pareja simétrica de la de Pericles, misma marca, en
donde se encuentra, además, una extensa y valiosa bibliografía sobre nuestro
complejo personaje.<o:p></o:p></span></div>
<br /><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjuyW1Zo8dpBJAVE7gGnhpysOCffioMZHt1sy9IbD-9jcCzokEV1SzPgPlVxKUgTiPynANYIkouqEcGLvsqU4fqe3yLTYrxuo34DUFr4NAnsCW8Ncd4GUPEHJg1-st3jWQz9leXszL0a9UU/s1600/Alcibiades.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="551" data-original-width="440" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjuyW1Zo8dpBJAVE7gGnhpysOCffioMZHt1sy9IbD-9jcCzokEV1SzPgPlVxKUgTiPynANYIkouqEcGLvsqU4fqe3yLTYrxuo34DUFr4NAnsCW8Ncd4GUPEHJg1-st3jWQz9leXszL0a9UU/s320/Alcibiades.jpg" width="255" /></a></div>
<br />Narcíshttp://www.blogger.com/profile/08118936220217813153noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6384052752908304011.post-56630689435393588522020-01-16T23:47:00.001-08:002020-01-16T23:49:34.919-08:00WALT DISNEY, LAS MARAVILLAS DE LA ANIMACIÓN <div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg3vJDzIVaKoMmmXGjIuXv8NOC6sdCYl6SSEKzjBKCfusEdDr5e3lX7Gf59DOvHZHBViT_S1jeg8VHXB23nahRuP5l3b66DYlStAmEMNqc1mSzsVKHp92shFB2u8_ecXwKKS4QTzAeoqvpr/s1600/WD-1.jpeg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="387" data-original-width="620" height="199" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg3vJDzIVaKoMmmXGjIuXv8NOC6sdCYl6SSEKzjBKCfusEdDr5e3lX7Gf59DOvHZHBViT_S1jeg8VHXB23nahRuP5l3b66DYlStAmEMNqc1mSzsVKHp92shFB2u8_ecXwKKS4QTzAeoqvpr/s320/WD-1.jpeg" width="320" /></a></div>
<br />
<br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><u><span lang="ES" style="font-family: "times new roman" , serif; font-size: 14.0pt; line-height: 115%;">I- UN CREADOR</span></u></b><span lang="ES">- </span><span lang="ES" style="font-family: "times new roman" , serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "times new roman" , serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%;"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span>“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Dibujos animados</i></b>”. Si pronunciamos
estos dos términos y evocamos su historia es imposible que no resuene en
nuestra mente el nombre de Walt Disney. En verdad podríamos decir, con Juan
Tejero en el prólogo de un espléndido libro<span style="mso-spacerun: yes;">
</span>de Jorge Fonte y Olga Mataix (1), que <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Walt Disney</b> <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">NO FUE</b>:<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "times new roman" , serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%;">---
El inventor del cine de animación --- Ni del sonido --- Ni del color --- <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "times new roman" , serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%;">---
Ni tampoco era un gran dibujante (en realidad no volvió a coger el lápiz desde
1929) sino un CREADOR en el sentido amplio de la palabra. <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><o:p></o:p></b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span lang="ES" style="font-family: "times new roman" , serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%;">- Walt Disney SI FUE</span></b><span lang="ES" style="font-family: "times new roman" , serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%;">,
aparte de un trabajador incansable y un perfeccionista riguroso al máximo: <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "times new roman" , serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%;">---
Uno de los primeros en realizar una película de dibujos animados sonora ---<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "times new roman" , serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%;">---
Uno de los precursores en realizar un largometraje animado--- <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "times new roman" , serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%;">---
El primero en hacer un film de dibujos animados en color --- <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "times new roman" , serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%;">---
En el incipiente sistema de 3-D (tres dimensiones) fue quien inició su
experimentación ---<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "times new roman" , serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">--- También
primero en trabajar con el “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Storyboard</i></b>” o guión gráfico, una
guía montada en conjunto de ilustraciones en forma progresiva en línea al
desarrollo de la historia, o sea, el previsualizar. La práctica es el “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Storyboarding</i></b>”,
un desglose gráfico, un esquema dibujado de lo que ha de hacerse en la película
siempre con las precisas anotaciones para cada escena a filmar o a grabar.<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>Usada por vez primera por los estudios Disney
en la década de los treinta y luego en otras productoras. En films no animados,
o sea, con actores de carne y hueso, fue en una película de Frank Lloyd, “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Cabalgata</i></b>”
(1933), para una secuencia de montaje, quien inició el método para ser, más
adelante, Alfred Hitchcock quien pedirá numerosos “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Storyboard</i></b>” en función de
la angulación de la cámara antes de las tomas. Puede parecer pesado pero es de
mucha ayuda, especialmente en films de dibujos animados, para comprender la
línea narrativa y los propósitos del realizador. El tema de la modificación
“sobre la marcha” solo consistirá en retirar unos dibujos y reemplazarlos por otros
---<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "times new roman" , serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">--- Quien usó por
primera vez en “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Blancanieves y los siete enanitos”</i></b> (1937) la cámara multiplano
con la cual pudo exponer la profundidad de campo mediante una técnica de
superposición de cinco láminas filmadas en único plano para representar lejanía
---<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "times new roman" , serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">¿Por qué Walt
Disney? ¿Por qué su éxito? En mi modesto juicio porque realizó unos dibujos que
además de gustar al público infantil también los elaboró para entusiasmar a los
adultos, siendo elogiable<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>de cultivar un
arte en el cual pocas personas y escasas veces se han preocupado de extraer el
jugo de las extraordinarias posibilidades de servir al público infantil (2).
Tal fue su triunfo que además de formar un equipo de colaboradores de gran
calidad fundó su propia productora, aún en funcionamiento, sobre dibujos
animados, personajes humanos (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">20.000 leguas de viaje submarino</i></b>”, “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Mary
Poppins</i></b>”, “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">La isla del tesoro</i></b>”, “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Pollyana</i></b>” y una largo etc.), la
mezcla entre ambos (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Los tres caballeros</i></b>”) y documentales
de gran interés (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">True lifes Adventures</i></b>”, “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">People and Places</i></b>”, etc.).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "times new roman" , serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Walt Disney<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>fue un gran creador repleto siempre de ideas
y proyectos además de un inigualable productor cinematográfico y todo ello
unido a una innata capacidad para los negocios, en ocasiones arriesgados, lo
cual le confirió un estilo único e irrepetible y convirtió su nombre en
“sinónimo de dibujos animados” (Juan Tejero).</span><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><u><span lang="ES" style="font-family: "times new roman" , serif; font-size: 14.0pt; line-height: 115%;"><o:p></o:p></span></u></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><u><span lang="ES" style="font-family: "times new roman" , serif; font-size: 14.0pt; line-height: 115%;">II)- ILUSTRES ANTECESORES DE LA ANIMACIÓN</span></u></b><span lang="ES" style="font-family: "times new roman" , serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">-<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "times new roman" , serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">El dibujo animado
es una representación de imágenes en movimientos, formando todas ellas una
secuencia --- al menos --- visual (siempre) o audiovisual si se le añade el
sonido. Estas imágenes se consiguen dibujando a mano (antes siempre, ahora hay
máquinas y ordenadores reemplazantes del dibujo manual) cada uno de los
fotogramas. Esto lo sabemos pero quizás seria interesante hacer un breve repaso
a quienes hicieron posible la existencia de los dibujos animados, incluso antes
de inventarse el cine.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "times new roman" , serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Hará unos treinta
mil años en una caverna de la España septentrional alguien pintó un jabalí con
ocho patas para representar la velocidad del animal. En el Antiguo Egipto, una
pintura mural (2000 a. C.) trata de las posiciones sucesivas de dos luchadores
en combate. Practicando el estudio de la anatomía Leonardo da Vinci representó
la figura humana con diversas posiciones de los miembros. En Japón se hicieron
muchos dibujos en serie cuya explicación se leía desplegando un rollo y los
griegos reproducían en sus vasos momentos sucesivos de las competiciones de
carreras. Caricaturistas políticos, ilustradores de periódicos (de hace tiempo
hasta la actualidad) indican el movimiento con la sucesión de viñetas --- ahí
tenemos la aparición del cómic --- pero será el cine en su evolución lo que
dará el método más práctico para el movimiento de los dibujos. J. Stuart
Blackton realizó en 1906 una tira en la cual unos rostros dibujados en una
pizarra cambiaban de expresión y dos años después el francés Emile Colh efectuó
dos mil dibujos para una película de dos minutos (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Fantasmagoría</i></b>”).<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>Winsor McCay es hombre decisivo para los
dibujos animados y el cómic. Trasladó al “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Pequeño Nemo”,</i></b> un personaje de sus
viñetas a dibujo animado, todo un éxito refrendado más tarde en un conjunto de
variedades con “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Gertie, el dinosaurio amaestrado”,</i></b> experimentando y buscando
siempre la idoneidad de la angulación y los encuadres (influyó en mucho sobre
Walt Disney). A medida que los dibujos animados avanzaban<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>en su evolución aparecía un público deseoso
de disfrutarlos (importante el sistema inventado por J. R. Bray y Earl Hund<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>consistente en ilustrar los personajes sobre
papel de celuloide para después ser fotografiados con fondo único). Veamos
otros antecedentes: <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "times new roman" , serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">--- Nos hemos de
remontar a 1640 para ver el primer intento cuando el sabio y humanista jesuita
ATHANASIUS KIRCHER (1601 o 1602, Geisa, Alemania- 1680, Roma), experto además
en vulcanismo, estudio de fósiles, magnetismo, luz, ciencias naturales en
general y lenguas clásicas idea unas planchas de cristal dibujadas las cuales
gracias a partes móviles --- funcionando de forma manual --- conferían movimiento
a los personajes. Es la llamada “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Linterna mágica</i></b>” y el precursor,
pues, del aparato de diapositivas<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>mucho
antes de descubrirse la cámara fotográfica y la cinematografía --- <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "times new roman" , serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">--- Un siglo
después (a finales) son famosas las “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Fantasmagories</i></b>”, basadas en proyecciones
con la “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Linterna mágica”,</i></b> sorprendían a un aterrorizado público siendo
el belga Etiene Gaspar Robert (Robertson) el más importante y reconocido autor
de las “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Fantasmagories</i></b>”, ambientando, además, el recinto de los
espectadores con un lote de perfumes, colores y olores (azufre, p. e.) que
complementaban la función e inquietaban aún más al público. Robertson construyó
un aparato a partir de otros inventados y desechados anteriormente por
diferentes investigadores, siendo bautizado como “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Fantascopio</i></b>”, donde se
incorporaban ruedas a la linterna mágica ---<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "times new roman" , serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">El siglo XIX fue
el de los grandes avances en este campo. A finales de 1824, el británico PETER
MARK ROGET (1779- 1869), otro humanista (filólogo, médico, teólogo natural,
físico y matemático)<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>manifestó que todo
movimiento se puede descomponer en una serie de imágenes fijas, llegando al
principio de la persistencia de la visión. Había llegado la explicación
científica<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>y primer paso para la
realización técnica del dibujo animado el cual encontrará su ámbito en el
futuro invento de los hermanos Lumière: el cine. Gracias a Roget,
experimentadores e investigadores de la segunda mirad del siglo XIX,
perfeccionaron progresivamente aparatos capaces de generar imágenes
considerados, desde su creación, como juguetes ópticos. Roget estudió a fondo
el fenómeno contemplado por él a través de las separaciones verticales de una
persiana veneciana cuando vio pasar un carro y se sorprendió al ver la rueda
que parecía avanzar sin girar (nosotros lo descubriremos en varias ocasiones,
principalmente al observar las ruedas de una veloz diligencia --- sugiero un
film del Oeste --- avanzando sin girar o bien girando en sentido contrario),
publicando un estudio 1825 sobre esta ilusión óptica.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "times new roman" , serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">--- El “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Taumatropo”
</i></b>(o<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"> “Rotoscopio”</i></b>)<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">,</i></b> de John Ayrton (1824), sencillo
juego basado en alternar dos dibujos y el “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Fenakistiscopio”</i></b> (de<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">
Fenakis</i></b>= ventana y <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Scopio</i></b>= visión), del belga Joseph
Plateau (1833), tambor con ranuras y un espejo: el disco giraba y aparecían
figuras en movimiento, el “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Zootropo”,</i></b> de William George Horner
(1834) estaba provisto también de aparatos con ventanas circulares
reproductoras de imágenes (mejoraba el invento de su antecesor por la capacidad
de contener más ilustraciones rotando más tiempo) ---<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "times new roman" , serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">--- Émile Reynaud
da el “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Praxinoscopio</i></b>” (1877), un juego de espejos el cual reflejaba
imágenes de un zootropo par que muchas personas pudiesen ver las imágenes a la
vez. John Barnes Linnet patentó en 1868 el “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Folioscopio</i></b>” o “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Kineógrafo</i></b>”
(“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Cineógrafo</i></b>”):
un libro conteniendo una serie de imágenes las<span style="mso-spacerun: yes;">
</span>cuales varían de una página a la siguiente y cuando las páginas se pasan
con rapidez las imágenes parecen animarse ---<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "times new roman" , serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">A modo de
corolario de todos estos inventos, considerados como juguetes casi siempre, el
gran THOMAS ALVA EDISON (1847- 1931) fabricó el “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Kinetoscopio</i></b>”, el primer
artefacto considerado como una máquina de cine (caja, dentro de la cual
circulaba un rollo de fotografías a 46 imágenes por segundo e iluminadas por
una lámpara incandescente). Sobre ella, los hermanos Louis (1864- 1948) y
August Lumiére<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>(1862-1954) combinaron la
cámara tomavistas y el proyector. Se llamó el <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">CINEMATÓGRAFO</i></b>.</span><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><u><span lang="EN-US" style="font-family: "times new roman" , serif; font-size: 14.0pt; line-height: 115%;"><o:p></o:p></span></u></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><u><span lang="EN-US" style="font-family: "times new roman" , serif; font-size: 14.0pt; line-height: 115%;">III) WALT DINEY</span></u></b><span lang="EN-US" style="font-family: "times new roman" , serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">-</span><span lang="ES" style="font-family: "times new roman" , serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "times new roman" , serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Walter Elias
Disney (1901- 1966) nació en Chicago en el seno de una modesta familia, fue el
cuarto de los cinco hijos: tres varones y una niña. Su padre, Elias Disney, era
hijo de inmigrantes irlandeses y su madre, Flora Call, era de origen alemán.
Creció entre grandes problemas económicos junto a la severidad de su progenitor
el cual no creía en la capacidad de su hijo para desarrollar su incipiente
vocación artística. Elias probó toda clase de negocios para intentar mejorar la
economía familiar sin conseguirlo mientras su hijo parecía seguir sus mismos
pasos. Situados en una granja cerca de Marceline (Missouri) trabó una buena
amistad con un compañero de clase llamado Walter Pfeiffer quien, junto con toda
su familia, lo introdujo en el interés hacia la cultura y el cine. Muy unido a
su hermano Roy (ocho años mayor que él) el pequeño Disney demostró gran cariño
hacia los animales y la naturaleza pero llegó la I Guerra Mundial y se alistó
como voluntario en la Cruz Roja Americana, en el cuerpo de ambulancias (no
tenía edad para hacerlo pero falsificó su partida de nacimiento). Al finalizar
la contienda buscó y encontró trabajo como aprendiz en una agencia de
publicidad<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>(su trabajo era realizar
bocetos a lápiz que luego entregaba a otros dibujantes). Un experto ilustrador
de la empresa, Ubbe Iwerks, hizo amistad con Walt y finalmente montaron su
propia empresa: la “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Iwerks- Disney Comercial Artists</i></b>”. Ubbe hacía los dibujos (muy
dotado para este fin) y Walter era el caricaturista y el encargado de buscar
posibles compradores. Más adelante se unieron<span style="mso-spacerun: yes;">
</span>a la “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Kansas City Film and Company</i></b>”,<span style="mso-spacerun: yes;">
</span>empresa especializada en hacer películas de anuncios de breves minutos
de duración para los cines (allí, otro amigo suyo, Jim Lowerre, el principal
camarógrafo de la compañía, le enseñó a fotografiar las cartulinas). Walter
continuó experimentando con los dibujos y llegó a realizar su primer corto en
dibujos de animación y al final llegó a poder comprar su propia cámara (no
tenía aún los 21 años). En mayo de 1922 logró convencer a<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>unos cuantos pequeños empresarios --- entre
los cuales estaba Iwerks --- para fundar una compañía, “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Laugh –O –Gram Films”</i></b> con
el propósito de iniciarse en cortos representando cuentos populares (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Caperucita
roja</i></b>”, “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El gato con botas”, “La Cenicienta</i></b>”): hicieron seis a siete
minutos cada uno antes que la quiebra de algunos clientes arrastró la nueva
empresa a la ruina. Volver a empezar de nuevo. Ahora probó suerte en Hollywood
junto a su hermano Roy y, gracias a su tenacidad, oficio y genialidad, la tuvo.
Consiguió un contrato con el distribuidor M. J. Winkler para una serie de
cortos: “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Alice Cartoons”</i></b>, basado en el personaje de Lewis Carroll, “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Alicia
en el país de las maravillas</i></b>”. Éxito total que desembocó en la
fundación de la <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Walt Disney Productions</i></b> un 16 de octubre de 1924 y un año
después nuestro hombre aparcaba su carrera de dibujante para centrarse en la de
productor mientras un excelente equipo de ilustradores (su amigo Ubbe Iwkers,
Ham Hamilton, Friz Frelang, los hermanos Harman y Rudy Isisng) se ocuparon de
los dibujos. Crearon un personaje bastante conocido y muy popular en su
momento, superado por los futuros hallazgos, protagonista de varios
cortometrajes: “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Oswald, el conejo feliz” </i></b>(conocido en España como “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Blas</i></b>”),
el cual acabó en manos del distribuidor Charles Mintz (había formado su propio
taller de animación) después de varios enfrentamientos legales, siendo
finalmente animado por Walter Lantz. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "times new roman" , serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Para rehacerse del
golpe, Disney empezó a buscar otro personaje- estrella para su estudio: en un
viaje en tren él y su esposa pensaron en un ratoncito (otros dicen que la
inspiración le llegó al ver entrar un ratón en su estudio). Había nacido <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Mortimer</i></b>,
más adelante se le cambia el nombre por el de <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Mickey</i></b> (<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Mickey
Mouse= Ratón Mickey</i></b>) al cual Iwerks empezó a ilustrar. En 1928 buscaba
productor para sus dos cortos de Mickey cuando incorporó el sonido a la tercera
aventura del roedor: “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Willie en el barco de vapor” </i></b>(1928),
utilizando su propia voz para Mickey y su novia Minnie. El personaje fue un
éxito mundial y autorizó a varias compañías el reproducir sus productos con la
imagen de Mickey. Se había incorporado guantes y zapatos blancos para evitar la
fusión/confusión de manos y pies en el fondo negro. El ratoncito será todo un
icono, recibiendo sendos Óscar en 1932 y 1941 y en 1945 la Sociedad de Naciones
Unidas le otorgó una medalla por haber creado este animal tomado como “símbolo
internacional de la buena voluntad”. El dibujo definitivo --- Mickey cambió
ligeramente de aspecto algunas veces ---fue de una gran perfección y sencillez:
la cabeza era un círculo, el hocico un círculo oblongo, las orejas también
circulares, el cuerpo en forma de pera, las patas como boquillas de pipa además
una larga cola. Para humanizarlo más: dos manos a cuatro dedos cada una (cinco
hubiese sido más dificultoso en su animación, detalles dados por el propio Walt
Disney). Hay más de 120 films dedicados al ratoncito.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "times new roman" , serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">A partir de 1929
Disney dará una serie sin protagonistas fijos la cual le consagrará de un modo
definitivo: “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Silly Symphony”</i></b> (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Sinfonías tontas</i></b>”), su primer título
fue “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Skeleton
Dance</i></b>” (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Danza macabra”)</i></b> para filmarse ya en color a partir de “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Flowers
and Tress</i></b>” (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Flores y árboles</i></b>”, 1932) y es en una
“Sinfonía tonta” de 1934 titulada “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">The Wise Little Hen</i></b>” (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">La
gallina sabia”)</i></b> cuando aparece un personaje crucial de la obra
disneyana, tanto como el ratón: “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Donald Duck</i></b>” (<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El pato Donald</i></b>). Al
contrario de “Mickey”, “Donald” es huraño y pícaro. Su jocosa e irritante voz
se hizo famosa en todo el mundo. Su atuendo es de marinero: chaqueta y gorra y,
por el contrario, desprovisto de pantalones. Se convertirá en símbolo nacional
para los Estados Unidos. Más dúctil y viable que Mickey, el pato tendrá
cualidades para trabajar mejor con personas --- dicho por el propio Disney ---
que otras figuras de los dibujos animados (el mezclar personas de carne y hueso
con dibujos animados fue ensayado varias veces con éxito). Al igual que Mickey
tenía a Minnie y dos sobrinos, Daysi era la eterna novia del pato Donald y tres
sobrinos al contrario de la idea inicial de Disney el cual deseaba que ambas
parejas fueran marido y mujer con sus respectivos hijos pero no pudo ser (cosas
de la censura de aquel tiempo) al igual que en otros casos (los populares “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Popeye-
Olivia</i></b>” creados en 1929 por<span style="mso-spacerun: yes;">
</span>Elzie Crisler Segar).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "times new roman" , serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">El pato ya tuvo
una serie propia a partir de 1937: “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Modern inventions”</i></b> (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Invenciones
modernas</i></b>”) y fue el único personaje de Disney que aparece en cuatro
largometrajes: “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">The Reluctant Dragón</i></b>” (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">The Reluctant Dragon</i></b>”, 1941), “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Saludos
Amigos</i></b>” (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Saludos amigos”,</i></b> 1943), “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">The Three</i></b> <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Caballeros</i></b>” (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Los
tres caballeros”,</i></b> 1945) y “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Fun and Fancy Free”</i></b> <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">(“Las
aventuras de Bongo,</i></b> <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Mickey y las judías mágicas</i></b>”, 1945),
una magna macedonia de personajes disneyanos donde el propio Disney cedía su
voz a Mickey Mouse y Clarence Nash al pato Donald.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "times new roman" , serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Otro se éxito se
apuntaba Walt Disney en 1931 con un nuevo personaje de su creación: el perro
bípedo <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Goofy</i></b>, símbolo del antihéroe a quien todo le sale mal.
Originalmente llamado <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Dippy Dawg</i></b>, se rodaron más de 50
films y uno de ellos, <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“Motormanía</i></b>”, era una sátira sobre
lo bestias en que se transforman algunos cuando se sientan frente a un volante.
Podríamos decir que <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Pluto</i></b> era la cuarta vedette de los Estudios Disney después del
ratoncito, el pato y el perro Goofy. Pluto era otro perro, de aspecto abúlico,
no bípedo ni vestido pero con muchas expresiones faciales, apareciendo por
primera vez en uno de los cortometrajes de Mickey Mouse (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">The Moose Hunt”</i></b>, 1931),
dando como fruto una cincuentena de films.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "times new roman" , serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">El año 1937 fue
trascendental para los dibujos animados y para Walt Disney pues con <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“Snow
White and the Seven Dwarfs</i></b>” (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Blancanieves y los siete enanitos</i></b>”),
basada en el cuento de los hermanos Grimm, se ofrecía prácticamente el primer
largometraje del género. Resultado: una obra maestra. A partir de este triunfo
los largometrajes en la factoría Disney se sucedieron con gran rapidez: “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Pinocchio”</i></b>
(“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Pinocho</i></b>”,
1940), técnicamente incluso superior a “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Blancanieves…</i></b>” pero sin respuesta
comercial al momento como<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>tampoco la
tuvo aquella maravilla llamada “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Fantasía</i></b>” (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Fantasía</i></b>”, 1940), con un
gran derroche de imaginación y técnica, discutida por algunos, después repuesta
infinitamente y obra absolutamente maestra para muchos (entre los cuales está
quien suscribe estas líneas). Si tuvieron muy buena acogida<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Dumbo</i></b>” (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Dumbo</i></b>”, 1941) y <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“Bambi</i></b>”
(“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Bambi</i></b>”,
1942) a nivel técnico óptimo. Más éxitos con “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Song of South</i></b>” (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Canción
del sur</i></b>”, 1946), “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Cinderella”</i></b><span style="mso-spacerun: yes;"> </span>(“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">La Cenicienta</i></b>”, 1950), “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Alice
in Wonderland</i></b>” (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Alicia en el país de las maravillas</i></b>”),
“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Peter
Pan</i></b>” (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Peter Pan</i></b>”, 1953), “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Lady and the Tramp</i></b>” (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">La
dama y el vagabundo”, </i></b>1955), “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Sleeping Beauty”</i></b> (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">La
bella durmiente</i></b>”), “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">One Hundred and One Dalmatians</i></b>” (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">101
dálmatas</i></b>”, 1961), etc. Walt Disney falleció a los 65 años de un cáncer
de garganta (15-diciembre-1966) mientras preparaba la producción del ambicioso
largometraje “”<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">The Jungle Book”</i></b> (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El libro de la selva</i></b>”), dirigida por
Wolfgang Reitherman y según la novela de Rudyard Kipling la cual había tenido
una versión con actores de “carne y hueso “dirigida por Zoltan Korda en 1942
(la de animación,<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>producida por Disney
se estrenó un año después de su muerte). En 1955 se había inaugurado su famoso
parque de atracciones: “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Disneyland</i></b>” (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Disneylandia</i></b>”).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "times new roman" , serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Walt Disney fue
atacado profusamente por sus ideas políticas. Nos dice Juan Tejero que su vida
y obra fue un perfecto ejemplo de ideal americano: el hombre que luchó mucho y
triunfó, el “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">self-made-man</i></b>”, el cual empezó vendiendo periódicos y terminó
dirigiendo uno de los mayores imperios financieros del mundo. Lo conocemos como
amable, discreto, educado. Era un hombre de derechas y su profundo
anticomunismo viene de 1941 cuando un sindicato de ilustradores recién creado
en su compañía le amenazó con una huelga que llegó a producirse y a partir de
mayo paralizó los estudios (participaron la mayoría de trabajadores) durante el
resto del año. Estuvo de acuerdo con la llamada “Caza de brujas” impulsada por
el senador Joseph McCarthy, colaboró con el F. B. I. y proclamó siempre su
antimarxismo. Como ha sucedido en con otras personas (Cecil B. DeMille, p. e.)
su obra fue atacada, además le acusaron de “edulcorar” sus dibujos, también de
“sádico, creador de pesadillas infantiles”. Si bien cada uno es libre de tener
una ideología, la cual se compartirá o no pero siempre con respeto hacia los
demás que no piensen como él, es necesario recordar a quienes atacaron su obra
que Disney “metió” a sus personajes al estallar la II Guerra Mundial, Mickey
Mouse fue prohibido en la Alemania nazi porqué en uno de sus films llevaba un
casco prusiano, el pato Donald fue en su momento una hábil propaganda antinazi
(”<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">The
Fuerer’s Face</i></b>”) y un año antes de su muerte fue propuesto Walt Disney
para el Premio Nobel de la Paz, habiendo recibido 32 Oscar por la producción de
sus más de 700 films. Esto ha de recordarse siempre puesto que el cine suele
ser refugio para numerosos sociólogos frustrados, la mayoría con poco o nada de
base cinematográfica y muchos pertenecientes a la llamada “pseudo progresía”,
la de antes y la de ahora. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "times new roman" , serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Muchos datos me he
dejado en el tintero del fascinante mundo de Walt Disney de los cuales
hablaremos --- Dios mediante --- en un futuro escrito.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "times new roman" , serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span>Narcís Ribot i Trafí</span><span lang="ES"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "times new roman" , serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">(1)- “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Walt
Disney, el universo animado de los largometrajes, 1937-1967)”,</i></b> de Jorge
Fonte y Olga Mataix (2000), publicado por T & B Editores. Dela misma
editorial “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Todo empezó con un ratón” (“El fantástico mundo de los cortos Disney”</i></b>),
de Jorge Fonte (2004) y un par de libros más de los cuales hablaremos más
adelante.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "times new roman" , serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">(2)-<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>Revista <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“Terror Fantastic</i></b>” (febrero- 1973),
“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Dossier
Dibujos Animados”,</i></b> de Francisco Montaner, el primer escrito que leí
sobre la temática.<o:p></o:p></span></div>
<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhi8qSKWULtlQmI4CBFzXszZ7hPWPECPuT28ZpCSChpiQ7c0psUsx83npd-ivJh-wGX_ptjUZT-AWt8XDiU4S_3iCqoaXpGJyPRpv_PChbNpxHRIaEo8o6bswP_lqIHc1gHTetzZhyphenhyphenhlFqN/s1600/walt-disney.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="479" data-original-width="718" height="213" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhi8qSKWULtlQmI4CBFzXszZ7hPWPECPuT28ZpCSChpiQ7c0psUsx83npd-ivJh-wGX_ptjUZT-AWt8XDiU4S_3iCqoaXpGJyPRpv_PChbNpxHRIaEo8o6bswP_lqIHc1gHTetzZhyphenhyphenhlFqN/s320/walt-disney.jpg" width="320" /></a></div>
<br />Narcíshttp://www.blogger.com/profile/08118936220217813153noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6384052752908304011.post-2968318856749460032020-01-07T20:07:00.001-08:002020-01-07T20:07:16.575-08:00 CENTAUROS DEL DESIERTO (JOHN FORD, 1956)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjKSapbmaFlv84Ky0uennwZ5RIm6SdfhA7KrnrRnou2MK7Nscc1CJUvx5ry2M0Vv7kBSBEBVHhHHVU9DsyyDy1L9qDobhlBlJlqltz-wLUBQ5pyfhnVvlLGwWpZsq5OrvTeseV4E6Q5wOCS/s1600/centauros.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1440" data-original-width="960" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjKSapbmaFlv84Ky0uennwZ5RIm6SdfhA7KrnrRnou2MK7Nscc1CJUvx5ry2M0Vv7kBSBEBVHhHHVU9DsyyDy1L9qDobhlBlJlqltz-wLUBQ5pyfhnVvlLGwWpZsq5OrvTeseV4E6Q5wOCS/s320/centauros.jpg" width="213" /></a></div>
<br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span lang="ES" style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";"><br /></span></i></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span lang="ES" style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">“Coge todo
lo que hayas oído decir en tu vida… multiplícalo por cien y seguirás sin tener
una idea de John Ford</span></i></b><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span lang="ES" style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">”<span style="mso-spacerun: yes;"> </span></span></b><span lang="ES" style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">(James
Stewart, actor)<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><o:p></o:p></i></b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span lang="ES" style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">“Es el
artista en estado puro, inconsciente y crudo, que carece de intermediaciones
culturales, estériles e inverosímiles, inmune a la contaminación intelectual.
Me gusta su fuerza y su simplicidad desarmante. Cuando pienso en Ford siento el
olor de barracas, de caballos de pólvora. Visualizo tierras llanas
interminables y silenciosas, los viajes interminables de sus héroes. Pero por
encima de todo siento a un hombre al que le gustaban las películas, que vivía
para el cine, que hizo de las películas un cuento de hadas para creérselo él
mismo, un cobijo en el que vivir con la alegre espontaneidad del
entretenimiento y la pasión”</span></i></b><span lang="ES" style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";"> (Federico Fellini, realizador
cinematográfico)<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span>Una tosca pared exterior de ladrillos,
sin pintar ni pulir en imagen fija. Allí aparecen los títulos de crédito
mientras se escucha en off la canción principal con el mismo título original de
la película: “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">The Seachers</i></b>” (=“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Los buscadores</i></b>”, en castellano). Un
rótulo nos indica que estamos en Texas, 1868. Después de los genéricos la
pantalla se vuelve totalmente negra. Se hace la luz al abrir una puerta al
exterior de paisaje desértico. Una mujer ha abierto la puerta y contempla un
hombre que se acerca cabalgando hacia la casa desde el horizonte. La mujer es
Martha Edwards (Dorothy Jordan), el hombre es su cuñado Ethan Edwards (John
Wayne) que regresa a la casa de su hermano Aaron Edwards (Walter Coy) y su
familia: su esposa Martha, sus dos hijas Debbie (Lana Wood, siendo niña,
mientras<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>la futura Debbie adulta es
interpretada por Natalie Wood, hermana de Lana), Lucy<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>(Pippa Scott) y un hermano algo menor que
Lucy. La película finalizará con la puerta de otro rancho ahora cerrándose
mientras el protagonista Ethan se auto excluirá de la nueva convivencia y
felicidad familiar. Títulos de crédito, obertura y final<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>son corolario de todo el film de carácter circular:
apertura de la puerta desde la negrura inicial y cierre de la puerta con vuelta
a la oscuridad para quien ha quedado fuera, nuestro personaje principal el cual
durante toda la historia recorrerá circularmente los amplios territorios
acompañado del muchacho mestizo Martin Pawley (Jeffrey Hunter), hijo adoptivo
de los Edwards,<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>ejercerán de “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Seachers</i></b>”
durante todo el nudo del film buscando a Debbie raptada por los comanches hasta
volver a las mismas tierras<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>en donde
empezó la acción. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">The
Seachers”</i></b> (1956), se estrenó en España como “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Centauros del desierto”</i></b>:
estamos ante una obra maestra. Su riqueza técnica y temática y su desbordante
puesta en escena (sin exageraciones ni ampulosidades, esto estaba excluido en
Ford) la acreditan como tal. No solamente es considerado por muchos como el
mejor western o el mejor film de John Ford sino también de la mejor película de
la historia del cine (los cineastas Martin Scorsese y Steven Spielberg entre
otros). No entraré a afirmar ni negar esta opinión, probablemente sí lo es,
pero ex aequo con otros títulos de Ford como “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El hombre tranquilo”, “Pasión de
los fuertes”, “El</i></b> <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">hombre que mató a Liberty Valance</i></b>” o
“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Las
uvas de la ira</i></b>”.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">Creo muy
interesante reproducir el esquema sobre el desarrollo cronológico de la película<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>utilizado por Tag Gallagher en su libro sobre
John Ford (&) para facilitar el posterior análisis de diversos aspectos del
film.<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><u><o:p></o:p></u></b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><u><span lang="ES" style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">EXPOSICION- Acto I</span></u></b><span lang="ES" style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">
1)- Casa de los Edwards: Ethan llega/sala de estar/comida/chimenea y oro/hora
de acostarse (día 1, atardecer), 2)- Casa de los Edwards: desayuno/llegada de
exploradores/partida (día 2, mañana) 3)- Desierto: tumba india/patrulla se
divide (día 2, tarde), 4)-<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>Casa de los
Edwards: se oye la llegada de los indios/Debbie en la tumba (día 2, atardecer),
5) Ethan y compañía/la casa de los Edward ha sido arrasada (día 3, mañana), 6)
Casa de los Edwards: funeral (día 4), 7) Desierto: pantanos,
persecución/batalla/la patrulla se divide (día5), 8)- Desierto: en los riscos,
9) – Desierto: muerte de Brad Jorgensen (Gallegher da como dudoso la noche del
día 6 y también el día 6 para el punto anterior), 10)- Desierto: nieve (mucho
tiempo después). <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><u><o:p></o:p></u></b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><u><span lang="ES" style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">DESARROLLO - Acto II</span></u></b><span lang="ES" style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span>1)- Casa de los Jorgensen: llegada/escenas
hogareñas/los tejanos (2 años después), 2) – Casa de los Jorgensen: escenas
hogareñas/partida (día 2), 3)- Negocio de Futterman: bar (después), 4)-
Desierto: emboscada en las rocas/muerte de Futterman y sus cómplices
(atardecer)- <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><u>Acto III</u></b><span style="mso-spacerun: yes;"> </span>1a)- Casa de los Jorgensen: llega la carta (2
años después), 2) Desierto: trueque con los indios/la india Look (día ¿), 1b)-
Casa de los Jorgensen: continúa la carta (día ¿), 3)- Desierto:
cama/Look/mañana, 1c) Casa de los Jorgensen: continúa la carta, 4)- Desierto:
matanza de búfalos/Carnicería de indios/7º de Caballería/cautivas dementes
(mucho después), 1d)- Casa de los Jorgensen: concluye la carta- 5)- Desierto:
galope por el páramo a la puesta del sol (a diario)- <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><u>Acto IV</u></b> 1)- Cantina (3 años después), 2)- Campamento de Scar
(7 años desde el comienzo), 3)- Debbie/ataque de Scar, 4)- Riscos y heridas.<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><u><o:p></o:p></u></b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><u><span lang="ES" style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">RESOLUCIÓN – Acto V</span></u></b><span lang="ES" style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">
1)- Casa de los Jorgensen: baile y boda/llegada de Ethan y Martin/pelea/Mose y
el teniente (algunos meses después), 2) Desierto: debate nocturno en el
campamento/soga/marcha nocturna/muerte de Scar/ataque: Ethan y Debbie, 3)
Regreso a casa.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">Esta
datación del tiempo donde acontece la acción puede situar al interesado
(quienes no hayan visto la película o quienes la hayan visionado una vez o más
ya que una o dos sesiones de la película puede no ser suficiente para asumir la
historia en toda su totalidad). De esta forma sabemos que Ethan Edwards regresa
a casa después de tres años de finalizar la guerra. Él luchó por la
Confederación y aún conserva ropajes y medallas de los estados sureños.
Mediante una estrategia de alejamiento el rancho Edwards queda prácticamente
indefenso siendo asaltado por los comanches del jefe Scar (= “Cicatriz”, en
castellano) quien asesina al matrimonio Edwards a Lucy y a su hermano mientras
rapta a Debbie la cual se convertirá en su esposa años después (tiempo después,
cuando Scar se encuentre frente a Martin y Ethan les confesará que su vida se
centra en la venganza: los blancos asesinaron a sus hijos y, seguramente, a su
primera esposa). La búsqueda de Debbie por parte de Ethan y Martin para reintegrarla
en la sociedad blanca será, como hemos visto, el tema de la obra.</span><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span lang="ES" style="font-family: "Tahoma",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-font-size: 10.0pt;"><o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span lang="ES" style="font-family: "Tahoma",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-font-size: 10.0pt;">EJE
VERTEBRADOR: EL RACISMO</span></b><span lang="ES" style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">- La característica principal por
donde rota el argumento de la película (y el de la novela) es el racismo
contrastado con episodios burlescos (ausentes en el libro de Alan Le May) ---
la boda por error del joven Martin con la comanche obesa Look (Behula
Archuletta) ante la burla de Ethan, la pelea entre Martin y Charlie McCorry
(Ken Curtis) --- junto con otros dramáticos: muerte de los Edwards en elipsis,
el encuentro de sus cuerpos por parte de Ethan, la masacre de los indios por
parte de los Ranger en el campamento de Scar, el intento en dos ocasiones por
parte de Ethan de matar a su sobrina, casada con Scar, adaptada a la vida
comanche y en rechazo a la civilización blanca. Ethan es un racista con un
pasado ambiguo y oscuro (podemos pensar que atracó algún banco en México al
acabar la guerra, durante estos tres años antes de regresar con su familia) y
al ver “irrecuperable” a su sobrina Debbie desenfunda la pistola por dos veces:
en la primera ocasión una flecha comanche le hiere en el hombro aplazando la
ejecución, en la segunda (Martin se coloca delante de Debbie como anteriormente
lo hizo<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>para protegerla), parece que
nuestro hombre disparará sobre Debbie y Martin pero cambia de idea, la monta en
su cabalgadura y se la lleva a casa de los Jorgensen. Ethan es un hombre hosco
y amargado, un cuadro retorcido pero ambivalente,<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>por varias cosas: la Confederación perdió la
guerra, está enamorado de su cuñada Martha --- parece que ella le correspondió,
al menos en un principio --- pero su vida nómada no encaja con la sedentaria de
la mujer, casada finalmente con Aaron, el hermano de su antiguo amado, quizás
como consuelo y Ethan continúa y continuará deambulando sin encontrar nunca la
paz ni la felicidad (tampoco quiere cambiar) como un alma en pena por aquellos
inmensos bosques, desiertos, valles y praderas. Al otro lado tenemos al jefe
indio Scar (Henry Brandon), en cierta manera también un racista con muchos
puntos de razón pero cuando utiliza la violencia como venganza ya pierde la
causa justa que pueda asistirle. Dos puntos opuestos con elementos similares.
Cuando Ethan y Martin logran entrevistarse con Scar en el campamento indio
están a punto de saltar uno contra el otro pero no lo harán (al igual que Tom
Doniphon y Liberty Valance en <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“El hombre que mató a Liberty Valance</i></b>”).
No será Ethan quien mate a Scar sino Martin en el ataque al campamento indio,
luego un contento Ethan cortará la cabellera de Scar como trofeo…</span><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span lang="ES" style="font-family: "Tahoma",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-font-size: 10.0pt;"><o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span lang="ES" style="font-family: "Tahoma",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-font-size: 10.0pt;">LA
NOVELA DE ALAN LE MAY (1899-1964) </span></b><span lang="ES" style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">Era un
escritor estadounidense solvente y reputado. Iba al grano, su estilo era
directo, sobrio sin adornos innecesario ni artificios, siendo su lectura
altamente recomendable. Escribió varias novelas del oeste, la primera en 1927,
“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Caballos
pintados</i></b>”, y sus obras más famosas, reconocidas en la actualidad, son “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">The
Seachers”</i></b> (publicada en 1954, dos años antes de la película) y <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“The
Unforgiven</i></b>” (1957), llevada al cine por John Huston (<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“Unforgiven</i></b>”,
titulada en España “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Los que no perdonan</i></b>”) en 1960, con Burt Lancaster y Audrey
Hepburn, también sobre el tema del racismo. La descripción, ambientación y
personajes con su psicología<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>de “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">The
Seachers</i></b>” son sencillamente excelentes y en donde la búsqueda, al igual
que en el film, se convertirá en un fin en sí mismo. Alan Le May escribió
guiones para el cine (recordemos “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El pirata Barbanegra</i></b>” para Raoul
Walsh o “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Policía montada</i></b> <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">del Canadá</i></b>” y “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Piratas del mar Caribe</i></b>”,
ambas de Cecil B. DeMille)<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>y se atrevió
a dirigir en una ocasión<i style="mso-bidi-font-style: normal;">: “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;">High Lonesome”</b> </i>(1950), un western
con el injerto de unas gotas de cine policiaco/negro. Para “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">The
Seachers</i></b>” Le May se basó en la historia real de Cyntia Ann Parker
secuestrada por los comanches en 1836. Convertida en mujer fue rescatada en 1860
y ello supuso un drama. Su esposo era un famoso jefe comanche que le dio tres
hijos. Su reinserción a la fuerza en la sociedad blanca supuso un drama para
Cyntia, acabando sus días en una profunda depresión.<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>Por supuesto Ford y su experimentado guionista
Frank S. Nugent se encontraron a gusto con la temática y los personajes de le
May aunque adaptándolos a su forma de pensar y a su estilo, o sea el fordiano.</span><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span lang="ES" style="font-family: "Tahoma",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-font-size: 10.0pt;"><o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span lang="ES" style="font-family: "Tahoma",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-font-size: 10.0pt;">DIFERENCIAS
LIBRO- CINE</span></b><span lang="ES" style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span>En el libro
Amos Edwards (Ethan en el film) es un personaje más pétreo y seco y menos
ambiguo que en el celuloide. Al final muere a manos de una comanche mientras
que en la cinta se aleja para continuar su vida nómada y errante. El auténtico
protagonista de la novela es Martin Pawley que no tiene sangre india, el film
es Ethan. El tratamiento dado por Ford en la masacre del rancho Edwards es de
elegante elipsis. El plano “gótico”, propio del cine fantástico y de terror de
la sombra de Scar en el cementerio cayendo y aterrorizando a Debbie, única
superviviente (a la cual raptará y convertirá más adelante en su esposa, en el
libro será su hija adoptiva), la mirada aterrorizada de Ethan al contemplar la
casa en llamas, el sonido del cuerno de caza apagándose poco a poco es mucho
más sugerente que el exterminio narrado en la novela. El Ethan Edwards de la
película es más oscuro y complejo que el Amos Edwards literario. Al hacer mayor
y más conflictivo su personaje principal, Ford convierte la sencilla y
magnífica historia literaria en una exploración más rica y variada de tensiones
raciales y sexuales. Aaron Edwards, en el film, se llama Henry en el libro así
como los Jorgesen son los Marthison literarios (Aaron Marthison es el
patriarca, en la película se convierte en Lars Jorgensen, interpretado por John
Qualen). En el film hay un Mose Harper (Hank Worden), también en el libro, un
pobre hombre que ha perdido la razón el cual acompaña al capitán y reverendo
Samuel Clayton (Ward Bond).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">Finalmente
conseguí, tras varios años de infructuosa búsqueda, un ejemplar del libro de Le
May; no quería escribir sobre el film sin haber leído la novela que en absoluto
no me ha defraudado. Es una gran novela mientras la película es una obra
maestra (por cierto, esta última edición de Ediciones Valdemar, 2013, lleva el
título con el cual fue estrenado el film en España, “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Centauros del desierto</i>”,</b>
no el original <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“The Seachers”/”Los buscadores”</i></b>).</span><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span lang="ES" style="font-family: "Tahoma",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-font-size: 10.0pt;"><o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span lang="ES" style="font-family: "Tahoma",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-font-size: 10.0pt;">RECURSOS
CINEMATOGRAFICOS</span></b><span lang="ES" style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";"> En los genéricos hay un muro de ladrillo, el film se
abre y se cierra con la oscuridad al abrir y cerrar una puerta que da al
exterior, ya lo hemos dicho. El muro puede significar la distancia que separa a
Ethan y su familia en la felicidad, especialmente Martha, la oscuridad es la
imposibilidad de inserción de Ethan a la comunidad, la soledad y el
resentimiento se lo impiden. Al abrirse la puerta al principio hay un atisbo de
esperanza pero solo será temporal, al final entra Debbie --- aún vestida de
india ---en el rancho de los Jorgensen y la pareja de recién casados Martin y
Laurie Jorgensen (Vera Miles) y Ethan, tras dudar un momento, se aleja hacia el
desierto --- la pareja le puede recordar la que hubiera sido Martha y él, de
haber salido bien ---<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>mientras la puerta
se cierra y la pantalla deviene oscura: deambulará en su soledad por bosques y
praderas hasta el final de sus días. Al desaparecer los resentidos (muerte de
Scar y autoexclusión de Ethan respecto a la sociedad equivaldrán a la paz
hogareña y familiar). Los Jorgensen habían perdido un hijo, Brad (Harry Carey
Jr.), prometido de Debbie el cual se aliará con Martin y Ethan para rescatarla
pero en un mal momento perderá los estribos y atacará solo a un grupo de
comanches que le darán muerte (en off). Ahora tiene un yerno, Martin; como un
nuevo hijo y una nueva hija, Debbie. Es la aceptación blancos- indios.<span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">Las miradas
y el silencio de Marta al entrar Ethan en casa, al principio, delatan su mutuo
amor aún latente. Martha en silencio mientras habla Aaron, luego al ver a sus
dos sobrinas (a quienes confunde una con otra) y a su sobrino habla la mujer
mientras acaricia el polvoriento abrigo militar de su cuñado.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">El racismo
de Ethan está presente en toda la película. Algunos puntos clave: -1) Entrada
de Martin mientras en la comida de los Edwards, Ethan le mira con desagrado,
Aaron recuerda que siendo Martin un bebé Ethan lo rescató habiendo sus padres
muerto en un ataque indio. <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“No tiene importancia, fue pura casualidad”,
</i></b>contesta Ethan. Más adelante Martin acompañará a Ethan en la búsqueda
porqué teme que este se vuelva loco y asesine a su sobrina al encontrarla.
Cuando el reverendo y capitán Sam Clayton (hasta incluso arbitrará un combate
de boxeo entre Martin<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>y Charlie McCorey,
interpretado por Ken Curtis --- otra escena cómica---, nuevo pretendiente
aparecido para Laurie aunque finalmente se darán la mano como buenos amigos) le
invita a perseguir quienes han robado ganado de los vecinos Jorgensen nuestro
hombre accede pero se niega a prestar un juramento, “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Solo se jura una vez y yo ya lo
hice por la Confederación</i></b>”, Clayton responde: “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Pero la Confederación perdió la
guerra</i></b>” a lo que Ethan replica: “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">No creo en rendiciones”</i></b>, el
castrense le pregunta si ha cometido algún asesinato y no recibe respuesta.
Mose Harper, con sus facultades mentales casi perdidas, se sienta en una
mecedora (símbolo de apego familiar) --- al final se sentará en otra mecedora
en casa de los Jorgensen --- y dice “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Los indios, han sido los indios, los he
visto</i></b>” a lo que Ethan contesta: “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Es posible que sean vulgares cuatreros pero
también es posible que este idiota</i></b> <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">tenga razón</i></b>”, Mose responde “¡<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Gracias!”.-
</i></b>2) Iniciada la búsqueda, descubren el cadáver de un indio anciano.
Después desenterrarlo Ethan le dispara en ambos ojos. El reverendo le reprende
y nuestro hombre le contesta: “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Según lo que usted predica esto no sirve de
nada pero según la creencia de los indios quien pierda los ojos antes de la
disolución natural no puede entrar en el lugar de descanso y gloria</i></b>”.
-3) Ethan dispara frenéticamente su rifle contra los búfalos para que los
comanches no tengan comida y perezcan de hambre en el invierno; en otra ocasión
Martin le gritará<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">: “¿Qué clase de hombre es Vd.?”</i></b> Pero no recibirá respuesta.
-4) Al ser rescatadas por el 7º de Caballería un grupo de mujeres raptadas por
los comanches, Ethan las mirará con profundo desprecio considerándolas “indias”
y para él “irrecuperables”, cosa que hará también con su sobrina Debbie (cuando
ella lo ve por vez primera después de años no le reconoce y el odio se refleja
en el rostro de Ethan) y por ello intentará matarla en dos ocasiones pero
finalmente su parte buena se manifiesta, vuelve a enfundar el revólver, recoge
a su sobrina y se la lleva --- ella no opone resistencia, su esposo Scar ha
muerto; en el campamento, cara a cara con Martin este le disparará primero ---
a casa de los Jorgensen. “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Volvamos a casa</i></b>”, exclama Ethan. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">¿Quién se
hubiera atrevido a poner un racista como protagonista y más en aquellos años?
Solamente Ford. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">Vemos que,
fiel a su costumbre, emplea sabiamente la condensación. Usa la elipsis evitando
explicarnos o mostrarnos acontecimientos fundamentales. Es más lo que intuimos
y adivinamos que lo sabido a ciencia cierta de sus personajes. Ello confiere a
sus figuras de una profundidad emocional y psicológica no frecuentes, difícil
de conseguir para otros realizadores. Vuelve a poner en solfa recursos utilizados
en el cine mudo, empleando con habilidad las traslaciones expresionistas (p. e.
la muerte en off de Brad Jorgensen); condensación dramática del ataque indio en
el plano del cementerio (algo impensable en la novela) con la silueta del jefe
comanche reflejándose sobre la asustada niña que en el futuro convertirá en su
esposa. Logra con esto una sólida corporeidad en sus encuadres dominados por
los personajes. Algunos de los mecanismos narrativos de Ford eran muy poco
utilizados en la época: p. e. la novia de Martin,<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>Laurie Jorgensen, recibe una carta de este;
mientras la lee asistimos a los sucesos explicados en la misiva pero como no
tenemos información sobre ellos a pesar de tratarse de un <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">flash back</i></b> la acción
avanza coherentemente como si no lo fuera. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">La película
se filmó en un formidable Technicolor en los exteriores de Aspen y Gunnison
(Colorado), en Monument Valley, lugar preferido y muy querido por Ford,
Edmonton y Alberta. De todos saca el director el mayor provecho señalando la
difícil adaptación de los colonos blancos y, en oposición, los indios que
aparecen como figuras genuinas e inseparables del país y “formando parte de la
tierra” (p. e. el comanche enterrado). Como siempre Ford siente un gran respeto
por los indios (¿acaso no era hermano de sangre de los cheyenes, participaba en
sus ceremonias y daba parte de su sueldo para ayudar a la subsistencia de los
indios de la reserva?, ¿acaso no les daba trabajo, siempre que podía, en sus
películas; acaso no le consideraban miembro honorífico de la tribu y le
llamaban <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Natani Nez = “Jefe alto</i></b>”?), el ataque al rancho Edwards, p. e.,
es una elisión total; en cambio el ataque de los blancos al campamento comanche
denota una brutalidad total (dura unos instantes) donde las víctimas también
son mujeres y niños (entre los asesinados está la comanche obesa Look, antes
motivo de la escena cómica de la boda por error con Martin) aunque tampoco lo
mostrará directamente pero si la muerte de los guerreros indios dentro de una
masacre, adelantándose en 16 años a la infumable “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Pequeño gran hombre”</i></b>
(Arthur Penn, 1970) la cual aprovechaba el cambio de mentalidad del espectador
y la seguridad comercial de un producto defendido por los miembros de una
pseudoprogresía no miopes sino ciegos completamente en el sentido de significación
de lo que es cine. Ford jamás mostró el típico ataque salvaje de los indios
aullantes ante los pioneros blancos en círculo de caravanas, mostró el choque
de dos culturas con los excesos de ambas partes pero para él a los indios les
violaron sus derechos en infinidad de ocasiones (así lo dijo directamente).
Pero, como en casi todas las ocasiones, el tiempo pone las cosas en su lugar y
podríamos decir que hoy en día en diversos ambientes<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>es “políticamente correcto” señalar la
grandeza de Ford, obviando, sin embargo, las barbaridades y disparates que se
dijeron de él y de su cine (es mejor olvidarlo) y el culto dado a bodrios como
“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Pequeño
gran hombre”</i></b> o, aún peor, “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Soldado</i></b> <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">azul”. </i></b>Después de
visionar y entender la película podríamos preguntar: ¿acaso no es mucho más
auténticamente progresista “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Centauros del desierto”</i></b> que toda
esta pléyade de nuevos westerns oportunistas, aprovechados y mal filmados?<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><o:p></o:p></i></b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span lang="ES" style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">“Centauros
del desierto” </span></i></b><span lang="ES" style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">fue producida por C. V. Whitney para Warner Brothers,
actuando como productor Merien C. Cooper (codirector del inmortal “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">King-
Kong</i></b>”), antiguo socio de Ford, antes de la disolución de Argosy
Pictures. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">Siempre
preciosa y preciosista la fotografía de Winton C. Hoch (como en <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“La
legión invencible</i></b>” o en “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Tres padrinos</i></b>”) es un elemento más
del desarrollo temático-narrativo de la historia. El uso del alto contraste
lumínico y cromático (colores ocres quemados por el Sol), antes del ataque
indio al rancho Edward vemos una tonalidad azulada mientras los rayos
fuertemente rojizos del Sol del atardecer entran por las ventanas (significado
del ardiente desierto y la trágica suerte que espera a los colonos). Es curioso
constatar<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>los frecuentes desacuerdos y
discusiones entre el cámara y el realizador pero Ford, siempre que podía, le
contrataba pues era uno de los mejores técnicos en color. En “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">La
legión invencible”</i></b> chocaron al filmar una escena (Winton le dejó un
cartel con una sola palabra: “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Protesto</i></b>”) pero tuvo que seguir lo
indicado por el realizador en contra de su voluntad y el mismo Winton C. Hoch
en posteriores declaraciones confiesa que gracias a ello ganó un Oscar. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">Finalmente,
la música es de Max Steiner con la canción <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“The Seachers</i></b>”, de Stan Jones. En
los genéricos la tonalidad es fuerte cuando aparece el nombre de John Wayne y
más suave cuando hacen su aparición Vera Miles y Jeffrey Hunter, quizás para
señalar disparidad de caracteres dentro de la obra. Max Steiner era un gran
compositor cinematográfico. Su trabajo es acertado en la película aunque quizás
tenga otros igual o mejores que este. Los versos de la canción también dan una
idea del tema venidero. Así, al principio del film, traducido al castellano,
oímos: <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“¿Qué impulsa a un hombre a ir errante? ¿Qué impulsa a un hombre a
viajar sin rumbo? ¿Qué impulsa a un hombre a abandonar lecho y mesa y dar la
espalda al hogar? Cabalga sin destino … cabalga sin destino … cabalga sin
destino … “</i></b><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";"><span style="mso-spacerun: yes;">
</span>Narcís Ribot i Trafí<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">(&)- “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">John
Ford” (“El hombre y su cine”),</i></b> de Tag Gallagher (Ediciones Akal, S. A.,
2009), es traducción de <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">The Regents of
the University of California</b> (1986). Lo recomendé ya en alguna ocasión,
también otros pero es muy interesante el librito de Javier Coma (Colección
Programa doble, Barcelona, 1994): “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Centauros del desierto” y “Cantando bajo la
lluvia”</i></b>.<o:p></o:p></span></div>
<br /><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiTesy9kk4_FM-JvkTESInDQjmqrB2lEL5wMRxFyn0-SXBmYPdON8hTPhnuYNPB2bgeNC_wFRUIc7kg53t448NBZOId7411YmD4VUoYsnuPmGmuZgeWJPScxa1jQUMsfueBdBiBi1gb5u8C/s1600/CD.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="700" data-original-width="1050" height="213" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiTesy9kk4_FM-JvkTESInDQjmqrB2lEL5wMRxFyn0-SXBmYPdON8hTPhnuYNPB2bgeNC_wFRUIc7kg53t448NBZOId7411YmD4VUoYsnuPmGmuZgeWJPScxa1jQUMsfueBdBiBi1gb5u8C/s320/CD.jpg" width="320" /></a></div>
<br />Narcíshttp://www.blogger.com/profile/08118936220217813153noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6384052752908304011.post-55114754011479447472020-01-02T11:41:00.002-08:002020-01-02T11:41:44.768-08:00“RAWHIDE” O “EL CORREO DEL INFIERNO” (HENRY HATHAWAY, 1951)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgvSRzpIDw3aDWf7Znr-wjMs_2adF0tjD-oElzGSt-SeHfE9vPN4WkyFxXHHqTbM4_LqU1jDTSdktzPQiMXigSFgP6UireB51Dgo1Py2QVaPSN-xxWdFmlqws4MrMpBmaKGDzo1cjZzIo5-/s1600/rawhide-tyrone-power-susan-hayward.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="699" data-original-width="900" height="248" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgvSRzpIDw3aDWf7Znr-wjMs_2adF0tjD-oElzGSt-SeHfE9vPN4WkyFxXHHqTbM4_LqU1jDTSdktzPQiMXigSFgP6UireB51Dgo1Py2QVaPSN-xxWdFmlqws4MrMpBmaKGDzo1cjZzIo5-/s320/rawhide-tyrone-power-susan-hayward.jpg" width="320" /></a></div>
<br />
<br />
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-bidi-font-family: Cambria;"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><u><span lang="ES">I)- ANDANTE CON BRIO</span></u></b></span></i><span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-bidi-font-family: Cambria;">.<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>CRÉDITOS: después del inconfundible sello de
la productora 20th Fox aparecen los créditos sostenidos por una música muy
acertada y memorable de Sol Kaplan y una formidable fotografía en blanco/negro
de Milton Krasner. Vemos atractivos dibujos a mano sobre montañas, bosques y la
estación de la diligencia. INTRODUCCIÓN. VOZ EN OFF: la estación de postas de <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Rawhide</i></b>
(literalmente “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">látigo</i></b>”) está a medio camino entre las ciudades de San
Francisco (California) y San Louis (Missouri) --- largo y ambicioso trayecto
(2700 kilómetros) a cubrir por una compañía de diligencias con el propósito de
unir las costas del Atlántico (casi) y del Pacífico --- con un viaje que duraba
25 días con sus correspondientes noches (si los indios y la climatología lo
permitían, sino duraba más) y costaba 200 $ por persona (comidas
incluidas).<span style="mso-spacerun: yes;"> </span><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Rawhide Pass</i></b> es una
estación (de tantas) situada en unos parajes desérticos a medio camino (un
cartel nos indica: “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Rawhide Station</i></b>”: San Francisco, aproximadamente a1.300 Km. -
San Louis, aprox. a 1.400 Km.). Estamos a más de la mitad del siglo XIX en el
lejano Oeste. La voz en off continúa informando que al iniciarse el recorrido
muchos se sorprendieron y otros se burlaron por considerar el proyecto
imposible y la llamaban “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">La diligencia de los borricos</i></b>” pero
cuando el correo, los pasajeros y el oro empezaron a llegar de California la
sorpresa fue mayúscula y las críticas se acallaron. La toma de obertura del
film es un plano general en zona desértica en donde una diligencia con seis
mulas cruza de derecha a izquierda mientras que la música de Kaplan se funde
para dar paso a la popular melodía “¡<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Oh, Susana</i></b>!”, ahora el vehículo
asciende sobre escarpadas montañas nevadas --- Hathaway inserta un plano en
picado para subrayar lo abrupto del itinerario ---, desciende, la nieve ha
desaparecido y llegamos a un llano rocoso, ahora plano frontal con el conductor
gritando y agitando el látigo para acelerar la marcha (dos hombres al pescante:
el conductor y el “escopeta”) y volvemos al plano general con la diligencia
reducida casi a un punto en el horizonte seguida de su correspondiente estela
de polvo. Plano fijo durante unos segundos sobre el susodicho cartel lo cual
servirá de bisagra para el cambio de secuencia. La voz en off sigue dándonos
información sobre la estación de <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Rawhide</i></b>: “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Allí los pasajeros pueden estirar
las piernas, asearse, comer algo mientras se aprovecha para llevar al reposo de
la cuadra las cansadas mulas y substituirlas por otras de refresco”.<u><o:p></o:p></u></i></b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><u><span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-bidi-font-family: Cambria;"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span>II) SCHERZO-</span></u></i></b><span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-bidi-font-family: Cambria;">
Dentro de la posta hay dos hombres, uno con el torso desnudo se está afeitando,
debe tener unos veinte años, se llama Tom Owens (notable Tyrone Power) y es el
hijo del gerente de la empresa, colocado allí para aprender el oficio. El otro
hombre es Sam Todd (Edgar Buchanan), el encargado del mantenimiento de la
estación quien se queja de su sueldo, del mucho trabajo que debe hacer y de la
falta de atención profesional de Tom. Servido todo con un humor que nos
recuerda a John Ford. <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“¿Qué dirá tu padre cuando vea que no has
aprendido nada, que pasas el día afeitándote y bañándote, ni las mulas te
conocen, y que no haces caso a nada de lo que te digo?”</i></b> Pero se nota
que entre los dos hombres existe la confianza y el afecto (Tom le tira espuma
usada del jabón de afeitar). Prosigue Sam: <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“Te estoy hablando como nunca he hablado a
tu padre. Con una mano podría aplastarte el cráneo. Por eso, cuando mueve el
látigo, hombres y mulas se levantan para escuchar sus órdenes ¿Es que no vas a
decir nada?”</i></b> Se oye el sonido de una corneta. “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Ha sonado la trompeta, Sam</i></b>”.
Llega la diligencia procedente de San Francisco, la que hemos visto antes. Sam
sale a por las mulas de refresco mientras Tom contesta con otro toque de
corneta que suena desafinado. Plano interior con la puerta abierta al exterior
(cuando entran los pasajeros lo veremos a la inversa, del exterior al
interior). El toque de trompeta de Tom quiere decir paso libre: la diligencia
recorre unos metros y entra en el patio de la estación de postas. Scott, el
conductor cede las riendas a Tom y mantienen una conversación, Sam --- sin
dejar de fumar en su pipa --- dice que no sabe distinguir una mula de un
caballo, todos se ríen y Willy, el “escopeta”, salta del pescante. Mientras Sam
cambia las mulas bajan los pasajeros: dos hombres y una mujer con una niña de
tres años. Uno de los hombres baja a la niña y el otro ayuda a la mujer, Vinnie
Holt (Susan Hayward en una de sus mejores interpretaciones). Hathaway muestra a
los nuevos personajes en plano medio sin mover la cámara mientras bajan del
vehículo (ahora acerca la toma a Vinnie en casi un primer plano). Interior,
sentados en la mesa comiendo: los tres pasajeros y los dos conductores mientras
Sam se ocupa del servicio y Tom, después de llevar leña a la cocina, se sienta
con ellos (plano de conjunto a los comensales en la mesa, dedicando a
continuación plano medio a cada persona que habla). Ahora sabemos que Vinnie es
señorita, no señora y más adelante nos enteraremos que no es madre de la niña
Cali (diminutivo de California). Uno de los pasajeros se queja de la comida y
al descubrirse Tom como hijo del superintendente (Sam lo hace) le contesta que
le dará la dirección y añadirá un par de quejas suyas. Antes, Vinnie ha lanzado
un sarcasmo contra Tom y este le ha contestado con respeto (Vinnie: “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Al
mulero parece gustarle la comida”</i></b>. Tom: “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Perdone, al mulero no le gusta
pero si no hay otra cosa</i></b>”), ahora, al saber que no es un simple
empleado, le mira con sorpresa. La diligencia está ya a punto de reanudar su
marcha cuando aparece un teniente y tres soldados del ejército. Kaplan envuelve
la escena con música trágica la cual suscita inquietud y premonición de algo
nada agradable … El teniente les comunica que Rafe Zimmerman ha huido de la
prisión de Huntsville un día antes de que le colgaran y le acompañan tres
presos más. Cuatro delincuentes rondando por aquella comarca y buscan oro. El
oficial viene a escoltar la diligencia unos cuantos kilómetros pues los fugados
asaltaron el carruaje del día anterior y mataron al conductor. Scott, el
cochero, recuerda el reglamento de la compañía: no se puede arriesgar la vida
de niños y por lo tanto Cali ha de quedarse. Escenas cómicas: Vinnie no quiere
dejar<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>la niña y tiene un trabajo de
baile en San Luis “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">¿Qué hago?”</i></b> Pregunta Tom. “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Cógela por la cintura</i></b>” responde Sam;
lo hace y al forcejear ambos caen al suelo. Tom le pide disculpas y añade que
es un mandado. La diligencia parte dejando a Vinnie y la niña con Tom y Sam. El
enfado va remitiendo y, gracias a la atención de Tom, las relaciones se vuelven
más correctas. Le pide bañarse y la manda detrás, cerca del edificio, donde hay
una laguna, le pide prestado la pistola (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Se usarlas</i></b>”) y se la lleva junto con
el cinturón de balas y la cartuchera. Al volver del baño la deja detrás del
abrevadero lo cual finalmente será la salvación para ambos y la niña… Aparece
un jinete que se aproxima a la estación, otra vez la música trágica. <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><u><o:p></o:p></u></i></b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><u><span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-bidi-font-family: Cambria;">III)-
ANDANTE CON MOTO</span></u></i></b><span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-bidi-font-family: Cambria;">-. Se presenta un hombre ante Tom como el sheriff
Miles (le muestra una estrella). De repente quita el revolver a Sam y les
apunta; en realidad es Zimmerman (perfecto Hugh Marlowe). Dispara un par de
tiros al exterior y aparecen sus tres compinches: Yancy (Dean Jagger), Gratz
(George Tobías) y Tevis (excelente Jack Elam). El plan de Zimmerman es dejar
pasar la diligencia del este que llega el mismo día a las ocho y atracar la que
viene de California, cargada de oro, mañana a las doce. Maltrata a Sam por
mentirle sobre los horarios de llegada de los carricoches y este huye hacia la
cuadra en busca de la escopeta pero es asesinado por la espalda por Tevis y
Gratz en el momento que llega la mujer con la niña. Zimmerman es un hombre
culto, elegante e inteligente (se le nota de buena procedencia), no es un
delincuente habitual (luego sabremos lo que pasó), los otros tres son toscos y
garrulos; Tevis es un sádico asesino con deseos de matar y violar, está
desequilibrado… mientras Yancy es asustadizo, borrachín y comilón y Gratz<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>es torpe, presumido y le gustan las prendas
de vestir lujosas; Zimmerman les recuerda que no les eligió para la fuga y que
han de obedecer sus órdenes. Con Gratz y Yancy no tendrá problema pero con
Tevis … El jefe de los fugados comete el error de creer a Vinnie esposa de Tom
y Cali su hija. Tom decide aprovechar la equivocación con la esperanza de
sobrevivir pues le necesitan vivo para el paso de las dos diligencias. Ya hemos
llegado al nudo de la historia. <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><u><o:p></o:p></u></b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><u><span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-bidi-font-family: Cambria;">IV) INTERMEDIO (OBLIGADO)-</span></u></b><span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-bidi-font-family: Cambria;">
HENRY HATHAWAY (1898- 1985) y DUDLEY NICHOLS (1895- 1960) son, respectivamente,
director y guionistas. Ya los encontramos en la entrega anterior sobre “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El
Príncipe Valiente</i></b>”. Hathaway vivió prácticamente el cine en su
evolución desde su nacimiento hasta el momento de jubilarse. Como otras veces y
en varios realizadores se reconocieron sus méritos no en su retiro sino después
de su fallecimiento. Su puesta en escena es natural y vitalista, buena elección
planificativa y excelente manejo de actores. Hombre duro y exigente en los rodajes,
tuvo el mérito de ser uno de los primeros cineastas de filmar fuera de los
estudios, empezó desde debajo de la escala al lado de reconocidos directores
hasta decidir él ponerse detrás de la cámara y tuvo la habilidad suficiente en
hibridar géneros (algo que 20th Fox hizo en varias ocasiones) sin chirriar
además de una acertada psicología de los personajes con economía de medios (de
la escuela de John Ford, a quien Hathaway se le parecía en más de un aspecto:
con dos o tres trazos señalaba/”retrataba” al personaje). “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El correo del infierno</i></b>”
lleva la envoltura de western pero tratado en mucha parte como cine negro:
paisajes abiertos propios del western --- no muchos, aquellos en los cuales
aparece la diligencia --- y espacios cerrados en ambiente opresivo (el interior
de la estación de postas, el comedor, la cocina, el cuarto de Tom en donde son
confinados él, Vinnie y la niña) típicos en el cine negro en continuo
movimiento de los personajes como mecanismo perfecto para el desarrollo del
film apoyado, entre otros factores, por la admirable fotografía de Milton
Krasner mostrando rostros, paisajes y objetos con los matices requeridos y sin
la búsqueda de subrayados especiales, algo en lo cual tampoco caía el
realizador Henry Hathaway (muchas de sus películas tuvieron una positiva
respuesta en taquilla, un elemento mas para su rehabilitación total) y todo
ello siguiendo las pautas de un guión de Dudley Nichols redondo, cerrado en si
mismo y sintético que Hathaway resolvió a la perfección.<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><u><o:p></o:p></u></i></b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><u><span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-bidi-font-family: Cambria;">V)-
ALLEGRO MA NON TROPPO</span></u></i></b><span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-bidi-font-family: Cambria;">- Adentrándonos en la progresión del film
descubriremos dos puntos esenciales: --- A) Encerrados en su habitación hablan
Tom y Vinnie. Ella le cuenta no ser la madre de Cali, era su hermana, se
enamoró y casó con un celoso tahúr el cual se lió a tiros en un salón de juego:
al acabar el tiroteo solo quedaban con vida Vinnie y la niña. B) --- Llega la
primera diligencia, la procedente de San Luis repitiendo Zimmerman su
interpretación de sheriff Miles (los otros tres están escondidos en el bosque
reteniendo a Vinnie<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>y a la niña; Tom
sabe que nada puede intentar puesto que lo pagaría inmediatamente con su vida,
la de Vinnie y la de Cali). Tom dice al conductor y al “escopeta” que Sam se ha
ausentado momentáneamente a causa de una visita al dentista. Los pasajeros
hablan de Zimmerman. “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Yo estaba en la prisión de Huntsville</i></b>
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">cuando
se escapó”, </i></b>dice el falso sheriff Miles, o sea el propio Zimmerman, al
preguntarle sobre su aspecto contesta: “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">De parecida estatura a la mía y el mismo
color de pelo que yo</i></b>”, contesta irónicamente. Uno de los pasajeros nos
aclara quien era Zimmerman mientras este escucha sonriente: “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Era
un hombre de buena familia pero descubrió que su novia le engañaba con otro y
les mató a los dos, fue un mal momento</i></b>”. Nunca sabrán los ocupantes de
la diligencia de San Luis que tenían delante al auténtico Rafe Zimmerman.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-bidi-font-family: Cambria;">Hathaway
expone magníficamente las tensiones entre los personajes: Tom- Vinnie, no
siempre amistosas pero deberán unirse para intentar sobrevivir ambos y la niña,
los bandidos --- cada uno con sus peculiaridades --- con los ocupantes de la
estación y los bandidos entre ellos mismos. Zimmerman es el jefe porqué es el
más inteligente y los otros lo saben. La furia contenida de Tom cuando Rafe
maltrata a Sam, otra furia más convulsiva (también contenida, al menos en<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>el momento) y el temblor de su cuerpo por
parte de Tevis cuando es reprendido y golpeado por su jefe en dos ocasiones. La
primera, después de enterrar a Sam. Quedan solo Tevis y Vinnie al anochecer y
este quiere abusar de la muchacha. A los gritos de esta irrumpe Zimmerman quien
golpea a su cómplice. Este le dice desde el suelo: “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Algún día pagarás esto, Zim</i></b>”,
rechazando un duelo a pistola pues sabe que el otro es más rápido. La segunda
cuando están repasando el plan del atraco a la diligencia procedente de San
Francisco: Zim ordena a Yancy que deje de beber whisky, la botella es recogida
por Tevis para beber él. Furioso Zim, le arranca el baso de los labios de un
manotazo. El rostro de Tevis se contrae espantosamente expresando a la vez su
fealdad moral y también su disformidad física. Todo ello mostrado sin énfasis o
exageración de los gestos para crear intranquilidad y crispación, el humor
perfectamente dosificado proviene ahora de los fugados Nancy y Gratz y la
ternura, también presente, procede de la niña, ajena a la tragedia de la muerte
de sus padres y a la posible que le viene encima. Hathaway usará positivamente
los breves subrayados generadores de la ficción y de la acción/actuación de los
personajes: el trozo de papel de Tom que se extraviará por el patio y será
arrastrado por el viento (quería avisar al conductor de la diligencia de San
Luis), el cuchillo que logra apoderarse en la cocina para abrir un boquete en
su habitación y poder huir, el cuchillo se rompe en manos de Vinnie, en el
agujero abierto no pueden pasar pero si se cuela la niña, la sonrisa cínica y a
la vez nerviosa de Tevis, anunciante de alguna tropelía que ha pasado por su
cabeza, los sonido de las cornetas de avisos, los aullidos de los coyotes que asustan
a Yancy, un jarro de agua… todo ello conseguido por la no interrumpida acción
ejecutada por los personajes, la admirable concisión de los espacios y la
habilísima coordinación<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>de la
perspectiva por parte de un Hathaway en plena forma, sin duda en el punto
álgido de su carrera profesional.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-bidi-font-family: Cambria;">Está
cerca la diligencia procedente de San Francisco y con ella el desenlace. Tom y
Rafe están en el patio, Yancy y Gratz en una torre de observación, Vinnie
encerrada en la habitación y Tevis en el comedor. La niña ha escapado por el
agujero a medio terminar y corretea por los establos, la mujer lo ve y grita
además de golpear la puerta. Tevis quiere hacerla callar, abre la puerta y ella
casi se escapa, ahora ve la ocasión de realizar lo que Zimmerman le frustró. Intenta
forzarla otra vez. Tom le dice a Zim: “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Usted parece tener una educación y ser de
una buena familia, ¿cómo puede dejarla con este animal?, déjela ir con la niña
y le prometo obedecerle en todo, se lo juro, le doy mi palabra de honor”</i></b>.
Rafe le contesta: “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Cuando tengas unos años más aprenderás a no confiar en nadie, y deja de
preocuparte por la clase de hombre que soy, no temas, nada pasará si se hace
todo como digo</i></b>”. Ante los gritos de Vinnie, Tom ataca al desprevenido
Zim pero este le golpea con la culata de la pistola y le deja sin sentido para
después correr a la casa, reprende a Tevis y le apunta con la pistola, el otro
se excusa, le ordena que ponga a la desmayada Vinnie en la cama y salga. Zim se
aleja y comete su gran error que le cuesta la vida: Tevis le dispara por la
espalda, como siempre, y al volverse, herido de muerte, recibe otro disparo en
el pecho (todo ello servido por la excelente profundidad de campo usada por
Hathaway, con preferencia del plano medio y algún plano americano). Tom despierta
y encuentra el revólver detrás<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>del
abrevadero. Gratz y Yancy en la torre no están de acuerdo. Tevis: “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Ahora
mando yo</i></b>” (repite una vez más). Gratz le dispara pero falla, Tevis le
mata de dos disparos de pistola, cae de la torre con la escopeta mientras Yancy
huye asustado al encuentro de la diligencia para entregarse. Vinnie corre en
busca de la niña, Tom dispara y logra herir a Tevis en el brazo. Plano del
patio abierto con Cali correteando, Tevis dispara alrededor de la niña para
obligar a Tom a tirar su revólver. Lo hace y sale desarmado, la risa histérica
del asesino delata su profundo desequilibrio. Vinnie corre hacia la niña, se
oye el toque de corneta de la diligencia con el oro pero Tevis está centrado en
Tom, quiere matarle a sangre fría, le apunta presto a disparar, Vinnie ve el
cadáver de Gratz y debajo de él la escopeta, aparta el pesado cuerpo y coge el
arma. Tevis a punto de asesinar a Tom (plano- contraplano, Tom acercándose al
delincuente). Vinnie dispara dos veces la escopeta y el cuerpo de Tevis cae
sobre un montón de leña… Llega la diligencia y el conductor dice: “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Tom,
este barrigudo se nos ha entregado diciendo que quiere regresar a la cárcel de
la que escapó</i></b>”, “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Es un hombre sincero</i></b>”, responde Tom,
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“¿Y
tú, que haces aquí afuera</i></b>?” Respuesta: “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Estoy aprendiendo el oficio y lo
he aprendido de veras”</i></b> Y así es. Él no ha matado a nadie pero ha
contribuido decisivamente a solucionar la difícil situación de salvar la vida
de una mujer, una niña y la suya propia. Allí quedan los difuntos: Sam, ya
enterrado, Zimmerman, Gratz y Tevis. Tom abraza la niña y después a Vinnie. Han
decidido unir sus vidas. Al cabo de un rato la diligencia reemprende su viaje.
Se oye la voz en off<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>repitiendo la
oferta de las ventajas y acaba diciendo “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Si, señores, la diligencia de los borricos</i></b>”
mientras el vehículo se pierde en el horizonte. Un broche magnífico para un
espléndido western y una gran película, modesta y sin pretensiones. Por eso es
grande…<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-bidi-font-family: Cambria;"><span style="mso-spacerun: yes;">
</span><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-bidi-font-family: Cambria;"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span>Narcís
Ribot i Trafí<o:p></o:p></span></div>
<br /><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg9A3N3cFw0ItSC4E4D5ueiH75meI5DgPfvLoJFK_01xXDDd_ZuWHEJB56qSzTevuAKgluKDzmNZaZuxhNpe0dhilgMkRxEpu55WilmVId_Z-Jvs0vP8h_1ocbiPljpoS9zgQlYJs03mozt/s1600/HENRY%2526FORD.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="701" data-original-width="847" height="264" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg9A3N3cFw0ItSC4E4D5ueiH75meI5DgPfvLoJFK_01xXDDd_ZuWHEJB56qSzTevuAKgluKDzmNZaZuxhNpe0dhilgMkRxEpu55WilmVId_Z-Jvs0vP8h_1ocbiPljpoS9zgQlYJs03mozt/s320/HENRY%2526FORD.jpg" width="320" /></a></div>
<br />Narcíshttp://www.blogger.com/profile/08118936220217813153noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6384052752908304011.post-91650069024573233672019-12-26T11:19:00.000-08:002019-12-26T11:19:59.549-08:00 EL PRÍNCIPE VALIENTE (HENRY HATHAWAY, 1954)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh1FzRTecIbHdcriAm8zu36UNiRUi2qfJlFQb0bRRAV9IqkyYGJWwSJCp1Iu4j4eW9pgCbAkmOUyDCiEPrMUxFUCjOZeabhLxmdsBbPNoCo0zHMYMNXvbHLJpFWBBHw2ThGoUAV1KtK9FwC/s1600/PV.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="266" data-original-width="189" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh1FzRTecIbHdcriAm8zu36UNiRUi2qfJlFQb0bRRAV9IqkyYGJWwSJCp1Iu4j4eW9pgCbAkmOUyDCiEPrMUxFUCjOZeabhLxmdsBbPNoCo0zHMYMNXvbHLJpFWBBHw2ThGoUAV1KtK9FwC/s1600/PV.jpg" /></a></div>
<br />
<div class="MsoNormal" style="line-height: 200%;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 200%; text-align: justify;">
<span lang="ES-TRAD"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span>El
personaje creado y dibujado por Harold Foster en 1937 pasó con toda justicia a
la historia del cómic como una de las más brillantes aportaciones. Un estilo
detallista, preciosista, elegante con un trazo delicado a la vez que firme y
seguro con el cual Foster llegaría a la cima artística puesto que cada una de
sus viñetas es una auténtica obra de arte. Desde su inicio hasta principios de
los 70 Harold Foster fue el creador e ilustrador de “<b><i>Prínce Valiant</i></b>”
(“<b><i>El príncipe Valiente”</i></b>) cuyo título original completo es “<b><i>Prince
Valiant in the Days of King Arthur</i></b>” (“<b><i>El príncipe Valiente en los
días del rey Arturo</i></b>”), publicado originalmente como tira dominical a
todo color en varios periódicos de Estados Unidos. La obra completa consta de
1800 planchas y continúa editándose. Ha habido múltiples reediciones en color y
en blanco/negro, en España empezó a publicarse en 1950.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 200%; text-align: justify;">
<span lang="ES-TRAD">La compañía 20th Fox quiso emular los éxitos taquilleros de las
dos películas de aventuras sobre gestas caballerescas que a principios de los
50 había conseguido M. G. M.: <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“Ivanhoe</i></b>” y “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Los caballeros del rey Arturo</i></b>”,
ambas de Richard Thorpe (cuyo mejor film sigue siendo la segunda versión de “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El
prisionero de Zenda”,</i></b> con Stewrat Granger aunque en otros podamos
encontrar hallazgos interesantes) y así nació “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Prince Valiant</i></b>” (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El
príncipe Valiente”,</i></b> 1954) confiando la dirección a un realizador más
completo y dinámico que Richard Thorpe: Henry Hathaway quien, en mi opinión,
dio una transcripción del personaje de Harold Foster más que satisfactoria
aunque en un principio la crítica no fue positiva y la película se olvidó
durante años para ser rescatada más adelante e incluso convertirse en un film
de culto. Recordemos que al principio, tras su estreno, ni el creador Harold
Foster ni el director Henry Hathaway estaban muy satisfechos con el resultado
fílmico.</span><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><u><span lang="ES-TRAD" style="font-family: "Century Gothic",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 200%; mso-bidi-font-family: "Century Gothic"; mso-bidi-font-size: 12.0pt;"><o:p></o:p></span></u></b></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 200%; text-align: justify;">
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><u><span lang="ES-TRAD" style="font-family: "Century Gothic",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 200%; mso-bidi-font-family: "Century Gothic"; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">I)- FACTORES PARA UNA (BUENA) PELÍCULA</span></u></b><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><u><span lang="ES-TRAD" style="font-family: "Century Gothic",sans-serif; mso-bidi-font-family: "Century Gothic";">-</span></u></b><span lang="ES-TRAD"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 200%; text-align: justify;">
<span lang="ES-TRAD">1)-<span style="mso-spacerun: yes;"> </span><b style="mso-bidi-font-weight: normal;">CREADOR Y DIBUJANTE DEL</b> <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">COMIC</i></b>: <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">HAROLD RUDOLPH FOSTER</b>- (Canadá, 1892- Florida, 1982). Su gran hobby
fue la navegación y al trasladarse con toda su familia a Estados Unidos (él
contaba con catorce años) se le despertaron más aficiones: montañismo, contacto
continuo con la naturaleza, caza y pesca. Ejerció diversos oficios ya que
abandonó sus estudios universitarios (incluso fue boxeador) y llegó a ser
dibujante en catálogos publicitarios. Su primer trabajo como ilustrador de
historietas fue el personaje de<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>Edgar
Rice Burroughs, “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Tarzán de los Monos”</i></b><span style="mso-spacerun: yes;">
</span>(adaptando las novelas al cómic) el 7 de enero de 1929. Se negó a
adaptar la segunda novela puesto que quería crear y dibujar su propio personaje
y durante un tiempo Rex Mason fue el ilustrador, dando al personaje la
apariencia física de Elmo Lincoln el primer actor de Tarzán (1918). Como
estamos en tiempos del crack bursátil, Foster aceptó volver al personaje de
Burroughs cambiando el aspecto de Tarzán: cabello corto, desaparición de la
cinta en su cabeza y de la piel de leopardo cubridora del tórax, a diferencia
de Elmo Lincoln, dándole una figura parecida a la de Johnny Weissmüller --- el
más recordado y popular Tarzán aunque en el futuro vinieran interpretaciones
notables como las. de Lex Barker o Gordon Scott --- quien conocía el éxito al
interpretar al hombre de la selva (la primera película se estrenó en 1932).
Pero Foster hacía tiempo que deseaba trabajar en un personaje nacido de su
imaginación. Así nació “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El príncipe Valiente</i></b>” (la primera
plancha dominical apareció el 13 de febrero de 1937) situado en su origen a
principios de la Edad Media aunque luego variará en según que aventuras. Entró
en Camelot para hacerse caballero de la Tabla Redonda en tiempos del rey
Arturo, siglo V. La historia conserva la misma trayectoria argumental desde su
inicio: una saga familiar y aventuras. En el transcurso de los años los
personajes van envejeciendo (a diferencia de otras series de cómics). Así
conoceremos a Valiente, el hijo de Aguar, rey de Thule, cuyo reino ha usurpado
el malvado Stigon quien persigue a muerte al rey y a su familia los cuales se
refugiaran en unos pantanos cerca de la costa inglesa. Allí se sitúan las
primeras aventuras del príncipe Valiente para más adelante salvar la vida a sir
Gawain y convertirse en su escudero (y amigo) y de este modo entrar a formar
parte de “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">los Caballeros de la Tabla Redonda</i></b>”. Allí conocerá al rey
Arturo, Lancelot, el mago Merlín, Ginebra, Percebal, la bruja Morgana y otros…
Continuará con diversas y variadas aventuras (algunas fuera del ciclo
“artúrico”) recorriendo cuatro continentes (Europa, América, Asia y África), se
enfrentará a toda clase de enemigos (hunos, sajones, sarracenos), especialmente
sujetos sin escrúpulos opresores de los humildes, puesto que Valiente es (como
todas su familia) un gran cristiano; a veces nos encontramos con razas o
culturas aparecidas en un futuro, así como vestiduras con su correspondiente
equipo militar de varios siglos o vikingos (pueblo surgido históricamente
tiempo después) con su atuendo y cascos de cornamenta que nos recuerda a alguna
ópera wagneriana, los romanos (como legionarios en la época de Trajano) y los
griegos (con su vestidura clásica) --- ropajes ya no usados en la Edad Media---
constituyen anacronismos que en absoluto desvirtúan la obra. Aparecen
personajes reales como el general romano Aecio, Atila, rey de los hunos, el
emperador Valentiniano III… los guiones son cuidados y los dibujos
maravillosos. Hay mucha voz en off y poco diálogo lo cual en ocasiones puede
resultar fatigoso puesto que no usa “bocadillos” y los diálogos están al pie de
las viñetas junto a los comentarios del narrador/voz en off. A través de su
historia, Valiente se casará con Aleta, reina de las Islas Brumosas (en alguna
localidad del Mediterráneo) y tendrá varios hijos. El mayor, el príncipe Arn,
le substituirá en las aventuras de los últimos años. Especialmente al principio
de la serie aparecen elementos sobrenaturales (dragones semejantes a
dinosaurios, brujas, etc.) para ir esfumándose a través de los años. Su
detallismo y perfección en paisajes (reales o imaginarios), la profundidad
gráfica de bosques y rocas es verdaderamente encomiable y cuya descripción
puede perfectamente recordarnos a las novelas de aventuras de Sir Walter Scott.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 200%; text-align: justify;">
<span lang="ES-TRAD">A principios de los 70 Foster dejó el personaje (guión, dibujos)
en manos de John Cullen Murphy el cual logrará unas historias más realistas
pero sin llegar a la calidad artística (siendo buena) del creador original.<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><o:p></o:p></b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 200%; text-align: justify;">
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span lang="ES-TRAD">2)- EL REALIZADOR DEL
FILM: HENRY HATHAWAY</span></b><span lang="ES-TRAD">- Henri Leonard de Fiennes
(Sacramento de California, 1898- Hollywood, 1985), descendiente de aristócratas
belgas entró muy pronto en el cine: su madre era actriz y su padre
representante por lo cual empezó de niño en pequeños papeles y siguió como
extra y figurante (en films, entre otros, de Allan Dwan, Fred Niblo y Josef von
Sternberg) hasta llegar a actor secundario pero su carrera se truncó al empezar
la I Guerra Mundial y luego, en 1923, logró ser asistente de dirección (también
con von Sternberg del cual confesó ser su alumno). Se estrenó como director
gracias a un contrato de Paramount para realizar ocho westerns de bajo
presupuesto protagonizados por Randolph Scott y basados en novelas del popular
Zane Grey (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El hombre del bosque”, “El legado de la estepa”, “La horda maldita</i></b>”).
Henry Hathaway fue un realizador del cual la crítica no prestó mucha atención
(injustamente, como con otros directores). Será considerado un “honesto
artesano” (lo era pero también mucho más) en la frontera<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>entre la “eficacia fílmica” y “creador”; se
le reconoció la solvencia fílmica, la nitidez visual, el buen escoger de los
planos, la fluidez narrativa, el buen manejo de actores, la captación de
escenarios y personajes con gran sensibilidad, la excelente resolución en
escenas de acción y espectáculo y la traslación de signos y características de
un género a otro (experimentados por él) con notable fortuna. Se consagró en
los años 30 en dos films con Gary Cooper:<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"> “Sueño de amor eterno” </i></b>(la visioné
hace poco y me sorprendió gratamente), drama romántico, y “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Tres lanceros bengalíes</i></b>”
(ambas de 1935), un clásico de film de aventuras coloniales. Tocó casi todos
los géneros generalmente con gran fortuna: “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">La jungla en armas”</i></b>
(1939), una gran película donde se enfrentan británicos, estadounidenses y
filipinos (con Gary Cooper y David Niven), “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Cuando muere el día</i></b>”
(1941), otro film de corte colonialista; “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Los 4 hijos de Katie Elder</i></b>”(1965), “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Del
infierno a Texas</i></b>” (1958), “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Valor de ley”</i></b><span style="mso-spacerun: yes;"> </span>(1969), “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Alaska, tierra del oro</i></b>” (1960) y “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El
jardín del diablo</i></b>” como excelentes westerns (1954)<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>sin olvidarnos de “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El correo del</i></b> <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">infierno</i></b>”
(1951), con Tyrone Power, magnífico en todos los sentidos y que puede colocarse
perfectamente a la altura de las obras de Anthony Mann, John Ford, Howard Hawks
o Raoul Walsh. “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">13 Rue Madeleine</i></b>” (1946), “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El beso de la muerte</i></b>” (1947), “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Yo
creo en ti</i></b>” (1948) o “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">La casa de la calle 92</i></b>” (1945) son
buenas muestras de cine negro a la que es ineludible añadir “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Niágara</i></b>”
(1953), ahora ya en color, en donde prácticamente descubría a Marilyn Monroe.
Con “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">La
hechicera blanca</i></b>” (1953) y “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El último safari</i></b>” (1967) entraba en
el campo de las aventuras selváticas, con “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El príncipe Valiente</i></b>” (1954),
aventuras medievales y con “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Rommel, el zorro del desierto</i></b>”
(interpretación de James Mason como el mariscal) en el cine bélico.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 200%; text-align: justify;">
<span lang="ES-TRAD">Con el tiempo se reconocieron los méritos y valía de Henry
Hathaway (y no solamente por su eficacia y solvencia) aunque es el realizador
del cual se han publicado menos estudios en formato de libro en legua
castellana --- ninguno --- al igual que durante muchos años los aficionados a
la música clásica encontrábamos a faltar obras de estudio sobre Felix
Mendelssohn.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 200%; text-align: justify;">
<span lang="ES-TRAD">3)- <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">EL GUIONISTA: DUDLEY
NICHOLS-<span style="mso-spacerun: yes;"> </span></b>Amante del teatro e
intelectual, Dudley Nichols (1895- 1960) fue uno de los guionistas más
destacados de Hollywood. Imprimía una hondura psicológica en sus personajes y
situaciones confrontadas. El éxito de dar cartas de nobleza al western se debe
en mucho a su guión para “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">La diligencia”, </i></b>de John Ford (1939).
Escribió para muchos de los grandes realizadores (John Ford, Anthony Mann,
Howard Hawks, Fritz Lang, Henry Hathaway) y pasó de un género a otro con
facilidad: “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">La fiera de mi niña</i></b>” (comedia), de Howard Hawks (1938), “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El
fugitivo</i></b>” (drama), de John Ford (1947), “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El príncipe Valiente</i></b>”
(aventuras), el citado “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El correo del infierno</i></b>” (western),
de Henry Hathaway (1951), “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Río de sangre</i></b>”, de Howard Hawks
(1951) o “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Cazador de forajidos</i></b>”, de Anthony Mann (1957), también westerns
memorables; “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Perversidad</i></b>” (cine negro), de Fritz Lang (1945) y también
aquella cinta de aventuras basada en “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El malvado Zaroff”:</i></b> “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Huída
hacia el sol</i></b>”, de Roy Boulting (1956) que si bien no es destacable ---
más bien la realización es bastante vulgar y rutinaria --- si es curiosa por su
construcción argumental y su buen elenco interpretativo (Richard Widmark,
Trevor Howard, Jane Green)…<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 200%; text-align: justify;">
<span lang="ES-TRAD">4)- <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">LOS DEMÁS</b>-
Excelente la música de FRANZ WAXMAN --- compositor de música para cine y autor
de las bandas sonoras de Films como “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Rebeca</i></b>” (1940), “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">La
ventana indiscreta</i></b>” (1954), ambas de Alfred Hitchcock, “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Capitanes
intrépidos</i></b>” (1937), de Víctor Fleming o “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">La novia de Frankenstein</i></b>”
de James Whale (1935) entre otras --- con tintes wagnerianos situados entre el
romanticismo y la épica. La fotografía de LUCIEN BALLARD (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Los 4 hijos de Katie Elder</i></b>”,
“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Valor
de ley</i></b>”), en Cinemascope y Technicolor, consigue algunos momentos de
ensueño como en los bosques, costas rocosas, castillo de Camelot (interiores y
exteriores) mientras muchos se cebaban en la interpretación de Robert Wagner
como Valiente. Pero si es verdad que fue un actor limitado también lo es que
daba figura y tipo perfectos, con el típico flequillo (equivalente
paradigmático de los dibujos). Tiempo después Robert Wagner le comentó a Harold
Foster que era un forofo de los cómics del “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Príncipe Valiente”.</i></b> El
resto cumple: Janet Leigh como la princesa Aleta, Debra Paget como su hermana
Ilene, Sterling Hayden es Sir Gawain, quien coge a Valiente como escudero y le
llegará a querer como a un hijo aunque en su primer encuentro reciba una
pedrada del muchacho por creerle un enemigo, Brian Aherne es el rey Arturo,
Donal Crisp representa el rey Aguar, padre de Valiente, Barry Jones es el rey
Luke, padre de las dos hermanas y James Mason, el mejor de todos, encarna
maravillosamente al malvado sir Brack, en realidad el caballero negro.</span><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><u><span lang="ES-TRAD" style="font-family: "Century Gothic",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 200%; mso-bidi-font-family: "Century Gothic"; mso-bidi-font-size: 12.0pt;"><o:p></o:p></span></u></b></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 200%; text-align: justify;">
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><u><span lang="ES-TRAD" style="font-family: "Century Gothic",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 200%; mso-bidi-font-family: "Century Gothic"; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">II)- “<i style="mso-bidi-font-style: normal;">EL PRÍNCIPE VALIENTE”,</i> LA PELÍCULA</span></u></b><span lang="ES-TRAD"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 200%; text-align: justify;">
<span lang="ES-TRAD">Si bien “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El Príncipe Valiente</i></b>” no es una
película totalmente redonda ni el mejor film de Hathaway, si es una cinta con
excelentes escenas que ya quisieran tener muchas del género aventurero. El
ritmo, generalmente dinámico y vital, hace que en ningún momento decaiga el
interés ni aparezca el aburrimiento: torneos, duelos, persecuciones por el
bosque y dentro de los castillos, traición, corrupción, venganza heroísmo,
códigos de honor, justicia… todo ello bañado en una áurea<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>romántica digna de agradecer. El guión de
Dudley Nichols es como una aventura más de las ideadas/ilustradas por Foster
aunque reste protagonismo a los padres de Valiente y a la princesa Aleta. La
sinopsis es conocida: el rey Aguar, su esposa e hijo, Valiente (Val para los
amigos) residen en una fortaleza-abadía en un lugar remoto de la costa
británica, residencia cedida por el rey Arturo, ya que Aguar era rey de Scandia
y ha sido desposeído de su trono por el vikingo traidor Sligon y sus seguidores
quienes les buscan para matarles. Valiente es enviado a Camelot por su padre
para hacerse caballero de la “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Tabla Redonda</i></b>” y recuperar el trono
de Scandia. En el camino verá al “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Caballero Negro</i></b>” (armadura negra con
rostro cubierto) con un grupo de vikingos de Sligon y deberá huir. Más adelante
conocerá a Sir Gawain (al igual que Arturo es amigo personal de su padre) en un
encuentro accidentado y después al rey Arturo y al resto de sus caballeros,
entre ellos Sir Brack (pariente de Arturo) del cual al poco sospecha que es “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El
Caballero Negro</i></b>”, considerado por muchos como un espíritu diabólico que
aterroriza a los humanos. Más adelante se enamorará de la princesa Aleta, habrá
unos equívocos y finalmente todo acabará bien al desafiar y matar al “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Caballero
Negro</i></b>” que no es otro que Sir Brack el cual quiere usurpar el trono de
Arturo. Valiente y Aleta proyectan su boda… Veamos algunas escenas: <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 200%; text-align: justify;">
<span lang="ES-TRAD">--- Ya los genéricos son exquisitos: una brillante espada en
diagonal a la pantalla mientras aparece el título del film en letras góticas en
rojo, una pared con cinco panoplias y a continuación unas viñetas de Harold
Foster sabrosamente coloreadas y animadas por la música de Waxman --- <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 200%; text-align: justify;">
<span lang="ES-TRAD">--- En las primeras escenas: llega la nave del fiel Boltar (Victor
McLaglen). Valiente salta por las almenas del castillo/abadía, llama a sus
padres y sale a recibir al amigo arrojándose al mar y nadando hacia el <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">dakkar</i></b>
vikingo. En escasos momentos y con gran economía de medios, Hathaway, con la
obertura nos hará pasar directamente a la acción (combinando perfectamente
planos generales con planos medios subrayados por la adecuada música)--- <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 200%; text-align: justify;">
<span lang="ES-TRAD">--- La voz en off nos lo ha dicho todo, después la presentación de
los padres de Valiente (una segunda toma intercalada los veremos más próximos,
en plano medio) --- <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 200%; text-align: justify;">
<span lang="ES-TRAD">--- La cena por la noche en el castillo, cuando Aguar decide
enviar a su hijo a Camelot. El comedor en semioscuridad (iluminado solamente
con un candelabro de varios brazos en lo alto de la estancia/pantalla), en
conjunto nos recuerda un cuadro de Rembrandt --- <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 200%; text-align: justify;">
<span lang="ES-TRAD">--- La primera vez que Valiente descubre al “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Caballero negro</i></b>” hablando
con unos vikingos de Sligon, pues los conspiradores están aliados, cae en medio
de la playa semiaturdido aunque logra huir --- probablemente inspiró una escena
del <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">cómic</i></b>
“<b><i>El Jabato</i></b>” creado por Víctor Mora (*) --- constituyendo una
secuencia de entre lo mejor del cine de aventuras: saltando de árbol a árbol
por las lianas, esquivando las flechas, cayendo a un río y usando una caña para
respirar bajo el agua. Hathaway continúa usando una angulación y elección de planos
formidable --- <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 200%; text-align: justify;">
<span lang="ES-TRAD">--- En Camelot habla con Arturo y sus caballeros. Allí dice quien
es, lo que le pasó y su aventura con el “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Caballero Negro</i></b>”. Hathaway muestra
la reunión de la “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Tabla Redonda</i></b>” en visión fragmentada y cuando Valiente es
aceptado como escudero de Sir Gawain enfoca a todos los componentes con la
“Tabla” en<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>el centro con un plano
general de conjunto --- <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 200%; text-align: justify;">
<span lang="ES-TRAD">--- El torneo donde un atrevido Valiente (siempre hará honor a su
apellido) suple al herido Sir Gawain (con la cara cubierta por el casco) y cae
derribado por Sir Brack está más que correcto (los he visto mejor filmados pero
muchos otros, peor). Cuando el Príncipe es herido y atendido en el castillo de
Aleta hay momentos interesante. Al descubrir a su futuro amor, la ve en un
plano medio y contrapicado, alumbrada por una lámpara en el techo y pregunta si
está en el paraíso. Será demasiado rápido el mutuo amor (solo un día). La
princesa Aleta tiene una hermana, Ilene (enamorada de Sir Gawain), ambas son
hijas del rey Luke. La belleza de ambas muchachas es expresada/mostrada en la
variedad e indumentaria: Aleta es rubia y casi siempre viste de blanco mientras
Ilene es morena y su vestido es oscuro. Los equívocos se cruzan entre los
personajes: Valiente/Aleta/Sir Gawain (que en un principio está enamorado de
Aleta la cual es también pretendida por Sir Brack)/Ilene --- <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 200%; text-align: justify;">
<span lang="ES-TRAD">---Cuando Aleta y Valiente (ha descubierto el secreto de Sir
Brack) son raptados por los esbirros de Sligon y llevados prisioneros con los
padres del príncipe, caídos también en manos del vikingo traidor, el nivel baja
y, siendo aceptable (sin perder el dinamismo), está por debajo de lo
anteriormente comentado. Valiente huye de su prisión y se une a sus seguidores,
comandados por el leal Boltar. La batalla está bien mostrada y el usurpador es
muerto en duelo por Valiente gracias a la espada de su padre. Volverá a
Camelot, desenmascarará a Brack delante de la “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Tabla Redonda</i></b>” y le
matará en duelo ante de Arturo, Gawain y demás caballeros. El príncipe es
nombrado caballero de la “Tabla” por Arturo y su espada Excalibur. Doble boda:
Valiente –Aleta y Sir Gawain- Ilene --- <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 200%; text-align: justify;">
<span lang="ES-TRAD">Y colorín, colorado, este cuento se ha acabado.<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>Excelente película de aventuras. Hay otra
versión en 1996 de la cual es mejor correr un tupido velo…<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 200%; text-align: justify;">
<span lang="ES-TRAD"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span>Narcís
Ribot i Trafí<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 200%; text-align: justify;">
<span lang="ES-TRAD">(*)- Víctor Mora Pujadas creó un gran cómic en 1956: “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El
Capitán Trueno</i></b>”. Según el autor su inspiración le vino de “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El
Príncipe Valiente</i></b>” de Foster. Gracias al éxito creó otro personaje, “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El
Jabato</i></b>” con casi las mismas virtudes (las aventuras de ambos personajes
fueron exportadas más allá de nuestras fronteras). La escena comentada está en
uno de los números consecutivos titulados “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">La sombra de Nerón</i></b>” y “¡<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Kimberlan</i></b>!”,
una de las mejores aventuras del “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Jabato</i></b>”, comentada en estas<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>páginas de “<b><i>Cine y Cultura</i></b>” en
dos partes<o:p></o:p></span></div>
<br /><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEir5gnGaooMsouXFbxHgGKOX53_w72sSE1DjW2etgoJMrXlu8V4bdcZZvS3n4yAEaeGDZipEDoAZUsdHzHRFGOHdLHjog_tEjdRDGZYGxSLtCXyZgwZZZi5c0xrAH8c3uHVoUda9dFpwDvn/s1600/HH.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="252" data-original-width="200" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEir5gnGaooMsouXFbxHgGKOX53_w72sSE1DjW2etgoJMrXlu8V4bdcZZvS3n4yAEaeGDZipEDoAZUsdHzHRFGOHdLHjog_tEjdRDGZYGxSLtCXyZgwZZZi5c0xrAH8c3uHVoUda9dFpwDvn/s1600/HH.jpg" /></a></div>
<br />Narcíshttp://www.blogger.com/profile/08118936220217813153noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6384052752908304011.post-4839779846538842712019-12-22T15:36:00.000-08:002019-12-22T15:36:01.998-08:00LA ISLA MISTERIOSA<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEifE5HvcoWmfaana4RQNdy-uLzgokfiuwgH0QLyD1oJ5HTv0KGc4lPaBaaqn8u5b8ziBeVuIOW0DJa2BeKG20-7VPxltFbmnH-KxR5O1GkwrUBbYOHZ8QhDqGt-RUrt9GzTvV4Og5eBccd6/s1600/JULIO+VERNE+ISLA+MISTERIOSA.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="876" data-original-width="1600" height="175" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEifE5HvcoWmfaana4RQNdy-uLzgokfiuwgH0QLyD1oJ5HTv0KGc4lPaBaaqn8u5b8ziBeVuIOW0DJa2BeKG20-7VPxltFbmnH-KxR5O1GkwrUBbYOHZ8QhDqGt-RUrt9GzTvV4Og5eBccd6/s320/JULIO+VERNE+ISLA+MISTERIOSA.jpg" width="320" /></a></div>
<br />
<br />
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">---“Amigos míos --- dijo Cirus
Smith, con voz profundamente conmovedora ---, roguemos al Dios de todas las
misericordias que reciba el alma del capitán Nemo, nuestro salvador”<span style="mso-spacerun: yes;"> </span></i></b>(<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“La isla misteriosa”, </i></b>de
Julio Verne)<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><o:p></o:p></i></b></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;"><span style="mso-spacerun: yes;">
</span>Si se hiciera un concurso para dirimir cual es el mejor libro de
aventuras de todos los tiempos “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Treasure Island</i></b>“ (<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">La
isla del tesoro</i></b>”), de Robert Louis Stevenson (publicada 1883 como
novela pero aparecida uno y dos años antes por entregas en la revista infantil
“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Young
Folks </i></b>con el título de “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">The Sea Cook, or Treasure Island</i></b>”)
sería un serio candidato al premio. Hablamos de ella en estas páginas para
comentar una atractiva versión cinematográfica, quizás la mejor, la de Byron
Haskin (1950) --- realizador de “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Cuando ruge la marabunta”</i></b> --- y
producida por Walt Disney Company en Gran Bretaña. Sin embargo existen varias
obras que le opondrían feroz competencia. Una de ellas sería la que también
lleva el título de ISLA en el enunciado: “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">L´île Mystérieuse</i></b>” (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">La
isla misteriosa</i></b>”) de Julio Verne, publicada por vez primera en 1874. <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><o:p></o:p></b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">I)-UN INSIGNE AUTOR<span style="mso-spacerun: yes;"> </span></span></b><span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; tab-stops: 141.45pt 282.8pt; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">Con motivo de llevar a estas páginas dos
novelas suyas convertidas en las mejores adaptaciones cinematográficas --- “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Viaje
al centro de la Tierra</i></b>”, de Henry Levin (1959) y “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">20.000 leguas de viaje submarino”</i></b>,
de Richard Fleisher (1954) --- hablamos de Jules Gabriel Verne (Isla Feydau de
Nantes, 1828- Amiens, 1905), más conocido como Julio Verne. Inteligente +
imaginativo + estudioso + intuitivo + hijo de su tiempo, siglo XIX de grandes
descubrimientos, + apasionado por la geografía + siempre al tanto de los
hallazgos científicos y por todo ello considerado como profeta de la
anticipación de la tecnología y del saber. Ha de añadirse la última cualidad:
gran escritor (en vida fue reconocido pero en muchos ambientes su obra estaba
considerada “para jóvenes y niños”). Entusiasmado por los descubrimientos cayó
más adelante en un pesimismo (hasta cierto punto lógico) por el mal uso de
estos. Un ejemplo de su portentosa imaginación en su acercamiento a la realidad
está en su novela “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">De la Tierra a la Luna</i></b>”: 1) un viaje espacial, 2) un proyectil
en cuyo hueco interior van los astronautas, 3) la nación que podía realizar tal
empresa (Estados Unidos), con una sugerente referencia a otra nación
competitiva (Rusia), también interesada en viajes espaciales, 4) el lugar
idóneo para el despegue (Florida, en Verne, muy cerca de Cabo Kennedy, en la
realidad), 5) su cohete era de peso y envergadura semejante a los <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Apolo</i></b>,
6) la coincidente trayectoria para efectuar el viaje y la satelización de la
nave alrededor de la Luna), 7) la falta de gravedad en el espacio exterior, 8)
la regeneración del aire en circuito cerrado, 9) el sistema de cohetes para
modificar la trayectoria y 10) al regreso la nave llega a la Tierra: en Verne
cae en el mar a cuatro kilómetros del lugar exacto en donde aterrizaría el <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Apolo
VIII</i></b>, la primera nave tripulada protagonista de la órbita lunar muy
parecida a la imaginada por Verne...<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">Además Julio Verne sugirió la aparición del
nazismo en “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Los 500 millones de la Begun”</i></b> (1879) y lo pinta con terrible y
nítida exactitud en “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">La impresionante aventura de la misión
Barsac</i></b>” (aparecida<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>en forma
póstuma y publicada por su hijo Michael Verne en 1914).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">En lo que se refiere a “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">La isla misteriosa</i></b>” era
una época, incluso antes de su publicación en 1874, en donde Verne ya conocía
la fama aunque no en su totalidad desde el punto de vista literario (más
adelante la obtuvo cuando se reconoció que no solamente era “literatura para
niños y jóvenes” sino para todos los públicos y se trataba de un gran escritor)
y, en cambio, sí en la parte económica puesto que ganó mucho dinero y llegó a
ser millonario. Fue en este momento de tranquilidad cuando Verne realizó su
obra cumbre de forma un tanto curiosa. Esbozos de años anteriores le sirvieron
para tejer una novela (resultó fallida) de aventuras, “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El tío Robinson</i></b>”, siguiendo
la moda del “robinsonismo” inaugurada por Daniel Defoe un siglo antes en su “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Robinson
Crusoe</i></b>”.<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>El “robinsonismo” es la
aventura de un o varios náufragos en una isla desierta. El agilizar la
inteligencia para sobrevivir será la trama de la historia. Verne era admirador
de “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El
robinsón suizo”</i></b> o “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">La familia suiza Robinson</i></b>” escrita
por el pastor evangélico Johann Wyss. Pero a Pierre- Jules Hetzel, amigo y
editor de Verne, no le gustó “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El tío Robinson</i></b>”, principalmente
porqué no había ciencia en la narración. El escritor aceptó y así nació “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">La
isla misteriosa</i></b>”. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">Solo esquemáticamente coinciden novela- película.
En el escrito de Verne es puro libro de aventuras en donde se da, más que
innovaciones científicas, tecnología aplicada cara a la supervivencia: durante
la guerra de secesión americana unos prisioneros nordistas escapan de una
prisión sudista sirviéndose de un globo. Una gran tempestad les arrastra muchas
millas Océano Pacífico adentro hasta ir a parar a una isla desierta (se
desgarra la envoltura del globo) en donde hay bosque, un lago, varios
riachuelos, algún valle y un volcán extinguido. Los náufragos son el ingeniero
Cirus Smith, su criado Nab, el periodista Gideon Spilett el marino Pencroff y
su ahijado Harbert (adolescente, hijo del capitán de Pencroff). Nab (en
realidad se llama Nabucodonosor), ex esclavo negro manumitido por Smith y a su
servicio además del perro Top de Smith y, más adelante, en la isla, capturan y
domestican un orangután a quien llamarán “Joop” o “Jup” (diminutivo de “Júpiter”).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">No creo sea un error de Verne el reunir en esta
isla distintos animales que, a no ser por el hombre, nunca convivirían juntos,
fauna de distintos puntos del globo. Creo está hecho a propósito. Smith,
gracias a su inteligencia y cultura es elegido jefe para tratar de aplicar lo
mejor posible la tecnología sobre los recursos de la naturaleza. No tienen
nada, salvo sus ropas pero parece hay en la isla (bautizada por los náufragos
con el nombre de “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Lincoln</i></b>”) una fuerza misteriosa que les ayuda: en realidad el
capitán Nemo de “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">20.000 leguas de viaje submarino</i></b>” el cual se presentará más
adelante para comunicarles que los restos de su nave, el submarino <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Nautilus</i></b>,
reposan en la isla (ya no puede navegar). Estos robinsones les falta algo que
le sobraba a Crusoe de Defoe: el tiempo, puesto que el volcán entrará en
erupción y el mar se tragará la isla. Más adelante encontrarán otro náufrago en
una isla vecina, Tabor, distante a unas pocas millas de Lincoln. Se trata del
ex bandido Ayrton (presente en “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Los hijos del capitán Grant</i></b>”)
arrepentido de sus pasadas fechorías y desterrado allí por lord Glenarvan.
Aparecerán unos piratas, antiguos compañeros de Ayrton, pero serán destruidos
por el misterioso Nemo. Finalmente nuestros protagonistas lograrán sobrevivir,
recogidos por lord Glenarvan, a excepción de Nemo quien les ha pedido que
hundan al Nautilus en el fondo del mar para que sea su tumba.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">Destacan los trabajos de supervivencia: forman una
lente con cristales de dos relojes y así consiguen fuego, fabrican ladrillos con
arcilla, construyen un horno para cocer las piezas de alfarería, una tosca pero
eficaz fragua les proporciona el poder construir armas, hay abundante caza (se
puede resolver la alimentación), fabrican herramientas rudimentarias pero
funcionales y actúan como leñadores, carpinteros y vidrieros, domestican
animales que les proporcionan leche y lana, un grano de trigo perdido entre los
pliegues de la chaqueta de Harbert servirá para iniciar una cosecha, un molino
mediante partes del globo para moler el trigo y la construcción de un
elemental<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>ascensor hidráulico para subir
a la cueva en donde residen, unos metros de alambre que pone en comunicación la
vivienda humana (la cueva) con los corrales de los animales, la construcción de
un telégrafo (aunque de corto alcance) mediante una también rudimentarias pila
eléctrica. Finalmente iniciarán la construcción de una barca para poder
alejarse de la isla.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">Que Verne sentía debilidad por el tema del
“robinsonismo” no hay duda: escribió además “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Escuela de robinsones</i></b>” y “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Dos
años de vacaciones</i></b>” ...<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><o:p></o:p></b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">II)- LOS COMPONENTES Y LA PELÍCULA</span></b><span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">Existía un guión original de Kenneth Kolb en
propiedad de la Columbia desde 1958 el cual asumía las líneas esenciales de “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">La
isla misteriosa”</i></b> de Verne pero a la compañía cinematográfica no le satisfacía
la parte final. Más adelante conectaron con el productor Charles H. Schneer,
asociado con el autor de efectos especiales y criaturas maravillosas llamado
Ray Harryhausen (1920- 2013), alumno y seguidor en el stop-motion (animación
fotograma a fotograma de objetos o seres estáticos) de aquel otro grande,
creador de los efectos del único “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">King- Kong</i></b>” (Ernst Beaumont
Schoedsack y Merian C. Cooper, 1933) entre otras: Willis O'Brien (1886- 1962).
De los dos hablamos en estas páginas hace algún tiempo. El guión definitivo de
“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">La
isla misteriosa”</i></b> fue escrito por John Prebble, Daniel Ullman y Crane
Wilbur.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">Las dos confluencias principales para crear una
película familiar, entrañable y que hace pasar un buen rato se deben a los
efectos especiales de Ray Harryhausen y la música de Bernard Herrmann<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">Mucha parte de la película fue rodada en las
mismas playas utilizadas tres años antes en la magnífica “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Simbad y la princesa</i></b>”, de
Nathan Juran (1958) en otro encuentro del músico Bernard Herrmann --- se habían
reunido felizmente antes en <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“Los viajes de Gulliver</i></b>”, de Jack
Sher (1960) y volvieron a hacerlo en la magistral “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Jason y los Argonautas</i></b>”,
de Don Chaffey (1963) --- o sea S'agaró y playa de la Conca (de donde es quien
suscribe estas líneas) mientras los técnicos británicos en los estudios
Shepperton de Surrey (Inglaterra) creaban los decorados con pinturas sobre
cristal (Matte Paintings) bajo la dirección artística de Bill Andrews ---
paisajes parecidas a algunos dibujos previos de Willis O'Brien y algunos grabados
de Gustavo Doré, tan de ensueño y paradisíacos como salvajes y amenazantes ---
y también una plaza de la ciudad de Richmond (Virginia) en miniatura para la
escena del globo y en decorado real, todo ello combinado con la nítida y
colorista fotografía de Wilkie Cooper. El cangrejo gigante fue comprado en el
mercado, se vació y en su interior se colocó un esqueleto articulado construido
por el padre de Harryhausen. No podemos olvidar al técnico español Francisco
Prosper el cual realizó la maqueta de la cueva en donde una pareja de náufragos
se defiende de los ataques de una abeja gigante y también partes del cangrejo
gigante a tamaño real (las pinzas, cuando los humanos han logrado arrojarlo a
un géiser y les ha servido de cena). El “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Nautilus</i></b>” fue igualmente
representado en miniatura y tamaño real, procurando parecerse al original de “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">20.000
leguas de viaje submarino</i></b>”, fabricados en los estudios de <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Sevilla
Films</i></b> en Madrid.<span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">Harryhausen anima en esta ocasión tres especies de
animales que han devenido gigantescos: a) el cangrejo, b) las abejas en su
panal y c) el cefalópodo llamado “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Nautilus</i></b>”(igual que la nave del
capitán Nemo, en realidad una especie de calamar o pulpo dentro de una concha
de caracol), aparte de unos mejillones enormes (un metro), naturalmente
inmóviles en las rocas, recogidos por los náufragos para comer, quienes se
preguntaran el porqué del tamaño de esta fauna y la respuesta vendrá cuando se
presente el capitán Nemo y les diga que el crecimiento proviene de sus
experimentos: con el gigantismo intentará erradicar el hambre del mundo (como
en “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">20.000
leguas de viaje submarino”</i></b> intentaba eliminar la guerras de la faz de
la tierra pero con violencia) porqué aparte de un marino excepcional es un
brillantísimo científico, un hombre muy inteligente (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">pensad en ovejas y cabras del
tamaño de un elefante, la cantidad de leche y carne que se conseguiría</i></b>”
les dice a los asombrados náufragos y les explica sus planes). Aparte, el ave
prehistórica presentada primero como una sombra proyectada sobre el periodista
Spilett a quien interrumpe su siesta en el bosque. Sorprendido observa a esta
especie de gallo gigante de unos tres metros de altura y huye despavorido. Como
un híbrido entre pollo y avestruz, aterrorizará a los humanos entrando en el
cercado hasta caer abatido por un disparo de Nemo que no oyen porqué se está
quebrando una madera de la valla. En realidad es un <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Phorusrhacos </i></b>o <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Phororhacos</i></b>,
un ave no voladora presente en la Patagonia ya extinguida (época del
Terciario). Cuando lo guisen para la cena descubrirán la bala.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">El insigne compositor para el cine<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>Bernard Herrmann (1911 -1975), uno de los más
grandes --- aparte de las citas con Harryhausen hizo inmortal música para
Alfred Hitchcock (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Vértigo”, “El hombre que sabía demasiado”, “Pero...¿quién mató a
Harry”, “Falso culpable”, “Con la muerte en los talones”, “Psicosis”, “Marnie,
la ladrona</i></b>”), Henry King (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Las nieves del Kilimanjaro”, “El capitán
King</i></b>”), Henry Hathaway (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">La hechicera blanca</i></b>”, “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El
jardín del diablo</i></b>”), Robert Wise (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Ultimatum a la Tierra”</i></b>),<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>Michael Curtiz (<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Sinuhé, el egipcio”</i></b>),
Orson Welles (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Ciudadano Kane”, “El cuarto mandamiento”</i></b>), François Truffaut (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Farenheit
451</i></b>”), Raoul Walsh (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Los desnudos y los muertos</i></b>”) y
Joseph L. Mankiewicz (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Operación Cicerón”, “El fantasma y la señora
Muir”</i></b>), entre otros. Herrmann compone una música grave e inquietante
desde el principio con variación de instrumentos en los momentos en donde se
hace presente el elemento fantástico, especialmente los gigantescos
animales<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>(1): a) instrumentos de madera,
viento, cuerdas, flautas, percusión y cuernos franceses al aparecer el cangrejo
gigante; b) se acrecienta la importancia de la tuba y la madera para dar un
sentido/sonido cómico al presentarse el prehistórico <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Phorusrhacos</i></b> (del griego
“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Phoros”=
Portador </i></b>y “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Rhakos”= Harapo, Arruga</i></b>, por las arrugas que cubrían su faz),
c) multitud de instrumentos de diversas familias<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>cuando el soldado Herbert Brown y Elena
Fairchild son acosados por una y después por varias abejas gigantes, molestas
por haber invadido su habitáculo y los acorralan en una celdilla hexagonal para
capturarlos (podrán huir con humo y fuego provocado por ellos) y d), misma
variedad de instrumentos en la escena submarina del cefalópodo gigante (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Nautilus</i></b>”),
dirigida por el especialista de la segunda unidad Egil Woxhold que nos recuerda
la conexión con “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">20.000 leguas de viaje submarino</i></b>”, cuando con uno de sus
tentáculos captura al sargento sudista Pencroft y los demás acaban con el
monstruo disparándole con un arma que emite rayos laser (envolviendo momentaneamente
la toma con su clásica tinta después de soltar a Pencroft). También parcela su
música en los llamados factores naturales (inclemencias, del tiempo,
tempestades que arrojan el globo de un lado a otro, el volcán que entra en
erupción, actuando incluso el latón)...<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">Quien liga todos los elementos es <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">CY ENFIELD</b> (USA, 1914- Reino Unido,
1999). Era un gran aficionado al ilusionismo, entró en el teatro y fue fichado
por Orson Welles para Mercury Productions, por aquel tiempo perteneciente a
R.K.O. Pictures. Escribió guiones y en 1942 realizó su primer cortometraje (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">La
inflación</i></b>”), tomando ya el asiento de director para cortometrajes y
alguna película de bajo presupuesto, siendo “The Underwold Story” (1950) y “T<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">he
Sound of Fury</i></b>” (1950) sus obras más recordadas. En 1951 fue citado ante
el “Comité de Actividades Antiamericanas” por pertenecer al Partido Comunista y
se exiló a Inglaterra en donde rodó algunas películas con su nombre completo y
verdadero: Cyril Raker Endfield. Allí conoció al actor Stanley Baker con el
cual trabajó en varias ocasiones De este periodo recuerdo, entre alguna otra, “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Hell
Drivers</i></b>” (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Ruta infernal</i></b>”, 1957), una película formidable denunciante de
una corrupción laboral. Regresó a Estados Unidos intermitentemente y allí dio
su obra más popular y celebrada: “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Zulu”</i></b> (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Zulú</i></b>”) para Paramount
(1964). Intentaré hablar de Enfield en otra ocasión, solo recordar que era un
realizador con altibajos en su carrera pero interesante (en “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">De
Sade</i></b>” y “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Las arenas del Kahari”, </i></b>p. e.<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">,</i></b> parece inclinarse por el
estilo televisivo y fácil lo cual ha sido letal para el cine) solo recordar su
pesimismo ante los actos del ser humano que él refleja en alguna de sus
películas (no hay épica en “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Zulú</i></b>”, solo cumplimiento del deber
--- cuestionable --- por parte de unos y fanatismo por la de otros). En otras
ocasiones demostró saber conjuntar los planos y ofrecer un buen espectáculo. En
“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">La
isla misteriosa”</i></b> es, como se ha dicho, más un film de Ray Harryhausen
(2) y su animación que del artesano de turno, en el caso Enfield supo llevar a
cabo de forma más que correcta los atractivos elementos puestos a su
disposición...<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">Las diferencias novela película son
principalmente: a) la fauna. Los animales actuales del libro son substituídos
por los animales gigantes (cangrejo, abejas, “nautilus”) y el prehistórico
(“Phorusrhacos”) de Harryhausen; b) la aparición de las dos féminas en el film
--- Elena Fairchild (Beth Rogan), la cual se prometerá al soldado Herbert Brown
(Michael Callan), y su tía Lady Fairchild (Joan Greenwood) ---, impensables en
el misógeno Verne pero si tributo de Holltwood y c) variaciones de los
personajes y sus funciones en la obra, p. e. el ingeniero Cyrus Smith (libro)
es substituido por el capitán del ejército nordista Cyrus Harding (Michael
Craig) el cual será el jefe del grupo, completado por el periodista Gideon
Spilitt (Gary Merrill), el soldado Herbert Brown, el cabo de color Neb Nugent
(Dan Jackson)<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>y el sargento Pencroft
(Percy Herbert) de ejército sudista el cual, inconsciente, es llevado en el
globo en poder de los miembros de la Unión pasando ahora a ser él el
prisionero. Mención especial merece la interpretación de Herbert Lom como el
capitán Nemo quien no desmerece en nada a la de James Mason en “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">20.000
leguas de viaje submarino</i></b>” aunque tenga menos momentos de actuación.
Inolvidable cuando se presenta ante el grupo de náufragos y se da a conocer aún
embutido en su escafandra construida a partir de moluscos y caracoles marinos.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">Ataca las guerras aunque Cyrus defienda su causa y
Pencroft la suya, le dice al corresponsal de guerra Spillit “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Los
soldados ponen la sangre y usted pone la tinta”</i></b> y Cyrus le responde <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“Usted
no es el más indicado para criticar la guerra, ha hundido barcos y matado a
personas</i></b>”, contesta Nemo: “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Eran barcos de guerra</i></b>”<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>y a Lady Fairchild: “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Supongo no le molestará que haya
colocado una bomba hundiendo el barco de estos piratas que les hubieran matado
a todos</i></b>”. Cuando cree que no hay tiempo de huir --- el volcán está a
punto de entrar en erupción --- se sienta en el órgano del Nautilus e
interpreta el “Tocata y Fuga en Re menor” de Juan Sebastian Bach pero será
Cyrus quien tendrá la idea salvadora de reflotar el barco pirata (las cargas
habían sido colocadas de forma estratégica por Nemo para tal fin). Nemo morirá
en su Nautilus al hundirse la isla y los náufragos lograrán huir con el barco
reflotado. Al regresar a la sociedad jurarán comprometerse en el proyecto de la
paz y luchar contra el hambre mientras hacen memoria del capitán Nemo...<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;"><span style="mso-spacerun: yes;">
</span><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span>Narcís Ribot i Trafí</span><o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">1)- “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Bernard Herrmann, Cumbres borrascosas</i></b>”,
de Christian Aguilera (T&B<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>Editores,
2017). La editorial ha publicado varios libros de cine: directores, estudios...
y también músicos de cine (Miklos Rosza, Alex North, Jerry Goldsmith...), este
de Bernard Herrmann es inédito excelente...</span><o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">2)- Sobre Ray Harruhausen en España hay dos
títulos, ambos muy recomendables:<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">--- “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Ray Harryhausen, el mago del Stop Motion</i></b>”,
de Carlos Díaz Maroto (Calamar Ediciones, 2010) ---<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">--- “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Ray Harryhausen, creador de monstruos</i></b>”,
libro coral, bajo la dirección de Miguel Angel Ramos y Alberto Ruíz de
Samaniego (Fundación Luis Seoane, Xunta de Galicia, Ayuntamiento de La Coruña),
2009 ---<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">Existen bastantes artículos sueltos en la
actualidad. Dejando aparte la modestia: un servidor ha publicado algunos (Forum
Universitas, Diario de Cine, Fantastik, revista de 1985. un año antes<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>edité un fanzine para el Festival de Sitges
dedicado a Willis O'Brien y Ray Harryhausen, etc.). </span><o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhMLpx22E5zOd_cQiRWtfxwBxK6ADiw5gQKpSGvyIyrL4UF65IxRvWsX9Qo2UutA0pJ4jZgX-zs6nDBAzkE_h4aU7lTaHQkjcXqsrJdS_NVDzKhEC2qgjaucmkpXVore3ZWmVXp-8DpGyrf/s1600/isla+misteriosa+CARTEL.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="573" data-original-width="382" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhMLpx22E5zOd_cQiRWtfxwBxK6ADiw5gQKpSGvyIyrL4UF65IxRvWsX9Qo2UutA0pJ4jZgX-zs6nDBAzkE_h4aU7lTaHQkjcXqsrJdS_NVDzKhEC2qgjaucmkpXVore3ZWmVXp-8DpGyrf/s320/isla+misteriosa+CARTEL.jpg" width="213" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;"><br /></span></div>
<br />Narcíshttp://www.blogger.com/profile/08118936220217813153noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-6384052752908304011.post-74706858929233945852019-12-07T08:33:00.002-08:002019-12-07T08:33:24.787-08:00LA ISLA DEL TESORO, BYRON HASKIN (1950)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi_HcukvO7cEola2RVCrnIi2I1YFfnyzl-MdLQnC9z9fBcTCOV6xxjhBqkYK6NUh7PZy4ZxI6mZvojVXuvGgHxQGc36jzE31gCbGjm9oPM-xo4Yeqq6DuRWUFSrVMFExNqSyjPdYyy7U0J6/s1600/RKO+ISLA+TESERO.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="709" data-original-width="945" height="240" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi_HcukvO7cEola2RVCrnIi2I1YFfnyzl-MdLQnC9z9fBcTCOV6xxjhBqkYK6NUh7PZy4ZxI6mZvojVXuvGgHxQGc36jzE31gCbGjm9oPM-xo4Yeqq6DuRWUFSrVMFExNqSyjPdYyy7U0J6/s320/RKO+ISLA+TESERO.jpg" width="320" /></a></div>
<br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span>“Quince hombres van en el
cofre del muerto. ¡Ay, ay, ay, la botella de ron! La bebida y el diablo dieron
con el resto. ¡Ay, ay, ay, la botella de ron!”</span></i></b><span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">
(“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">La
isla del tesoro”,</i></b> de Robert Louis Stevenson)<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“Si los viejos relatos de
bucaneros y oro enterrados, narrados a la vieja usanza, pueden agradar a los
jóvenes más sabios de hoy como a mi me agradaron en su día, que así sea</i></b>”.
(Robert Louis Stevenson)<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span>“La isla del tesoro” es la
narración más pura que conozco, la historia más hermosa que jamás me han
contado”</span></i></b><span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">. (Fernando Savater) <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">I)- ROBERT LOUIS
STEVENSON O EL PLACER DE LEER. Es un título adecuado porqué fue uno de los
grandes de la literatura universal tanto como novelista, ensayista o poeta
(quizás su faceta menos analizada), tanto si redactaba relatos cortos o novelas
y tanto si son narraciones de viajes, de aventuras o de fantasía. La
descripción magnífica y trepidante<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>de la
trama aventurera o fantástica conjugaba perfectamente con el análisis
psicológico de sus personajes y su señalada ambigüedad moral en algunos casos.
Esta perfecta<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>y hábil amalgama le dio
popularidad (en su momento no toda la merecida ya que algunos trabajos no
obtuvieron el éxito esperado). Así el autor se encontrará cómodo en la búsqueda
de un tesoro <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">(“La isla del tesoro</i></b>”, 1883), el desdoblamiento por medios
científicos de la personalidad (<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“El extraño caso del Dr. Jekyll y Mr. Hyde”</i></b>,
1886), por tanto una novela de Ciencia- Ficción pero extendida más adelante al
pasar al cine como mito terrorífico (recordemos a otro ser del panteón
mitológico que desdobla su personalidad, basado en leyendas y supersticiones,
al influirle una maldición: el hombre- lobo o licántropo --- ahora si es puro
cine de terror y fantasía --- y constatar que a la maldad bestial de éste se
contrapone una maldad intelectual por parte del Dr. Jekyll al ingerir la pócima
para transformarse en Mr. Hyde), una apasionante incursión en la novela
histórica <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">(“La flecha negra</i></b>, 1888) sobre la guerra de “las dos
rosas”,<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>la oposición de dos
personalidades --- otra vez --- entre dos hermanos<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>en la Escocia del siglo XVIII (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El
señor de Ballantree</i></b>”, 1889). He citados sus novelas pero sus relatos de
viajes y cuentos de aventuras o fantasía (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Narraciones maravillosas</i></b>”, 1882 o “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El
diablo en la botella</i></b>”, 1893) están a la misma altura literaria al igual
que sus poemas (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">De vuelta al mar</i></b>”, 1887 o “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Jardín de verso para niños</i></b>”, 1885).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Robert Louis
Stevenson nació en Edimburgo (1850) en una familia acomodada en la que el padre
era un reputado ingeniero. Desde su niñez tuvo una vida enfermiza con muchas
temporadas de recuperación en la cama (lo cual beneficiaría su imaginación como
escritor). Fue un brillante pero indisciplinado estudiante (con debilidad hacia
el alcohol). En principio quería seguir los pasos de su padre pero dejó
inconclusa la carrera de ingeniería para dedicarse a las leyes, estudios que si
completó aunque prácticamente jamás ejerciera. Su auténtica vocación era la de
escritor y a los 23 años empezó a escribir (ahora residía en Francia) y a
viajar con los primeros indicios de tuberculosis, enfermedad que nunca lo
abandonaría. Sensibilidad, pasión aventurera, lenguaje nítido y elegante son
cualidades de su pluma y la densidad narrativa-explicativa es el motor que
impulsa dinámicamente el desarrollo argumental de la obra. Murió joven, a los
44 años, en Samoa (1894) de una apoplejía (hasta sus momentos finales llevó en
sus manos una botella de vino).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Treasure
Island” (“La isla del tesoro</i></b>”) apareció por entregas en el “Young Folks
Magazine” teniendo una gran aceptación popular aunque no tuviera un buen
arranque crítico. Las novelas de piratas siempre habían impactado entre el
público aunque en aquel momento era la novela “rosa” la que estaba de moda. Fue
leída por innumerables generaciones y se constituyó en molde clásico de la
narración de aventuras.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">II) AL CINE-
Maurice Tourneur, padre del también realizador Jacques Tourneur <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">(“El
halcón y la flecha”, “Wichita”, “La noche del demonio”</i></b>) filmó la
primera y muda versión de “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">La isla del tesoro”</i></b> con actores tan
reputados como Lon Chaney Sr. y Charles Ogle de la cual poco más se sabe. Es en
1934 cuando la M. G. M. produce la adaptación considerada canónica. Dirigida
por Víctor Fleming (quien tuvo la suerte de encontrarlo casi todo hecho después
del baile de realizadores y de la macedonia resultante de <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“Lo que el viento se llevó</i></b>”,
filmando alguna escena y firmando la película en solitario). Víctor Fleming era
un artesano y en esta “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Treasure Island” (“La isla del tesoro”)</i></b>
ejecuta su oficio, coloca bien una serie de planos y consigue una película
interesante con buenos momentos y excelentes escenas pero sin el espíritu
stevensoniano que si logra insuflar Byron Haskin en la traslación de 1950. La parte
negativa, el “<i style="mso-bidi-font-style: normal;">pero</i>” a oponer es el
equivocado enfoque de las estrellas protagonistas para actuar en conjunto:
Wallace Beery (Long John Silver) y el niño Jackie Cooper (Jack Hawkins), la
trama estará siempre en función de la pareja (actuantes en films tan famosos
como “El campeón”, de King Vidor). La parte positiva se logra cuando Fleming
puede “escabullirse” de las directrices del propietario/productor Louis B.
Mayer (buscador del camino más “comercial” posible, hasta cierto punto lógico
en los productores, generalmente con buen olfato comercial y poca sensibilidad
hacia el estilo, la esencia y, a veces, el buen gusto) y su trabajo se hace más
personal.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Otras versiones
son inferiores, entre ellas la de John Hough (1972) con Orson Welles (como Long
John Silver), que también había proyectado otra adaptación para si, o la de
Fraser C. Heston (1990), de resultados discretos, con su padre Charlton Heston
encarnando al viejo pirata finalmente arrepentido Long John Silver mientras
Christian Bale interpreta al niño Jim Hawkins, apareciendo también en el
reparto Christopher Lee y Oliver Reed.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">III) LA ISLA DEL
TESORO (1950)- Byron Haskin (1899- 1984) demostró en varios de sus títulos que
era un realizador notable (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Eficacia y discreción</i></b>” es el título
de un estudio sobre Haskin realizado por Santos Fontela que define
perfectamente al director), sin ninguna pretensión y apegado a la Ciencia-
Ficción y a la aventura en los años 50-60 y cuya puesta en escena destilaba una
robustez plausible. De él recordamos su versión de “La guerra de los mundos”
(1953), según la novela de H. G. Wells, “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Cuando ruge la marabunta</i></b>” (1954),
probablemente su más famosa y redonda obra, “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El Capitán Simbad”</i></b>
(1963), colorista incursión al mundo de las 1.001 noches, <span style="mso-spacerun: yes;"> </span>“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Denver & Río Grande</i></b>” (1952), un
extraño western sobre la construcción de un ferrocarril o “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Robinson Crusoe en Marte</i></b>”
(1964), curiosa transposición del personaje de Daniel Defoe, en clave de
Ciencia- Ficción, al planeta rojo. Incluso en trabajos con pretensiones
didácticas (a partir de los guionistas) que llegan a hacerse pesados (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">La
conquista del espacio</i></b>”, 1955 o “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">De la Tierra a la Luna”</i></b>, 1958), el
sólido estilo de Haskin salva de la debacle total a las obras.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">“Treasure Island”
(“La isla del tesoro</span></i></b><span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">”, 1950) fue rodada en
Inglaterra con actores y técnicos ingleses a excepción del niño<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>Bobby Driscoll (Jim Hawkins) y del realizador
Byron Haskin y con positiva extrañación vemos que los elementos corrosivos del
autor literario están presentes pese a tratarse de una producción de la compañía
Walt Disney (&), la primera con personajes de carne y hueso, que
posteriormente se orientó hacia un conservadurismo con pocas aristas y poco
riesgo, el llamado convencionalmente “cine familiar” que caracterizó las
producciones Disney.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">“La isla del
tesoro</span></i></b><span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">” versión Haskin se abre en un pregenérico
azul (cielo diurno a pleno sol y totalmente despejado) donde se despliega una
bandera negra con la calavera y las dos tibias cruzadas (el signo de los
piratas) que cubre toda la pantalla y oculta el azul brillante mientras suena
la muy adecuada música de Clifton Parker. Luego se va desgranando el genérico
sobre el pretendido mapa del capitán Joseph Flint, el mapa de la isla donde
está enterrado su famoso y codiciado tesoro hasta aparecer las olas rompiendo
espumeantes contra las rocas y la playa anunciándonos tiempo y lugar donde se
desarrollará la acción. Estamos en la costa oeste de Inglaterra, 1765. Un plano
general nos enseña una posada en lo alto de una colina durante el día (sol y
nubes blancas) que ahora --- gracias al concurso de la preciosa fotografía de
Frederyck A. Young en Technicolor --- deviene en oscura noche. Un hombre de
acerca a la posada, enfocado por detrás (en otro plano general más detallado);
la cámara se acerca al hombre, siempre por detrás (aún no le vemos la
cara)<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>empalmando con un plano- grúa que
nos muestra el nombre del establecimiento: “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Almirante Benbow</i></b>”,
mientras la cámara --- prácticamente sin cortar --- sigue la mano del hombre
que abre la puerta y observa el interior hasta cruzar por delante del encuadre.
La posada está tan maravillosamente ambientada y reconstruida que hace
desprender una atmósfera bizarra y asombrosamente conseguida que nos recuerda
los futuros trabajos del minucioso decorador Bernard Robinson pata Hammer. El
visitante descubre al niño Hawkins (agachado) y conversa con él. El individuo
es “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Black
Dog” (“Perro Negro”</i></b>) a quien vemos ahora en contrapicado en función
amenazante ya que en realidad es un pirata (una gran cicatriz le cruza el
rostro) buscador del oro enterrado hace años por el temible capitán Flint, su
ex jefe, formando parte de una pandilla donde figura el ciego Pew y otro con
una pata de palo, en realidad Long John Silver, antiguo lugarteniente de Flint.
El plano del tesoro está en poder del capitán Billy Bones (Finlay Currie),
roído por el alcohol, refugiado en la posada, quien finalmente morirá víctima
de sus excesos con el ron, pasando el plano del tesoro a manos del niño Jim
Hawkins. Habiendo fallecido ya su padre, su madre será siempre una presencia en
off a diferencia de otras versiones. Solamente viendo la excelente caligrafía
de los planos iníciales nos damos cuenta de la invitación a disfrutar de una
espléndida película tan bien planteada como narrada. De todo ello no es ajeno
el guión de Lawrence Edward Watkin (1901-1981) que demuestra conocer muy bien
la obra de Stevenson y sabe transmitir su hálito aventurero en su traspaso de
la novela al film (dificultades inherentes siempre a tener en cuenta) y la
relación del niño que hará cambiar en algo al viejo pirata Long John Silver a
quien Robert Newton da una interpretación deliberadamente grotesca e
histriónica que es un gran acierto, su ambigüedad moral hace dudar al niño y a
todo el mundo. Únicamente el cambio en los sentimientos del “pata de palo” al coger
cariño a Jim salvará la situación y al final este afecto hacia el niño le
salvará a él de la horca dejándole escapar y devolviéndole el favor. La pareja Beery-
Cooper<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>realizó una interpretación
sobresaliente, a la altura de su reputación pero la otra pareja, Newton-
Driscoll están a su misma altura.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Zarparán en busca
del tesoro en el barco “La Española” al mando del honrado capitán Smollet
(Basil Sydney) junto con el Sr. Treanaway (Walther Fridgerald) y el Dr. Livesey
(Dennis O’Dea, también honestos, pero<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>la
mayoría de la tripulación está al mando del cocinero Long John Silver. A
retener la secuencia donde los piratas se reúnen en la bodega para discutir el
momento del motín a realizar mientras Jim les escucha escondido en un barril de
manzanas. Silver quiere pichar una manzana para comérsela y a punto de herir
(sin verlo) al niño se oye la voz del vigía: “¡<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Tierra a la vista!”.</i></b> Es
la isla donde el pirata Flint escondió su tesoro. La escena del motín y la
batalla en la isla es de lo más realista y trepidante: balas y cuchillos
penetran en las carnes….en lo alto del palo mayor el muchacho es herido en el
hombro por un puñal mientras dispara al rostro de su agresor que se precipita
al vacío y después de rebotar en la barandilla cae al agua mientras el barco
encalla en la costa. Jim baja la temible bandera pirata y arría la inglesa……………<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><span style="mso-spacerun: yes;">
</span>Narcís Ribot i Trafí <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">(&)- Al
reponerse la película en Estados Unidos en 1975 se le amputaron varias escenas
consideradas de “excesiva violencia”. La edición en soporte DVD aparece en su
versión original, afortunadamente sin los cortes.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">El éxito del film
hizo brotar una secuela dirigida por el mismo Byron Haskin (producción
australiana, 1954): “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Long John Silver” (“Aventuras de John Silver</i></b>”),
de resultados más bien medianos, aparte de una miniserie para la TV
estadounidense en dos episodios.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Con personajes de
carne y hueso la Walt Disney logrará una obra maestra, la mejor adaptación de
una novela de Julio Verne (junto con “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Viaje al centro de la Tierra”,</i></b> de
Henry Levin, 1959): “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">20.000 leguas de viaje submarino”</i></b>
(1954), de Richard Fleischer.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<br /><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjjNSTN7CZ2ZYcVIewWmO5CdSQDf6Riy7pMvjMMyBnnHTHFzskb4Fg6Y6sjCpOwcufvsAy6ivFciTMKfj5DfM24xS8hqqQoR_ODZ2V544sn55hFMESQlYwiBub4kUatkWnevzybt7mDDGbw/s1600/nrstevenson.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="528" data-original-width="400" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjjNSTN7CZ2ZYcVIewWmO5CdSQDf6Riy7pMvjMMyBnnHTHFzskb4Fg6Y6sjCpOwcufvsAy6ivFciTMKfj5DfM24xS8hqqQoR_ODZ2V544sn55hFMESQlYwiBub4kUatkWnevzybt7mDDGbw/s320/nrstevenson.jpg" width="242" /></a></div>
<br />Narcíshttp://www.blogger.com/profile/08118936220217813153noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6384052752908304011.post-1821103841479287392019-11-28T07:45:00.001-08:002019-11-28T07:45:52.939-08:0020.000 LEGUAS DE VIAJE SUBMARINO” (RICHARD FLEISCHER, 1954)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEji0RbGCj9mFqKJZprgt8SoQQ1Uppi_lSi2_vkPYoPv4aV5hLZor0Hnn95VGv_urR67W0HOJsLaWuluTTKkxytPQ8kFKNmEfPL51KFQ98kiuE1EBgb7G7KUCtYppRTQl9OMco3QQedJ0d06/s1600/Twenty_thousand_leagues_under_the_sea.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="669" data-original-width="535" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEji0RbGCj9mFqKJZprgt8SoQQ1Uppi_lSi2_vkPYoPv4aV5hLZor0Hnn95VGv_urR67W0HOJsLaWuluTTKkxytPQ8kFKNmEfPL51KFQ98kiuE1EBgb7G7KUCtYppRTQl9OMco3QQedJ0d06/s320/Twenty_thousand_leagues_under_the_sea.jpg" width="255" /></a></div>
<br />
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 10.0pt; margin-left: 1.0cm; margin-right: 1.0cm; margin-top: 0cm; mso-line-height-alt: 7.5pt; text-align: justify;">
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-bidi-font-family: Cambria;">“Las
novelas de Verne son inigualables. Las leí de adulto y me emocionaron. Es un
maestro portentoso en el arte de tejer historias que fascinan y apasionan al
lector”. </span></i></b><span style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-bidi-font-family: Cambria;">(León Tolstoi)<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><o:p></o:p></i></b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 10.0pt; margin-left: 1.0cm; margin-right: 1.0cm; margin-top: 0cm; mso-line-height-alt: 7.5pt; text-align: justify;">
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-bidi-font-family: Cambria;">“ ...Por
eso, a la pregunta planteada hace seis mil años por el Eclesiastés, ¿Quien ha
podido sondear<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>jamás las profundidades
del abismo?, hay dos hombres y solo dos en el mundo, que ahora tienen el
privilegio de responder: el capitán Nemo y yo”.<span style="mso-spacerun: yes;">
</span></span></i></b><span style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-bidi-font-family: Cambria;">(Palabras del profesor Pierre Aronnax que cierran
la novela <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“20.000 leguas de viaje submarino”</i></b> de Julio Verne)</span><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><o:p></o:p></b></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-bottom: 10.0pt; margin-left: 1.0cm; margin-right: 1.0cm; margin-top: 0cm; text-align: justify;">
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;">I)- EL SUBMARINO</b><span style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-bidi-font-family: Cambria;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-bottom: 10.0pt; margin-left: 1.0cm; margin-right: 1.0cm; margin-top: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-bidi-font-family: Cambria;">En el ambiente de la
época y en la mente de muchos estaba la imagen de la navegación submarina
mediante un navío sumergible. Julio Verne (1828- 1905) recogió la idea, como en
otras ocasiones,<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>y escribió una
excelente novela sobre el tema en 1867: <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“Vingt Mille Lieus sous les Mers”</i></b> (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Veinte
mil leguas de viaje submarino</i></b>”). La “anticipación”, la originalidad en
Verne consiste en un submarino, el “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Nautilus</i></b>”, tan misterioso (aparece
de improviso en los mares lo cual hace pensar en un gigantesco cetáceo no
identificado que ataca y hunde buques) como rápido, cómodo y seguro, además, y
muy importante, se propulsa por una energía desconocida (¿atómica, eléctrica?),
hallazgo del capitán Nemo el cual además es el diseñador/creador del singular
navío. El genio de un entusiasmado e inspiradoVerne dio como fruto a una de sus
mejores y más leídas obras. Tan popular que el primer submarino de energía
nuclear del mundo construído por Estados Unidos en 1954 se le bautizó como “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Nautilus</i></b>”
en homenaje al gran escritor francés. Un año después --- con 97, 5 m. de largo,
7, 5 m. de calado, pintado de blanco y con el número de casco SSN-571 --- fue
botado y en 1957 consigue hacer bajo el mar 60.000 millas marinas, una
distancia igual a las 20.000 leguas de la novela (equivalente a unos 111.100
km.). Fue el primer submarino en llegar al Polo Norte (el “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Nautilus</i></b> de la novela
llega al Polo Sur)<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>y en 1980 se retiró
de la navegación funcionando como museo flotante en Groton (Connecticut). Antes
de Verne recordemos que se hablaba de un artefacto sumergible ideado por el
genio renacentista Leonardo da Vinci aunque él mismo destruyó los planos, en
1620 el científico holandés Cornelius J. Drebbel inventó un navío de madera
recubierto de cuero provisto de remos con el cual transportó a 12 remeros y
varios pasajeros en diversos viajes bajo el río Támesis (se le suministraba
oxígeno desde la superficie durante la inmersión) y el siguiente paso es un
submarino militar (en forma de huevo y con solo una persona) a cargo del
ingeniero estadounidense David Bushell en 1770: se le bautizó como “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">La
Tortuga</i></b>” la cual se desplazaba gracias a dos enormes mecanismos
semejantes a tornillos movidos manualmente (entraba agua en un tanque de lastre
para sumergirse y al ser expulsada por una bomba manual subía a la superficie
mientras unos lastres de plomo mantenían al navío en posición vertical; se
realizaron ensayos en 1775). Robert Fulton, inventor del barco a vapor,
construyó un sumergible de 6, 5 m (1796-1800) al que llamó “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Nautilus</i></b>”
(fue ofrecido a Napoleón pero lo rechazó) y sirvió de título e inspiración a
Julio Verne para su novela. La nave era de forma parecida a los submarinos
actuales con las novedades de timones horizontales y verticales además de aire
comprimido como oxígeno para la inmersión. Durante la guerra de la
independencia de Estados Unidos y, más adelante, la guerra de Secesión
americana se usaron esporádicamente varios sumergibles. Ya antes, a partir de
la segunda mitad del siglo XIX se hicieron numerosos ensayos para perfeccionar
la navegación bajo el agua: aquí es cuando surgen los españoles Isaac Peral
(motor eléctrico nutrido por unos acumuladores ideados por él mismo) dado a
conocer en 1885 y, anteriormente, Narcís Monturiol inventó un sistema de
propulsión a vapor en su segundo submarino, el “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Ictíneo</i></b>”. Entre ellos dos
se encuentra otro español, frecuentemente olvidado: Cosme García Sáez el cual
llegó a construir dos submarinos, el primero era un cilindro de metal con
varios depósitos adosados (entrada- salida del agua como lastre para bajar
-subir a la superficie) y el segundo --- avance en la mejora técnica --- podía
alojar a dos personas, patentado en París como el “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Garcibuzo</i></b>” en 1860, mismo
año de la primera prueba en el puerto de Alicante y (pilotado por el inventor y
su hijo) permaneciendo 45 minutos sumergido. Al negarsele la subvención y
desentenderse el gobierno de Isabel II del hallazgo, el descubridor quedó
sumido en la pobreza. El caso de Cosme García Sáez y el hecho de que Peral y
Monturiol obtuvieron bastante rechazo (y hostilidades en alguna ocasión) a
causa de sus descubrimentos renueva la leyenda negra de continua batalla entre
la España oficial (ista) --- mande quien mande --- y los inventores obligados,
en numerosas ocasiones, a emigrar al extranjero y después lamentarlo aquí...</span><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><o:p></o:p></b></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-bottom: 10.0pt; margin-left: 1.0cm; margin-right: 1.0cm; margin-top: 0cm; text-align: justify;">
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;">II)- LA NOVELA</b><span style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-bidi-font-family: Cambria;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-bottom: 10.0pt; margin-left: 1.0cm; margin-right: 1.0cm; margin-top: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-bidi-font-family: Cambria;">Al escribir “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">20.000
leguas de viaje submarino</i></b>” Verne señala un invento ya totalmente
consolidado y movido por una energía, gracias al genio del capitán Nemo, la
cual se descubrirá en un futuro. También es original la misteriosa tripulación
del <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Nautilus</i></b>
procedente de todos los paises, quienes no contestan a las preguntas del
profesor Aronax al subir al submarino (guardan silencio) a pesar de dirigirse a
ellos en francés y en inglés --- la aparición de Nemo dará la respuesta a los
tres naúfragos y al lector --- puesto que hablan entre ellos un idioma
desconocido (años antes de la creación real del esperanto y del volapuk) además
del papel jugado por la electricidad presente en el navío --- antes que Zénobe
Gramme descubriera la dinamo --- y la cantidad de palancas en la sala de mandos
preconizantes del submarino real en un futuro. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-bottom: 10.0pt; margin-left: 1.0cm; margin-right: 1.0cm; margin-top: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-bidi-font-family: Cambria;">En plena gestación de la
obra (comenzada en 1867, publicada en 1870) apareció en el periódico “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Petit
Journal</i></b>” a finales de 1867 una novela por entregas, “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Viaje
bajo las olas</i></b>” del Dr. Rengade, utilizando el pseudónimo de Aristide
Roger, la cual era un claro plagio de la obra de Verne (en este momento era ya un
escritor con bastante o mucha reputación), quien llegó a protestar publicamente
al director del periódico en una carta. A pesar de todo “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Viaje bajo las olas”</i></b>
conoció varias reediciones. Aquí el sabio capitán se llamaba Trinitus en lugar
de Nemo y el submarino maravilloso era el “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Relámpago</i></b>” en vez del “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Nautilus</i></b>”
pero diez años después la fama de Nemo/Nautilus hundió totalmente al
Trinitus/Relámpago. La historia del original “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Quijote</i></b>” de Miguel de
Cervantes y el “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Quijote</i></b>” de Alonso Fernández de Avellaneda (probablemente un
pseudónimo) se repitió.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-bottom: 10.0pt; margin-left: 1.0cm; margin-right: 1.0cm; margin-top: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-bidi-font-family: Cambria;">Mientras escribía Verne
cambió varias veces el título: “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Viaje bajo las aguas</i></b>”, “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Viaje
bajo los océanos</i></b>”, “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">25.000 leguas bajo los mares</i></b>” y,
finalmente, “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">20.000 leguas de viaje submarino</i></b>”. La idea original del autor era
que el capitán Nemo (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Nemo</i></b>” en latín = “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Nadie</i></b>”,
respuesta de Ulises/Odiseo al cíclope Polifemo en “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">La Odisea</i></b>” de Homero)
fuera un patriota polaco con su pais terriblemnte reprimido por el zar ruso
Alejandro II pero el editor de Verne, Pierre- Jules Hetzel, le recordó las
buenas relaciones de la Rusia zarista con el gobierno de Napoleón III y le hizo
cambiar. En “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">20.000 leguas de viaje submarino</i></b>” solo sabemos de él como un
hombre amargado que perdió a sus seres queridos (esposa, hijos) y su venganza
no es solo contra la nación responsable (intuimos que es Inglaterra) sino
contra toda la humanidad. Será en su próxima novela, “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">L’ile mysterieuse</i></b>” (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">La
isla misteriosa</i></b>”, publicada en 1874) cuando Verne nos revele la
identidad de Nemo: en realidad un príncipe hindú llamado Dakkar.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-bottom: 10.0pt; margin-left: 1.0cm; margin-right: 1.0cm; margin-top: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-bidi-font-family: Cambria;">La historia comienza en
1866: se habla de un monstruo marino provisto de un espolón que hunde barcos
(más bien de guerra) o los avería seriamente (preferentemente de carga o
pasajeros). Una fragata americana es elegida para acabar con esta especie de
narval. Un choque tremendo con el presunto animal hace caer al agua al profesor
francés Pierre Aronax (es el narrador en primera persona), especializado en
Historia Natural, su criado Conseil (Consejo) y el arponero canadiense Ned Land
los cuales descubren que el supuesto cetáceo es una nave sumergible,
conociendo, más tarde, al capitán Nemo quien les concede un refugio a bordo
pero no les deja ir puesto que él y su obra han de permanecer en secreto. Nemo
ha roto prácticamente con tierra firme: todo alimento lo extrae del mar,
incluso sus cigarros puros son elaborados con algas marinas. El Nautilus
navegará primero por aguas del Pacífico (pesca submarina en los bosques
sumergido de la isla de Crespo), después el estrecho de Torres (Nueva Guinea-
Australia), entran en el Índico (contemplan la pesca de perlas en Ceilán), la
costa arábiga, túnel subterráneo bajo el canal de Suez, costas de Grecia, en
dos días cruzan el Mediterráneo y penetran en el Atlántico, llegan a la bahía
de Vigo y después rumbo al Sur, ven los restos de la mítica Atlántida, el
continente perdido que unía África con América para llegar a los mares
antárticos, luchas con los hielos y rumbo al Norte hasta llegar a las costas de
Noruega y colocar Nemo (¿intencionadamente?) su navío en el gigantesco remolino
del Maelstrom (1). Solo sobrevirán Aronax, Conseil y Ned Land gracias a haber
escapado en canoa un tiempo antes y en un efecto extraño rebotar como una
peonza ...</span><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><o:p></o:p></b></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-bottom: 10.0pt; margin-left: 1.0cm; margin-right: 1.0cm; margin-top: 0cm; text-align: justify;">
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;">III)- LA PELÍCULA</b><span style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-bidi-font-family: Cambria;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-bottom: 10.0pt; margin-left: 1.0cm; margin-right: 1.0cm; margin-top: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-bidi-font-family: Cambria;">La Walt Disney
Productions presentó en 1954 <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“Twenty Thousand Leagues Under the Sea</i></b>”
(“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">20.000
leguas de viaje submarino</i></b>”), dirigida por Richard Fleisher e
interpretada por James Mason (capitán Nemo), Paul Lukas (profesor Aronax), Kirk
Douglas (Ned Land) y Peter Lorre (“Consejo”). La elección no pudo ser mejor. En
verdad el cuarteto interpretativo principal brilla a gran altura especialmente
James Mason el cual asimismo encarnó al profesor Lidenbrock en la también
verniana “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Viaje al centro de la Tierra”</i></b> (Henry Levin, 1959), o sea en las
dos mejores transcripciones del escritor a la pantalla. La dirección fue
encomendada al hasta entonces no muy conocido <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">RICHARD FLEISCHER</b> (1916- 2006) --- hijo de Max Fleischer,
realizador de animación y creador de las series de <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Betty Boop</i></b> y <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Popeye</i></b>
--- quien había empezado en la serie B especialmente en films de cine negro (2)
y con <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“20.000 leguas...”</i></b> se encontrará con un presupuesto más holgado
y también con “la película de su vida”. Con la esperanza de detenernos con él
en otra ocasión recordemos varios films suyos memorables: “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Viaje alucinante”</i></b> (un
submarino reducido al tamaño de una bacteria circulando por un cuerpo humano
para intentar curarle una herida de bala; una gran obra de Ciencia- Ficción), “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Hasta
que el destino nos alcance”, “El estrangulador de Boston”, “Los vikingos”, “El
estrangulador de Rillington Place”, “Duelo en el barro”, “Tora!, Tora!, Tora!”,
“El extravagante Dr. Dolitte”, “Barrabás”, “Conan el destructor”, “Red Sonja”</i></b>,
etc. Siendo un “todo terreno”, la elección de los planos, la buena combinación
de la interpretación y la técnica y la suerte de sus éxitos en taquilla<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>+ crítica de varias cintas suyas dan al hábil
Richard O. Fleischer (como firmaba sus obras al inicio de su carrera y durante
algunos años) el título indiscutible de gran realizador con un legado de films
muy interesantes y casi siempre atractivos. Aquí contó con un excelente elenco
de actores, de un magnífico equipo técnico y se rodó en Cinemascope lo cual
ofreció al espectador una serie de secuencias submarinas desbordantes y
espectaculares con escenas rodadas al estilo documental incidiendo en la vena
didáctica propuesta en las páginas de Verne. Posee una vitalidad visual y
narrativa (en el subyugante Technicolor de la época). La película es narrada
con voz en off también por el profesor Aronax en los lugares donde nos es
situada la historia. Prácticamente todo el film brilla a gran altura: el <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Nautilus
</i></b>diseñado por Harper Goff para la película (un auténtico hallazgo)
mientras que el interior estaba diseñado al estilo de un hogar pequeño burgués
victoriano y las estancias en donde predominaba lo metálico y en los pasillos
eran de estilo modernista antes de que apareciera este movimiento artístico
(año 1866 en el cual transcurre la historia) pero entrañablemente adecuado, la
nítida fotografía de Franz Planer, la preciosa dirección artística de John
Meehan y Emile Kuri quienes recibieron un Oscar (1954) así como otro por los
mejores efectos especiales para la Walt Disney Studios y una candidatura al
Oscar para Elmo Williams como el mejor montaje. La música, bastante acertada,
era de Paul J.Smith y el guión de Earl Fenton difería en algunos puntos y
situaciones con la novela pero era fiel absolutamente a ella en el espíritu
verniano. Todo la técnica junto con la interpretación perfectamente conjuntadas
por Fleischer.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-bottom: 10.0pt; margin-left: 1.0cm; margin-right: 1.0cm; margin-top: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-bidi-font-family: Cambria;">Antes de este clásico
podríamos decir que la historia vio luz en el incipiente cine con “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">20.000
Leagues Under the Sea”</i></b>, de Wallace McCucheon (1905), cinta totalmente
perdida y dos años después con “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">20.000 Lieus Sous les Mers</i></b>” (Francia,
1907), del gran Georges Méliès que nada tenía a ver con la historia de Verne,
solo una fantasía onírica de un pescador en sueños. Stuar Paton adaptaba
libremente la historia para la compañía Universal (1915), mismo título que el
film extravíado de 1905, con Allen Holubar como capitán Nemo, y otras libres
adptaciones del personaje de Nemo en “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">La ciudad de oro del capitán Nemo”</i></b>,
excelentemente dirigida por James Hill (1969) y “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Viaje a la Atlántida del capitán
Nemo”</i></b> (1977), de Alex March (1977), bastante irregular (buenas escenas
y otras mediocres) además de las transcripciones de “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">La isla misteriosa</i></b>” en
donde aparece también el personaje de Nemo. Hay otra versión (para la TV de
Estados Unidos) de “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">20.000 leguas</i></b> ...”, de Roy Hardy (1997) protagonizada por Michael
Caine. Vi algunas escenas en un pase televisivo que no están mal pero son
incomparables con el film de Fleischer.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-bottom: 10.0pt; margin-left: 1.0cm; margin-right: 1.0cm; margin-top: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-bidi-font-family: Cambria;">El vocacional profesor
Aronax queda atraído por la ciencia del capitá Nemo, se harán amigos a pesar
que en ocasiones estén en desacuerdo; Ned Land es bastante inculto, mujeriego y
borracho, en cierto sentido la antítesis de Nemo a quien hará perder la
paciencia en más de una ocasión aunque en otra le salvará la vida jugándose la
suya (el ataque del calamar gigante) mientras el criado “Consejo” es siempre
fiel al profesor Aronax aunque finalmente haga causa común con Ned Land porqué
cree que su amo, apasionado por la ciencia de su anfitrión, ha perdido la
personalidad y se ha convertido en otro Nemo. Veamos algunas diferencias
novela/guión:<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-bottom: 10.0pt; margin-left: 1.0cm; margin-right: 1.0cm; margin-top: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-bidi-font-family: Cambria;">--- En el film no aparece
el capítulo en donde el “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Nautilus</i></b>” pasa apuros al ser
atrapado bajo los hielos del Polo Sur --- <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-bottom: 10.0pt; margin-left: 1.0cm; margin-right: 1.0cm; margin-top: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-bidi-font-family: Cambria;">--- Tampoco está el del
ataque del submarino a los cachalotes con el espolón para salvar a un rebaño de
ballenas ---<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-bottom: 10.0pt; margin-left: 1.0cm; margin-right: 1.0cm; margin-top: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-bidi-font-family: Cambria;">--- La foca “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Esmeralda</i></b>”
a bordo del submarino no existe en la novela, es invento del guionista. Hará
muy buenas migas con Ned Land y se salvará con los tres hombres cuando Nemo
decida “suicidarse” con toda su tripulación ---<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-bottom: 10.0pt; margin-left: 1.0cm; margin-right: 1.0cm; margin-top: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-bidi-font-family: Cambria;">--- En el libro Nemo
acerca su nave al remolino gigante llamado Maelstrom. En la película el <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Nautilus</i></b>
desaparece después de una explosión provocada por Nemo en su propia base (la
isla Vulcania) al ser descubierto por sus enemigos ---<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-bottom: 10.0pt; margin-left: 1.0cm; margin-right: 1.0cm; margin-top: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-bidi-font-family: Cambria;">--- Solamente aparece un
calamar gigante en el film, varios en el libro. Probablemente un <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Arxiteuthis
dux</i></b> (especie más identificable de este cefalópodo gigante) o un <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Mesonychoteutis
hamiltoni</i></b> (conocido como “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">calamar colosal</i></b>” para diferenciarlo
del <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Architeuthis</i></b>)
los cuales pueden llegar a medir de 10 a 17 m. y muchos científicos creen que
algún ejemplar de “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">calamar colosal</i></b>” puede alcanzar los 30 m. ---<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-bottom: 10.0pt; margin-left: 1.0cm; margin-right: 1.0cm; margin-top: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-bidi-font-family: Cambria;">Hay algún detalle más
pero Fleischer sabe extraer al máximo --- mediante la planificación (aquí
reside uno de sus méritos más destacables) --- la psicología de los personajes
vernianos basándose esepecialmente en un contraste dual:<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-bottom: 10.0pt; margin-left: 1.0cm; margin-right: 1.0cm; margin-top: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-bidi-font-family: Cambria;">--- “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Bajo el mar el hombre no tiene
poder, no hay maldad</i></b>”, dice Nemo ---<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-bottom: 10.0pt; margin-left: 1.0cm; margin-right: 1.0cm; margin-top: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-bidi-font-family: Cambria;">--- Cuando los tres
naufragos ponen el pie en el <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Nautilus</i></b> observan un entierro bajo
el mar, entre corales; la extraña mirada de “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Consejo</i></b>” no tiene
correspondencia, será necesario que el científico Aronax mire también por el
ojo de buey para que el realizador (mediante cuatro planos) muestre la
ceremonia fúnebre submarina (un tripulante del <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Nautilus </i></b>muerto por
accidente) ---<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-bottom: 10.0pt; margin-left: 1.0cm; margin-right: 1.0cm; margin-top: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-bidi-font-family: Cambria;">--- En otra ocasión
Aronax contempla el mar desde un ojo de buey. Flescher planifica como si el mar
contemplara dentro del submarino al sorprendido profesor ---<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-bottom: 10.0pt; margin-left: 1.0cm; margin-right: 1.0cm; margin-top: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-bidi-font-family: Cambria;">--- La cultura: Nemo toca
al órgano del salón la más famosa de las cuatro “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Tocata y fuga</i></b>” de Juan
Sebastian Bach (en re menor, BWV 565) delante la vulgaridad (plano
contrapuesto) de Ned Land fabricándose una guitarra con la cual tocará la
repelente cancioncilla que canturreaba al inicio del film en aquella escena de
los muelles (cuyo desarrollo hace parecer al principio que estamos ante un
western). Al desprecio material de Nemo el cual detesta el oro y las joyas
delante la ambición de Ned (la guitarra servirá para esconder joyas) ---<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-bottom: 10.0pt; margin-left: 1.0cm; margin-right: 1.0cm; margin-top: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-bidi-font-family: Cambria;">--- En otra genial
contraposición de planos Ned salva la vida a Nemo en doble ocasión al ser
apresado por el calamar gigante (en la novela es el capitán quien salva la vida
al arponero canadiense), Nemo finalmente da las gracias a Ned y este dice que
va a emborracharse ---<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-bottom: 10.0pt; margin-left: 1.0cm; margin-right: 1.0cm; margin-top: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-bidi-font-family: Cambria;">--- El carácter triste y
melancólico de Nemo y la curiosidad científica del profesor Aronax contrastan
con el carácter alegre y algo ingenuo de Ned a quien se le unirá <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Consejo</i></b>
para buscar una seguridad que no encuentra en su amo ---<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-bottom: 10.0pt; margin-left: 1.0cm; margin-right: 1.0cm; margin-top: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-bidi-font-family: Cambria;">--- La antipatía
manifiesta entre Ned y el segundo de<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>a
bordo que acabará en lucha cuerpo a cuerpo al final cuando este quiere retener
a la fuerza a los tres pasajeros y morir con el capitán y toda la tripulación
cal llevar Nemo el navío hacia la destrucción. El arponero canadiense logra
vencer y ante el deseo de Aronax de volver tras sus pasos para recuperar los
apuntes olvidados en su camarote le golpea fuertemente, se lo carga a la
espalda y le lleva inconsciente pero a salvo al bote. Cuando el profesor
recupera el sentido Ned le pedirá disculpas por el golpe que, a pesar de todo,
le ha salvado la vida pero no había tiempo ya para nada más---<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-bottom: 10.0pt; margin-left: 1.0cm; margin-right: 1.0cm; margin-top: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-bidi-font-family: Cambria;">--- El tranquilo mundo
submarino observado bajo las aguas se contrapone a la turbulencia de las
tempestades desencadenadas sobre la superficie marina ---<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-bottom: 10.0pt; margin-left: 1.0cm; margin-right: 1.0cm; margin-top: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-bidi-font-family: Cambria;">--- Nemo vive solamente
por y para el mar, toda su alimentación es pesca o cultivo marino. Rechazo
total a la tierra. Esta es su forma de entender la libertad y ejecutar su
venganza. Ned Land es también un hombre de mar pero desea la libertad que
conseguirá si puede llegar a tierra firme mientras “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Consejo</i></b>” duda en casi
todos los momentos y el profesor no piensa en la libertad solo en aprender más
(quizás solo lo haga al final de la obra) y acrecentar sus conocimientos
científicos ---<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-bottom: 10.0pt; margin-left: 1.0cm; margin-right: 1.0cm; margin-top: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-bidi-font-family: Cambria;">Podríamos decir a modo de
conclusión que <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“20.000 leguas de viaje submarino</i></b>” es una gran película, uno de
los mejores films de la historia del cine ...<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-bottom: 10.0pt; margin-left: 1.0cm; margin-right: 1.0cm; margin-top: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-bidi-font-family: Cambria;"><span style="mso-spacerun: yes;">
</span>Narcís Ribot i Trafí<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-bottom: 10.0pt; margin-left: 1.0cm; margin-right: 1.0cm; margin-top: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-bidi-font-family: Cambria;">1)- Se llama <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Maelstrom</i></b>
a un gran remolino situado ante las costas del archipiélago de las Lofoten
(costas meridionales de Noruega), exactamente entre las islas Sorland y Vaeroy.
Se forma por el choque de corrientes y contracorrientes de unos 18 km. Además
de Julio Verne hay también un relato de Edgar Allan Poe (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Descenso al Maelstrom</i></b>”)
en donde aparece el famoso remolino.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-bottom: 10.0pt; margin-left: 1.0cm; margin-right: 1.0cm; margin-top: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif; mso-bidi-font-family: Cambria;">2)- Adquirí un pack sobre
cinco films (cine negro para R. K. O.) de Richard Fleischer pertenecientes a su
primera época, antes de su reconocida y merecida fama. Dentro de su limitado
presupuesto son unas películas muy bien realizadas y aprovechadas en donde se
auguraba ya su profundo conocimiento cinematográfico. Los títulos son: “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Bodyguard</i></b>”
(1948, nunca estrenada comercialmente en España), “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">The Clay Pigeon</i></b>” (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Acusado
de traición</i></b>”, 1949), “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Follow My Quietly”</i></b> (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Ven
tras de mí</i></b>”, 1949), “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Armored Car Robbery</i></b>” (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Asalto
al coche blindado</i></b>”, 1950) y “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">The Narrow Margin</i></b>” (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Testigo
accidental</i></b>”, 1952).<o:p></o:p></span></div>
<br /><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjj_trGeRkZ0uYp5opKWH3YlKdYDEcodaeK132K22HK7Zd_f5lBRQWFSuZpv2lJNCNn2kHFSq4W_4v4p26xTuHyq0qiwP2vmrkc2Jtt4Tju1bReWkUjqSfp55CsRdJJzI29mPDLr3F9y88U/s1600/20000+LEGUAS.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="588" data-original-width="980" height="191" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjj_trGeRkZ0uYp5opKWH3YlKdYDEcodaeK132K22HK7Zd_f5lBRQWFSuZpv2lJNCNn2kHFSq4W_4v4p26xTuHyq0qiwP2vmrkc2Jtt4Tju1bReWkUjqSfp55CsRdJJzI29mPDLr3F9y88U/s320/20000+LEGUAS.jpg" width="320" /></a></div>
<br />Narcíshttp://www.blogger.com/profile/08118936220217813153noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6384052752908304011.post-7207412015844101972019-11-18T11:27:00.000-08:002019-11-18T11:29:48.584-08:00TIBURON (STEVEN SPIELBERG, 1975)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiBkt5IjTaqahyxMijMPx8E8XEwkU9jW9LxFSCDJbJKKCuVFKxzOnqnkmQstTLiulb0ik4MYFXHtGlHcadm8qw-CYCaoRuo8oKyN10h70CZP7O5uWd3KfETdl52F56WoY-AIG_CAdZYiTYN/s1600/StevenSpielberg-Tiburon.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="498" data-original-width="748" height="213" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiBkt5IjTaqahyxMijMPx8E8XEwkU9jW9LxFSCDJbJKKCuVFKxzOnqnkmQstTLiulb0ik4MYFXHtGlHcadm8qw-CYCaoRuo8oKyN10h70CZP7O5uWd3KfETdl52F56WoY-AIG_CAdZYiTYN/s320/StevenSpielberg-Tiburon.jpg" width="320" /></a></div>
<br />
<br />
<div class="MsoNormal">
<b><span lang="ES" style="font-family: "times new roman" , serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">ESCRITO EN SEPTIEMBRE- 2011. PUBLICADO EN
FORUM UNIVERSITAS Y DIARIO DE CINE.</span></b><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span lang="ES" style="font-family: "times new roman" , serif; font-size: 14.0pt; line-height: 115%;"><o:p></o:p></span></i></b></div>
<div class="MsoNormal" style="mso-line-height-alt: 10.0pt; text-align: justify;">
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span lang="ES" style="font-family: "times new roman" , serif; font-size: 14.0pt;">“Sr.
Vaughn, estamos ante una máquina perfecta, un auténtico milagro de la
evolución. Y lo único que hace esta máquina es comer, nadar y procrear
tiburoncitos, nada más”</span></i></b><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span lang="ES" style="font-family: "times new roman" , serif; font-size: 12.0pt;">. </span></i></b><span lang="ES" style="font-family: "times new roman" , serif; font-size: 12.0pt;">(El ictiólogo Matt
Hooper intentando hacer entender al alcalde de Amity que cierre las playas por
la presencia de un peligroso tiburón que ya ha causado tres muertes entre los
bañistas y navegantes. “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Tiburón</i></b>”, de Steven Spielberg).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="mso-line-height-alt: 10.0pt; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "times new roman" , serif; font-size: 12.0pt;">Con “<b><i>TIBURÓN</i></b>”
he querido que siga a “<b><i>EL DIABLO SOBRE RUEDAS</i></b>” porqué son los dos
films de Steven Spielberg que más me gustan.<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><o:p></o:p></i></b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span lang="ES" style="font-family: "times new roman" , serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%;">“El
mar, que gran tema para hablar, para escribir, para cantar…”</span></i></b><span lang="ES" style="font-family: "times new roman" , serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%;">,
rezaba una propaganda televisiva, creo que con interés hacia el turismo, hace
muchos años, más de los que puedo recordar. Y se podría añadir más. El mar ha
estado presente en todas las artes, desde la pintura (recordemos las famosas
“marinas”) hasta la literatura…. también en el cine. El mar es un mundo dentro
de otro mundo, al oír la palabra puede evocarnos la gran belleza contenida, el
interés hacia lo científico, la sabiduría de los profesionales, especialmente
si cuentan con muchos años, la cultura (popular inclusive) que desprende y, a
la vez, la atracción hacia misterios irresolubles, al menos de momento, para el
ser humano y terror, también…. Una película de 1975 que batió records de
taquilla a su vez basada en una novela, también millonaria en ventas, nos hizo
despertar este terror instintivo hacia las profundidades o lo que pueda surgir
de ellas. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "times new roman" , serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%;">La
novela se escribió un año antes (1974) de la película. Nunca hubiera imaginado
PETER BENCHLEY que su mediana novela, su primer libro, se convirtiera en un
best- seller. Al tener un imprevisto éxito comercial y popular llamó la
atención de los productores cinematográficos Richard Zanuck y David Brow para
hacer la correspondiente versión cinematográfica.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "times new roman" , serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%;"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span>Peter Bradford Benchley (Nueva York 1940- id.
2006) procedía de familia de literatos: su padre, Nathaniel Benchley era
también escritor y su abuelo, Robert Benchley fue un reputado actor, periodista
y escritor. Interesado en los temas del mar, escribió en el <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Washington
Post</i></b>, en <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">National Geografic</i></b><span style="mso-spacerun: yes;"> </span>y en
la revista <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Newsweek</i></b> donde, con el tiempo, llegó a ser editor, combinando
con su otra tarea de escribir discursos políticos en la Casa Blanca. Después
del éxito de “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Jaws</i></b>” (literalmente “Fauces”, “Mandíbulas”, título original
también para la película) Benchley escribió una docena más de obras entre
ficción y divulgación, siempre sobre el océano, su tema predilecto aparte de
ser miembro destacado de la asociación ecologista. De estas otras obras
recuerdo “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">The Deep” (“Abismo</i></b>”, 1976) y “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">The Island” (“La isla</i></b>”,
1979), ambas con versiones cinematográficas.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "times new roman" , serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%;">“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Jaws”
(“Tiburón</i></b>”) “fue la primera novela donde el protagonista es un pez” nos
dice el autor. En Amity, una isla cerca de la costa que vive esencialmente del
turismo a punto de empezar la temporada de verano, aparecen en la playa los
restos de una muchacha, devorada por un tiburón. La prensa y las autoridades,
especialmente el alcalde, deciden guardar secreto para no espantar al turismo y
perder los negocios. A los pocos días se ve un enorme pez que ataca un
muchacho. Un pescador, el jefe de policía y un experto en tiburones inician la
cacería del tiburón aunque la bestia marina se convertirá también en
cazador…..Este es el esquema traspasado al film.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "times new roman" , serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%;">Naturalmente
Benchley escogió el tiburón blanco <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">(Carcharodon carcharias)</i></b>,
considerado el más peligroso para el ser humano, el que más víctimas mortales
ha ocasionado para protagonizar su historia. Es curioso que de las más de 360
especies de escualos clasificadas en la actualidad, los grandes tiburones en
tamaño como el tiburón- ballena (<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Rhiniodon typus</i></b>), el pez más grande
del mundo que puede llegar a los 15 metros, o el tiburón peregrino (<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Cethorinus
maximus),</i></b> 10-12 metros, son totalmente inofensivos para el ser humano;
en realidad se conocen unas 25 especies que han atacado al hombre siendo unas
cuatro o cinco declaradas extremadamente peligrosas.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "times new roman" , serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%;">Por
su parte, STEVEN SPIELBERG (1946) triunfó económicamente en su carrera, sus
inversiones como productor y su fama acrecentada tras “<b><i>Tiburón”</i></b> como
realizador casi siempre le hicieron millonario y por ello es nombrado como “El
rey Midas de Hollywood”. Me ha interesado un Spielberg de “<b><i>Tiburón</i></b>”
o de su ópera prima, “<b><i>Duel</i></b>” (“<b><i>El diablo sobre ruedas</i></b>”,
1971), según una historia de<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>Richard
Matheson (autor, entre otras, de la famosa novela “<b><i>Soy leyenda</i></b>”,
con tres adaptaciones cinematográficas a sus espaldas). Más adelante Spielberg
se convertirá en un gran conocedor y técnico de los efectos especiales,
apareciendo como el “Papá Noel” que nos sirve unos trucajes (a veces
innecesarios) como repostería esperada en cada fiesta por sus numerosos fans. Su
vampirización de versiones aventureras del cine de antaño más la acumulación de
espectaculares efectos le llevará a crear la --- para mi --- empalagosa serie
de Indiana Jones tan (mal) copiada en infinidad de ocasiones por otros que
carecen de su habilidad, consistente en presentar sorpresa mediante efectos
especiales (manejados por él a la perfección, repito) --- la innovación, la
originalidad ha de venir, más que de los efectos espectaculares y deslumbrantes
o de un tema exótico interesante en principio, de la puesta en escena creada
por el realizador, es decir la planificación --- y su destreza en colocar bien
los adecuados planos, ordenados uno detrás de otro para la circulación fluida
de la exposición narrativa cinematográfica aunque sobre esto algunos
considerados artesanos del cine antiguo (Richard Thorpe, George Sherman, Nathan
Juran, p. e., y etc.) también lo hacían, logrando en alguna ocasión obras de
incuestionable valía y de primera magnitud. Vendrán niños que proyectan su
sensibilidad sobre extraterrestres (“<b><i>E.T., el extraterrestre</i></b>”,
1982), remakes acaramelados de historias animadas (“<b><i>Hook</i></b>”, 1992)
y otras obras donde Spielberg lima las aristas para convertirse en “familiar”
y, por lo tanto, con cierta garantía de éxito comercial. Dará intermitentemente
obras, fantásticas o no, con cierto interés (“<b><i>Parque Jurásico”</i></b>,
1993) --- en el momento de escribir estas líneas está pendiente de estreno “<b><i>Las
aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio”</i></b> (2011), de personajes
animados (*), que espero con gran atención por ser yo un seguidor del personaje
de Hergé --- pero mi Spielberg preferido es, como he dicho, el de su primera
etapa, el corrosivo con el orden humano existente, el Spielberg más arriesgado
quizás sin estar tanto pendiente de la respuesta taquillera.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "times new roman" , serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%;">La
novela de Benchley (basada en agresiones de escualos a seres humanos,
especialmente unos ataques continuos a bañistas en Nueva Jersey en 1916 citados
en el film), “ni mejor ni peor que otras que dieron origen a grandes
superproducciones cinematográficas”, como dice<span style="mso-spacerun: yes;">
</span>Ángel Sala en su completo y documentado libro (1), interesó como tema a
los productores Zanuck y Brown y después al propio Spielberg pero haciendo
varios cambios. En el libro hay subtramas farragosas que en muchas ocasiones
entorpecen la narración: mafias conectadas con los dirigentes de la ciudad,
historias de adulterios y unos personajes en su totalidad hoscos y antipáticos,
sin poder simpatizar/identificarse con el lector o espectador (caso de haberse
hecho una transcripción literal). Benchley elaboró tres borradores para la
adaptación cinematográfica de su propia novela para ser Carl Gottlieb
(guionista y realizador) el redactor definitivo del guión. Gottlieb interpreta
en la película a Ben Meadows de la prensa local y Peter Benchley tiene un
pequeño papel como reportero de TV. También participó Rodney Cox, campeón de
pesca submarina que en 1963 fue atacado por un tiburón blanco<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>y llevaba en su cuerpo casi quinientos puntos
de sutura…….<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "times new roman" , serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%;">Existen
bastantes diferencias libro- película redundando a favor del trabajo de
Spielberg y su equipo. Citemos algunas.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "times new roman" , serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%;">---
El personaje del pescador Ben Gardner cuya lancha es descubierta volcada y
destrozada por el tiburón y allí solo se encuentra un enorme diente del
escualo, él ha desaparecido, intuimos devorado por el tiburón; la barca es
encontrada por el jefe<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>Martin Brody y su
ayudante Hendriks, luego el policía hablará con Sally, la viuda del pescador
(novela). En el film son Brody y Matt Hooper quienes descubren la lancha, el
oceanógrafo se sumerge y se produce el susto más grande de la película: en una
hendidura surge la cabeza mutilada y seccionada de Gardner haciendo perder el
diente que Hooper había encontrado mientras la viuda no aparece en absoluto ---<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "times new roman" , serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%;">---
Vemos a Quint por primera vez en su barco hablando del tiburón (novela), en el
celuloide hace su aparición en el ayuntamiento para ofrecerse por la captura
del pez en la secuencia donde rasca la pizarra con las uñas para atraer la
atención de todos ---<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "times new roman" , serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%;">---
Más similitud tiene la muerte del niño Alex Kintner con la diferencia de que el
policía Brody no está en la playa y es él quien comunica a la madre el terrible
suceso<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>(novela) mientras que en el film
la señora Kintner se entera por los periódicos de la existencia de otra víctima
(la muchacha Chrissie Watkins en el inicio) y abofetea a Brody delante de todos
y del tiburón- tigre (2) capturado por Ben Gardner que casi todo el mundo hace
responsable de los ataques, menos Hooper (mide la boca y ve la no coincidencia)
y Quint que pasa delante del muelle con su lancha y sonríe (su profesionalidad
y experiencia le dice que aquel no es el tiburón tan buscado) ---<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "times new roman" , serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%;">---
El director del periódico de Amity, Ben Meadows<span style="mso-spacerun: yes;">
</span>(aparición fugaz, interpretado por el guionista Carl Gottlieb) tiene
mucha más importancia en el libro, él es quien llamará al entendido Hooper y no
Brody que lo hará en la película ---<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "times new roman" , serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%;">---
No hay en la película las redes mafiosas que involucran a varios políticos
corruptos, principalmente el alcalde Larry Vaughn, un tipo elegante que en el
film es un egoistón algo hortera (como señala Ángel Sala), una máquina de
calcular y hacer dinero por encima de todo con un lamentable nivel cultural
aunque en ambos medios el personaje quiera silenciar y negar la existencia del
enorme escualo<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>(fue interpretado<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>por Murray Hamilton, excelente como el resto
de la plantilla, repitiendo su rol, como otros, en “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Tiburón II”,</i></b> de Jeanot
Szwarc, tres años después) ---<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "times new roman" , serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%;">---
No existe adulterio entre Ellen, esposa de Brody y el oceanógrafo Matt Hooper
en el film, lo cual es un gran acierto: solo los tres hombres (Brody, Hooper y
Quint) contra la bestia---<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "times new roman" , serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%;">---La
secuencia del 4 de julio difiere: en el original literario se produce el ataque
a un muchacho que logra salvarse mientras Hooper vigila usando la lancha del
desparecido Ben Gardner. En la película unos niños hacen una broma con una
aleta de madera logrando asustar a toda la playa para a continuación aparecer
el tiburón que vuelca una barca y devora a su joven ocupante y marcharse
pasando por el lado de una barca de niños también volcada por la onda expansiva
(donde está Micke, el hijo de los Brody) sin hacerles ningún caso ---<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "times new roman" , serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%;">---
Incluso en el aspecto físico hay diferencias: La Ellen Brody del libro es más
joven y menos inteligente que la del film; el jefe Brody parece en ocasiones
como blanco de todas las desgracias mientras que en la película es alguien con
mucho miedo y que deberá espabilarse por la supervivencia (siendo derrotados
por el escualo el pescador Quint y el científico Hooper, será un hombre que
tiene miedo al mar, Brody, quien acabe con el monstruo); Quint es más atlético
y totalmente calvo con odio hacia los tiburones siendo el mar para él un medio
de vida; Hooper es de las mismas características físicas de Brody (novela), en
el film está mucho más seguro de lo que ha estudiado y de su experiencia
personal, un tipo simpático (cínico e irónico en el texto literario)---<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "times new roman" , serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%;">---
Quint siente odio hacia los tiburones porqué estaba presente en el naufragio
del Indianápolis, el buque americano que entregó la bomba de Hiroshima. Antes
de su rescate descubrió el cuerpo inerme de un amigo suyo devorado de cintura
para abajo y vio morir a muchos compañeros suyos devorados por los tiburones
(en el film) detalle explicativo que no aparece en el libro aunque allí se
hable del <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“Carcharodon megalodon</i></b>”, tiburón prehistórico (antecesor del
blanco) con un tamaño de 15 a 20 metros (fósiles de dientes lo atestiguan) y se
especula que el tiburón de Amity pudiera ser una cría de megalodon. Según la
teoría de la “territorialidad”, el tiburón que nada en solitario (llamado
“Jaquetón”) y encuentra comida en una zona no la abandona y sigue rondando allí
hasta que sus presas se acaban (lo lee Brody en una enciclopedia y lo explica
perfectamente Hooper en la película) ---<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "times new roman" , serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%;">---
La persecución del tiburón y la parte final tiene también sus diferencias. Los
tres hombres regresan a tierra por la noche (libro), en cambio pernoctan en
“Orca”, la barca de Quint (film). En el escrito de Benchley: Hooper muere
devorado por el escualo mientras se salva en su homónimo fílmico (refugiándose
en el fondo mientras el animal acaba por destrozar la jaula donde momentos
antes había estado el científico, a quien se le había caído el arpón envenenado
hacia las profundidades, perdiendo interés por Hooper y volviendo a embestir la
lancha para atacar a sus otros dos enemigos humanos). Quint muere arrastrado
por el tiburón en uno de los cables de los arpones que él le ha clavado
(rememorando al capitán Achab de “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Moby Dick</i></b>”) mientras que en el film
cae por la cubierta de su inclinada barca hacia la boca abierta del escualo (en
una escena tan terriblemente angustiosa como bien conseguida técnicamente) que
le está esperando (cumpliéndose sobre su propia persona lo que dijo en el
ayuntamiento: <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“Este tiburón le traga a uno entero, una sacudida, una dentellada y
todo adentro”</i></b>). El animal muere prácticamente desangrado a causa de los
arpones clavados por Quint cuando está persiguiendo a Brody (novela) mientras
en el film éste logra arrojarle un tanque de oxígeno de Hooper en la boca y con
el fusil de Quint dispara hasta alcanzar la bombona de oxígeno que al estallar
hace saltar al tiburón en pedazos. Hooper surge del fondo y ríe junto con
Brody; antes pregunta <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">¿Y Quint</i></b>? El jefe de policía
contesta <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“No”.</i></b> Ambos regresan a la costa apoyándose en los restos de
madera de la barca y en los flotadores. El mar está tranquilo, la pesadilla ha
terminado ---<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "times new roman" , serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%;">Spielberg
divide el film en dos parte: la primera hasta que empieza la cacería es cine
fantástico y de terror, la segunda es de aventuras sin abandonar el suspense
que atravesaba la parte primera. En el primer bloque evita enseñar el enorme
tiburón agresor: una misteriosa fuerza surgida del fondo del océano arrastra a
la muchacha Chrissie Watkins (Susan Blacklinie) descubriendo Brody sus restos a
la mañana siguiente; la misma fuerza que arranca un muelle de madera y está a
punto de devorar un pescador que logra salvarse; en el ataque al niño (en off)
vemos una mancha de sangre y el colchón flotador totalmente destrozado y en la
acometida del 4 de julio vislumbramos una enorme y monstruosa silueta bajo las
cristalinas aguas que arrastra al joven del bote volcado (una pierna seccionada
se hunde hacia el fondo como el brazo de Chrissie, también cercenado, estudiado
por Hooper es el testimonio del primer ataque).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "times new roman" , serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%;">En
la segunda etapa aparece ya a plena vista. Sorpresa cuando aparece delante de
Brody mientras éste arroja carnaza por la borda. La enorme y triangular cabeza
con las fauces totalmente pobladas de terribles dientes como puñales…. Brody
retrocede aterrorizado, entra en la cabina y susurra a Quint: “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Necesitará
un barco más grande”</i></b> (el tiburón blanco es el único que saca su cabeza
fuera del agua para observar a su alrededor). Otro mérito de Spielberg es que
trabajando sobre un animal de reconocida peligrosidad nos hace creer que
estamos ante algo sobrenatural<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>y
maligno, demostrando una inteligencia diabólica (un tiburón se guía por su
instinto y actúa por impulsos) que ataca inesperadamente en aguas tranquilas y
concurridas. Luego tendremos más vistas del animal, especialmente hacia el
final cuando se arroja una y otra vez contra la barcaza como si supiera que con
su potencia y el peso de su cuerpo puede hacer zozobrar la embarcación. El
tamaño y peso no es exagerado: los más corrientes son de 5-6 metros (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">mide
8 metros y pesa tres toneladas</i></b>”, dice Quint cuando lo ve por primera
vez) y en una ocasión, según datos, se capturó uno de 12 metros.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "times new roman" , serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%;">La
dirección de Spielberg es muy acertada: la cámara submarina se mueve con total
soltura apoyando para conseguir un formidable empaque visual, la cámara lanzada
desde el punto de vista del tiburón (algo pocas veces hecho, al menos hasta la
fecha del film), los primeros planos de personajes en el agua, inesperados
zooms, picados y contrapicados que sacan provecho de la situación de la barcaza
mientras el suspense es sensacional, sustos terribles que nos atenazaron en la
butaca sazonados con intermedias escenas familiares costumbristas funcionando
como tiempos “de respiro” y “tranquilidad”, todo ello imitado/copiado en las
sucesivas películas del género (generalmente rutinarias y sin innovación cosa
que Spielberg logró), a partir de ahora el cine fantástico y el de aventuras
--- para bien y/o para mal --- ya no será el mismo (3). La interpretación es
magnífica: Roy Scheider (jefe Martin Brody), Richard Dreyfuss (Matt Hooper) y
Robert Shaw (Quint) y el resto de los figurantes.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "times new roman" , serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%;">En
esta ocasión acierta John Williams la música adecuada para la película y aunque
nos recuerde el inicio de la sinfonía 9 (sinfonía “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Del nuevo Mundo</i></b>”) de
Antonin Dvorak quedó en la memoria de muchos. El film fue rodado en Martha’s
Vineyard (Los viñedos de Martha), pequeño y pacífico pueblo con aguas poco
profundo. Los efectos especiales de Robert Matey son impresionantes, combinando
el tiburón artificial con filmaciones documentales (4), un rodaje muy duro pero
vistos los resultados valió la pena (5)….</span><span lang="ES"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "times new roman" , serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%;"><span style="mso-spacerun: yes;">
</span>Narcís Ribot i Trafí</span><span lang="ES"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES">(*)- </span><b><i><span lang="ES" style="font-family: "times new roman" , serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">“Las
aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio”</span></i></b><span lang="ES"> </span><span lang="ES" style="font-family: "times new roman" , serif;">se estrenó en España en
2011. Quizá otro día hablemos de ella.</span><span lang="ES" style="font-family: "times new roman" , serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="mso-line-height-alt: 10.0pt; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "times new roman" , serif; font-size: 12.0pt;">1)- Ángel
Sala- “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Tiburón”</i></b> (subtitulado “¡<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Vas a necesitar un barco más grande! El
filme que cambió Hollywood”</i></b>)- Círculo Latino S. L. Editorial y
presentado en el Festival de Sitges el mismo 2005. Sin duda el más completo
estudio sobre el film con filmografía de sucedáneos (terrestres inclusive),
homenajes de otras películas con cierto tufillo plagiario, derivaciones y
continuaciones. Ángel Sala es un auténtico fan y experto sobre cine fantástico,
es también el actual director del Festival de Sitges y lo que más me complace:
es amigo mío aunque actualmente (por nuestras obligaciones) nos veamos poco.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="mso-line-height-alt: 10.0pt; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "times new roman" , serif; font-size: 12.0pt;">2)- El
tiburón- tigre <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">(Galeocerdo cuvier</i></b>), llamado así por las rayas que envuelven su
cuerpo semejantes a las del felino terrestre, el tiburón- toro (<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Carcharinus
leucas</i></b>) con su extraña y rápida adaptación al agua dulce y el tiburón
oceánico de puntas blancas <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">(Carcharinus longimanus</i></b>) son las
especies más peligrosas para el ser humano después del tiburón blanco.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="mso-line-height-alt: 10.0pt; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "times new roman" , serif; font-size: 12.0pt;">3)-<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>Carlos Burgaleta y José- Luís Viruete- “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Terror
bajo las aguas” (“El cine de monstruos marinos”)</i></b>-<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>Ilarión Ediciones (Madrid, 2010). Es un
magnífico estudio sobre películas referentes a bestias marinas reales o
imaginarias (a pesar de la portada totalmente hortera).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="mso-line-height-alt: 10.0pt; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "times new roman" , serif; font-size: 12.0pt;">4)- Carl
Gottlieb- “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Diario de tiburón</i></b>”- Editorial Sedmay (Barcelona, 1975). Libro
muy recomendable explicando vicisitudes de rodaje y trucajes del mítico film
escrito por el guionista del mismo. Durante mucho tiempo muy difícil de
encontrar. Ahora ha aparecido una segunda edición a cargo de T&B Editores
(2019).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="mso-line-height-alt: 10.0pt; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "times new roman" , serif; font-size: 12.0pt;">5)-
Actualmente ha de añadirse el libro “<b><i>El cine fantástico de Spielberg</i></b>”
(subtitulado “<b><i>Padres ausentes, niños perdidos</i></b>”), de Federico
Alba. Ediciones Encuentro (2017), colección Nuevo Ensayo nº 23.<o:p></o:p></span></div>
<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgi9fumhYTZjw6SpIW5PFsPWTJHP8No2E4DaU46eY6FoIEkRqmnVV2S-a2_hXy7wWlMbgdEvWA-5LBXagn3bRjr_gCmc96xq-pAiXzWjd70Ow1K22iIIjP4YmZLdp-kAU5C6WrArin65uPY/s1600/SS+Tibur%25C3%25B3n.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="581" data-original-width="800" height="232" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgi9fumhYTZjw6SpIW5PFsPWTJHP8No2E4DaU46eY6FoIEkRqmnVV2S-a2_hXy7wWlMbgdEvWA-5LBXagn3bRjr_gCmc96xq-pAiXzWjd70Ow1K22iIIjP4YmZLdp-kAU5C6WrArin65uPY/s320/SS+Tibur%25C3%25B3n.jpg" width="320" /></a></div>
<br />Narcíshttp://www.blogger.com/profile/08118936220217813153noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6384052752908304011.post-31524625209567407022019-11-11T14:41:00.000-08:002019-11-11T14:41:27.769-08:00“DUEL” O “EL DIABLO SOBRE RUEDAS” (STEVEN SPIELBERG, 1971)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiTsVvI6xHfV3CBpfscpDuhmuEGIAHpHYtQ7M1KdzWXj5SIeoc9muVPOlSNtl0kSPGzyVn4eNqPSb1yVQN4jFwxB9iNflBM62-nzUWM-W0-ffv8TO3lgrBslvFBByMoOEJJ7P5_Z_XjMi2L/s1600/duel-el-diablo-sobre-ruedas-1971-steven-spielberg-.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="814" data-original-width="580" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiTsVvI6xHfV3CBpfscpDuhmuEGIAHpHYtQ7M1KdzWXj5SIeoc9muVPOlSNtl0kSPGzyVn4eNqPSb1yVQN4jFwxB9iNflBM62-nzUWM-W0-ffv8TO3lgrBslvFBByMoOEJJ7P5_Z_XjMi2L/s320/duel-el-diablo-sobre-ruedas-1971-steven-spielberg-.jpg" width="228" /></a></div>
<br />
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span style="font-family: "Times New Roman",serif;"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span>“Duel”</span></i></b><span style="font-family: "Times New Roman",serif;"> (1971) fue estrenada en España
como <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“El
diablo sobre ruedas</i></b>”. Se trata de una película producida por George
Eckstein a cuenta de Universal, en principio para TV pero --- después de su
sorprendente éxito --- pasada a la pantalla ancha. Es la “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">ópera prima</i></b>” (o sea el
primer film profesional tras varios<span style="mso-spacerun: yes;">
</span>ensayos en plan cine amateur) de Steven Spielberg. “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El diablo sobre ruedas”</i></b>,
primero en 16 mm, fue presentado por la cadena ABC el 13-11-1971.
Posteriormente, después de unos retoques y añadidos (afortunadamente, en este
caso, no chirrían) se preparó para cine en 35 mm dos años después (1973),
ampliando la duración de 74 a 90 minutos.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif;">El guión original es de Richard
Matheson --- estupendo y reconocido autor de Ciencia Ficción, fantasía y
terror, siempre sorprendente --- según su relato corto homónimo (1), publicado
por vez primera en la revista Playboy. Pocas diferencias hay, quizás un poco
más al pasar de telefilm a pantalla ancha, leí la historia hace años, visioné
la película antes y ahora la he revisado y continúa siendo una muy buena cinta,
algunos dicen la mejor de Spielberg: a pesar del poco presupuesto tuvo bastante
libertad de filmación y eligió el sistema y los planos adecuados para llegar a
buen puerto. El tema nacido de la lúcida mente de Matheson (2) no puede ser más
sencillo (a quienes no les gusta el cine/la literatura fantástico/a dirán que
absurdo): un hombre de clase media de vida normal, David Mann (Denis Weaver),
casado y con dos hijos, en viaje de negocios circula por una carretera
secundaria en una zona bastante aislada y desértica cerca de la frontera con
México. Al adelantar un enorme y oxidado camión cisterna (aparentemente
transporta inflamables) parece molestar al chófer --- nunca se le verá la cara
--- el cual iniciará una persecuación mortal contra el coche y su ocupante, sea
para aplastarlo o provocar un accidente con los mismos resultados. No hay
lógica para su proceder, si se busca una explicación solo podemos pensar que el
conductor del camión ha perdido totalmente el juicio al igual que en “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">The
Birds</i></b>” (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Los pájaros</i></b>”, 1963) de Alfrd Hitchcock --- a quien Spielberg le
debe varias ideas --- no se sabe nunca el porqué del ataque de las aves (en el
breve relato de Daphne du Maurier, el punto de partida, si lo hay). Ello
obligará a David Mann a sacar fuerzas de flaqueza<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>y aceptar forzosamente el duelo del título
original que en condiciones normales él nunca hubiera entrado. Es una historia
de David contra Goliat y al igual que en la narración bíblica no vencerá el más
fuerte sino el más inteligente.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif;">El rodaje de la película duró del
13 de septiembre al 4 de octubre de 1971 (en principio estaban previstos unos
14 días pero tuvo que alargarse), la produjo George Eckstein --- con un
presupuesto de 400.000 $, cantidad bastante normal para la TV de ABC --- para
Universal y recibió los premios del Festival de Cine Fantástico de Avoriaz
(1973) para el realizador y Emmy de 1982 por el sonido, además de las
candidaturas por la fotografía de Jack A. Marta en el Emmy 1972, la del Premio
Globo de Oro al mejor telefilme (1972) y la del Saturno al mejor lanzamiento en
DVD (2005). Se filmó en los espacios naturales de Route 14 y Soledad Canyon
Road, carreteras circundantes en los casi yermos cañones al sur de California
(3).<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><o:p></o:p></b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-family: "Times New Roman",serif;">I)-
CAMIÓN VERSUS COCHE</span></b><span style="font-family: "Times New Roman",serif;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif;">Actores como Gregory Peck, David
Janssen y Dustin Hoffman rechazaron el papel de protagonista, recayendo
finalmente en Denis Weaver (conocido como protagonista de la serie televisiva <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“McCloud”</i></b>)<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>quien hizo un trabajo encomiable. El otro
personaje principal no es humano, es el camión (recordemos que salvo algunos
planos sobre las botas, brazos o manos nada sabemos del conductor del robiznado
y amenazante trasto). Spielberg eligió un Peterbilt- 281 de 1956, no quería un
camión moderno, chato, sino de los antiguos y con morro, puesto que ello
recuerda más a un rostro humano (la naríz). Hizo añadir un depósito a cada lado
de la parte inferior de la cabina (similitud con las orejas humanas) y
embadurnar el vehículo con una espesa capa de pintura marrón para que se viera
oxidado y la luna delantera ensuciada con restos de alimañas (de esta forma no
se veía con claridad al conductor). El camión estaba muy deteriorado y, además,
al final ha de quedar totalmente destrozado al caer por un precipio. Durante la
filmación se utilizó un segundo camión, un Peterbilt- 281 de 1960, debidamente
“maquillado” como su pariente de más edad. La escena del desenlace se rodó al
natural, sin maquetas ni trucos y el camión quedó totalmente destruído pero no
se incendió como en el cuento de Matheson; Spielberg prefirió narrar
detalladamente la agonía del “monstruo” (chatarra retorciéndose, varias vueltas
de campana, estruendo, mucho polvo). La difícil secuencia final se rodó con
seis cámaras con la finalidad de tener abundante material para elegir en el
montaje. Punto y aparte merece el especialista Cary Loftin como el conductor
del camión (nunca se le ve el rostro, repito) quien mantuvo la dirección del
vehículo hasta pocos metros del barranco y luego saltó en una maniobra
arriesgada para después el montaje borrar el salto aunque quedara la puerta
abierta: da absolutamente igual, el conductor “muere” con su camión; David se
queda unas horas mirando al destrozado cisterna --- gritando su victoria, él
también se ha transformado, de cazado a cazador y de hombre apocado a
resolutivo y sin miedo ya que las circunstancias para sobrevivir le han
convertido en otro hombre, diferente del que era antes --- y nadie sale de la
cabina en vistas a una posible secuela (hoy en día tan frecuente si el film
tiene éxito comercial pero para nada se pensó en ello, ni Spielberg, ni
Matheson, ni tampoco Eckstein y la película funcionó en taquilla y como
aportación artística y también lo fue de crítica aunque esto, muchas veces,
ninguna relación tenga con la calidad del film y/o el éxito comercial). Parece
ser, según noticia posterior, que se utilizó un tercer Peterbilt, un 351 de
1964, para escenas extras en miras a las salas de cine. El camión despeñado (en
única toma, por supuesto) fue el original, el de 1956.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif;">También acertada la elección del
coche de David Mann: un Plymouth Valiant- 1970 de color rojo para destacar y no
confundirse con los ocres y marrones del paisaje desértico por donde circula,
ni tampoco con su oponente oxidado.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif;">La puesta en escena de Spielberg
casi acaricia la perfección. Su narrativa planificadora nos hace creíble lo
increíble y absurdo, de una historia cuyo resultado podría resultar equivalente
al cansancio y a lo insípido (solo la carrera, persecución camión- coche, una
“road movie” --- películas de coches, carreteras o carreras --- aburrida,
insulsa y posiblemente mala), saca partido al sabio uso del montaje alternado
(de Frank Morris) y soluciones del lenguaje televisivo --- recordemos que en su
origen era un celuloide para TV --- que si bien en muchos casos el trasplante
ha perjudicado al cine de pantalla ancha (en muchas ocasiones se busca la
comodidad y el abaratamiento del producto reduciendo la creatividad siempre
debida por parte del director), aquí funciona perfectamente gracias al estilo
implantado por Spielberg el cual también se inspiró en Hitchcock en algunos
recursos como el montaje acelerado (descomponer una escena en varios o muchos
planos breves) de algunas secuencias de tensión así como también estos citados
elementos propios de las TV como los ritmos vertiginosos, los planos bastante o
muy cerrados, las distorsiones ópticas producidas por el zoom y el “ojo de pez”
(hoy se abusa mucho, y gratuitamente de ellos y de las falsas distancias para
lograr deformaciones y emocionar o aterrar al espectador) o el montaje
salteado. Con todo ello Spielberg consigue fabricar una atmósfera, un ambiente
claustrofóbico de angustia, casi desesperación por parte del perseguido, una
sensación de “aplastamiento” inminente cuando el camión se acerca al coche lo
cual confiere a la película un suspense tan original como bien conseguido. No
pasa, como en muchas ocasiones, en callejones oscuros en la nocturnidad o en
bosques aislados o mansiones/castillos aterradores sino a plena luz del día
durante kilómetros y más kilometros en carreteras poco frecuentadas y zonas
desérticas con escasas paradas (bares, paradores, gasolineras) durante el
trayecto. Un punto para añadir al suspense “in crescendo” es el que terceras
personas a quienes pide ayuda (solo una llamada a la policía) no le crean en
absoluto y piensen de él como un desquiciado: los dos hombres en el café de
Chuck cuando logra frenar aparatosamente, la pareja de ancianos, el conductor
del autobús escolar o la señora Sally que regenta la segunda gasolinera además
de exponer serpientes y otros animales en jaulas; este personaje, a diferencia
de los demás, será testigo del ataque del camión asesino, perseguidor de Mann,
el cual le ha destrozado todo el local y no puede llamar a la policia ya que el
único teléfono ha quedado inutilizado...<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif;">Las escenas donde el camión gana
terreno y se aproxima al coche, creando una sensación de inquietud, están
filmadas desde el asiento trasero del vehículo de Mann mediante planos
subjetivos en combinación con el zoom deformante de la perspectiva, aquí muy
bien utilizados.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif;">Hay otros títulos, algo inspirados
en el film de Spielberg, sobre coches asesinos atacantes de los humanos pero el
enfoque es diferente, entrando en el terreno de lo sobrenatural mientras que en
“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El
diablo sobre ruedas</i></b>” sabemos de un ser humano (?) conductor.<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>Recuerdo “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Christine”</i></b> (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Christine</i></b>”,
1983), de John Carpenter según la novela homónima de Stephen King en donde un
Plymouth Fury- 1958 cobra vida y parece enamorarse del muchacho que lo compró,
a veces se autoconduce, se regenera cuando es destrozado por unos gamberros a
los que persigue y atropella uno por uno. Realización correcta --- nada más ---
de Carpenter quien se quejó sobre el modelo de coche por ser poco
impresionante, demasiado normal, cara al espectador. Más sobrecogedor es el
Lincoln Mark III (1968-1971), negro con cristales opacos (arreglos en los
faros, parachoques y carrocería para ser más terrorífico) de “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">The
Car</i></b>” (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El asesino invisible</i></b>”, 1977), de Elliot Silverstein, sobre un
coche que aparece en una comarca y en lugares solitarios atropella a inocentes
vianantes o ciclistas. Tampoco se ve nunca el conductor pero el hecho de que
unos niños de un colegio con sus profesores en día de fiesta puedan zafarse del
terrible coche al refugiarse en un viejo cementerio (el automóvil no puede
entrar en el recinto por más que lo intente, es tierra sagrada) nos da
evidencias de quien lo conduce e igualmente en la impresionante camioneta,
también negra, Chevrolet que persigue a un sacerdote que ha perdido su fe
(afectado por la muerte de un niño en un cruce de balas policía- delincuentes
en el atraco a un banco) por carreteras secundarias y desérticas: un sketch de
los cuatro componentes de “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Nighmares</i></b>” (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Pesadillas</i></b>”, 1983), de
Joseph Sargent. En el momento que la camioneta aparece delante del coche desde
debajo la tierra estamos ya ante un relato sobrenatural. El sacerdote volcará y
saldrá malherido de su automóvil pero logrará arrojar lo primero que tiene a
mano contra el vehículo perseguidor que se esfuma inmediatamente. Luego se dará
cuenta que era un recipiente con agua bendita aún guardado en su coche. Al
atender al herido los de la ambulancia le dicen que van a llevarle al hospital
y él contesta: “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">No, a la parroquia</i></b>”...<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><o:p></o:p></b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-family: "Times New Roman",serif;">II)-
COCHE VERSUS CAMIÓN</span></b><span style="font-family: "Times New Roman",serif;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif;">Hay cinco añadidos (la mayoría de
espectadores no han visto la versión original para TV) para la traslación a
pantalla ancha. Exponiendo el esquema del guión y gracias al formidable estudio
de Santiago García podemos saber: el primer añadido está ya en el logotivo de
“Universal” ACTO I --- El segundo está en el asiento del conductor
(autoreflexión de David, piensa o habla consigo mismo) en la primera secuencia,
escucha un programa radiofónico matutino de extrema estupidez --- Aparición del
camión (tubo de escape hacia arriba, David habla consigo mismo de
contaminación), el coche adelanta, despues, sorprendentemente, el camión
adelanta al coche --- La primera gasolinera, para. El camión también lo hace.
David mira bajo el camión y ve las botas del conductor que reclama al empleado
ser atendido haciendo sonar el ruidoso claxon (es el tercer añadido
cinematográfico). David llama a su casa, su esposa le reprende (tercer añadido).
Vemos los dos niños jugando mientras la madre está al teléfono. El empleado le
indica que debería cambiar el manguito del radiador. Él contesta que en otro
momento, hay prisa. El empleado: “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Usted manda</i></b>”. David: “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">No en
mi casa</i></b>” (ironia de Spielberg). Los añadidos 2 y 3 son para subrayar a
Mann como un hombre algo pusilánime y tímido ---De nuevo en la carretera: un
adelantamiento casi mortal, ahora ya se ven las intenciones asesinas del camión
--- El ACTO II empieza con el tercer adelantamiento y la persecución hasta el
café de Chuck (pura acción) --- El ACTO III en el café de Chuck: frenazo brusco
del coche cerca del establecimiento ¡El camión está fuera! --- Reflexiona
sentado en una mesa --- Culpa a un camionero y le amenaza con llamar a la
policía, éste le pega dos puñetazos y los clientes le toman por un desquiciado.
El dueño del local calma al camionero y este se va. Ahora Mann ve que se ha
equivocado, no era este. Sube a otro camión. Su perseguidor también arranca ---
ACTO IV. David reemprende la marcha --- Aparece un autobús escolar (4º añadido
para el cine), David quiere ayudar pero escapa: por detrás aparece el camión.
Por el retrovisor ve al camión empujando al autobús para ayudarle a ponerlo en
marcha (ironía) --- Ataque al paso a nivel (5º añadido): Mann se para ante un
paso a nivel, pasa el tren. Aparece el camión por detrás y le empuja lentamente
hacia la vía. Logra zafarse en tiempo justo que acaba de pasar el tren y se
alzan las barreras --- Huye, llega a la segunda gasolinera, aparece el camión
el cual se dirige directo hacia la cabina telefónica. Logra huir en el último
segundo. El camión destroza todo el establecimiento --- ACTO V. Parece que el
hombre ha logrado burlar a su enemigo. Queda dormido en su coche cerca de un
cementerio de automóbiles. Despierta, ve al camión parado, como una fiera
acechando a su presa. Mann desciende de su coche y se acerca al camión, este
retrocede hasta desaparecer. Parará a un coche antiguo de una pareja de
ancianos que no le hacen caso. De nuevo en carretera, vuelve a ver el camión
detrás de él --- ACTO VI. Da la sensación que David acepta el reto, que ha
perdido el miedo. El manguito del radiador falla, pierde velocidad, el camión
otra vez detrás, a punto de alcanzarle. David logra poner su coche en marcha y sube
por el desvío hacia un promontorio --- Confrontación final: llega arriba, sabe
que su enemigo llegará dentro de unos momentos. Gira el coche, pone su maletín
bloqueando el acelerador y salta. El Plymouth choca con el Peterbilt y se
incendia. Intento de reducir la velocidad, pisa el pedal del freno pero no hay
tiempo (dos planos subjetivos desde el asiento del conductor). Camión y coche
se despeñan (en un solo plano) mientras se oye por última vez el sonido de su
estruendosa sirena. Al caer los dos vehículos la imagen se ralentiza. No hay
incendio (prueba que la cisterna estaba vacía, justificando la alta velocidad
desarrollada en las persecuciones). Una piedra que rueda hacia la cámara pone
punto y final al clímax (una gota de aceite y una rueda girando hasta detenerse
testifican la muerte de “la bestia”). David salta de júbilo y celebra su
victoria. Ha perdido el coche y el maletín pero ha sobrevivido. ¿Quien era el
conductor del camión? ¿Porqué perseguía a muerte a David Mann? Él nunca lo
sabrá y nosotros tampoco. Son “macguffins” o sea pretextos (herencia
hitchcockiana) que llevan la trama al desarrollo pero que luego pierden
importancia ...<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif;">Las escasas 27 páginas del libro
pudieron facilitarle en mucho su trabajo para el pase a la pantalla (primero pequeña,
después grande). Formuló unas situaciones las cuales pasarán a ser escenas y
dado que además de excelente escritor era un curtido e imaginativo guionista
encontró lo justo para funcionar sin saltos ni alargos innecesarios y
superfluos. Veamos algunas diferencias libro- film:<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif;">--- En el libro se trata de un
camión cisterna con trailer cisterna, ambas unidades con seis pares de ruedas.
El camión está abollado y las dos cisternas (mal) pintadas de un color plateado
barato ---<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif;">--- El libro nos informa de la
matrícula del camión: California, y lleva un letrero con el apellido Keller (en
un momento Mann parece leer “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Killer” = “Asesino</i></b>”). En el film
lleva varias matrículas como trofeo (o como piezas de caza/víctimas según algún
comentario) ---<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif;">--- El David Mann literario es un
hombre más tosco (dice palabrotas, blasfema), el de la película es más educado
y cultivado ---<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif;">--- La novela corta carece de
las<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>sigüientes secuencias: de la 1ª
gasolinera; del autobús escolar, los dos hombres al aparcar delante el café de
Chuck, allí no dice nada, ni amenaza a ningún camionero al cual cree
(equivocadamente) su perseguidor, solo reflexiona y por tanto no recibe ningún
puñetazo; la pareja de ancianos en su coche, la 2ª gasolinera, la señora Sally
y sus bichos, el paso a nivel ---<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif;">--- La parte final ya comentada. En
el relato piensa que va a morir dentro de su coche que casi no puede correr. El
camión no tiene tiempo de coger el desvío y se precipita por el barranco.
Estalla, se incendia y luego estalla el trailer, produciendo otro incendio y
una onda expansiva mayor que roza a David ---<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif;">Podríamos decir que el libro es
telegráfico, comprimido y funcional además de bien escrito, cualidades para un
relato breve. La película tiene equivalentes cualidades correspondientes a la cinematográfica
y enriquece notablemente el trabajo de Richard Matheson ...<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif;">No tengo carnet de conducir, no he
conducido nunca y a pesar de los inconvenientes estoy más tranquilo y más
después de visionar esta interesante “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El diablo sobre ruedas</i></b>”.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif;"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span>Narcís
Ribot i Trafí<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif;">1) “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El diablo sobre ruedas</i></b>”
se publicó en castellano en una recopilación sobre Richard Matheson. El relato
principal es el de “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El increible hombre menguante</i></b>” y el que da título al libro. Le
siguen “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">La prueba”, “Mantage”, “El repartidor</i></b>” y “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El diablo sobre ruedas</i></b>”.
Editorial “La Factoría de iIdeas” (2006).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif;">2)- <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Richard Burton Matheson</b> (USA, 1926- 2013) ya escribía a los ocho
años, después de la II Guerra Mundial cursó estudios de periodismo en Missouri
y a principios de los cincuenta empieza a ser conocido en el campo de la
fantasía, el terror y la Ciencia- Ficción. Entre 1953 y 1954 escribe dos de su
más famosas novelas: “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El increíble hombre menguante</i></b>” y “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Soy
leyenda</i></b>” y entra en el mundo del cine como guionista, productor e
incluso actor. Fue guionista de sus propias novelas: “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El increible hombre menguante</i></b>”
(Jack Arnold, 1957) y la primera de las tres versiones de “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El último hombre sobre la
Tierra”/”Soy leyenda</i></b>” (co-guionista junto con otros tres). Entre su
prolífera y cuantitativa producción será también guionista de la serie de Roger
Corman con Vincent Price según relatos de Edgar A. Poe (cuatro de los siete
títulos), incluso dos para Hammer- Films dirigido uno por Terence Fisher (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">The
Devil’s Rides Out</i></b>”, 1968, según novela de Denis Wheatley). También
entró en TV (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Twilight Zone</i></b>”). Otro título destacado basado en libro suyo con
propio guión es “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">La leyenda de la mansión del infierno</i></b>” y muchos más. Es uno de
los más grandes cultivadores del género. El choque real- fantástico es lo más
característico de sus producciones con fricciones, fusiones e inversiones de
ambos vectores.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif;">3)- “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El diablo sobre ruedas</i></b>”-
“Guías para ver y analizar” nº 51 de Santiago García Ochoa. “Nau Llibres”
(Valencia, 2013). Magnífico y completo estudio además de desmenuzar el guión y
comentar escena por escena. Imprescindible. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEguIHh1_GgzA9VYJ3JPVya3lyQ6AqrGHsgc4vH8B2m19QYWUZIqQHH30szX57Xqr81muIE-iFbvrwkT-RbpfU13lrd58lG8GQIvXDAwXP71msaZQJAEWR1oC176pFDWJtMxAToGdxUX43GN/s1600/DUEL.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="743" data-original-width="1366" height="174" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEguIHh1_GgzA9VYJ3JPVya3lyQ6AqrGHsgc4vH8B2m19QYWUZIqQHH30szX57Xqr81muIE-iFbvrwkT-RbpfU13lrd58lG8GQIvXDAwXP71msaZQJAEWR1oC176pFDWJtMxAToGdxUX43GN/s320/DUEL.jpg" width="320" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman",serif;"><br /></span></div>
<br />Narcíshttp://www.blogger.com/profile/08118936220217813153noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6384052752908304011.post-5540806774038768122019-10-20T14:42:00.001-07:002019-10-20T14:50:26.796-07:00“THE MASK OF FU MANCHU” (“LA MÁSCARA DE FU-MANCHÚ”), CHARLES J. BRABIN, 1932)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjCODORvRYiBYunxlSHagnnCk8jo62Ju100Q9CFxENpG9RCQKyPCE77k2ZS3WxYt5uxS-mCmAu2CXoh-d2gKb757DCboJ48oKwJ3HXgwWHQLnFp5VB8aErB03przpPtsQxkZr3V-jutbx7B/s1600/La+m%25C3%25A1scara+de+Fu+Manchu1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1200" data-original-width="766" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjCODORvRYiBYunxlSHagnnCk8jo62Ju100Q9CFxENpG9RCQKyPCE77k2ZS3WxYt5uxS-mCmAu2CXoh-d2gKb757DCboJ48oKwJ3HXgwWHQLnFp5VB8aErB03przpPtsQxkZr3V-jutbx7B/s320/La+m%25C3%25A1scara+de+Fu+Manchu1.jpg" width="204" /></a></div>
<br />
<br />
<div class="MsoNormal" style="mso-line-height-alt: 10.0pt; text-align: justify;">
<span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-ansi-language: ES;"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span lang="ES">Imagínate una figura clásica
de mandarín chino: un hombre de alta estatura; delgado, de miembros recios,
felino en sus actitudes y movimientos, con un entrecejo como el de Shakespeare
y un rostro de expresión verdaderamente satánica. De su cráneo afeitado pende
la coleta tradicional de los hijos del “Imperio Celeste”. Sus ojos tienen el
fulgor magnético de los ojos de la pantera. </span></i></b><span lang="ES">(<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“El
demonio amarillo”, </i></b>relato de Sax Rohmer, 1913)<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;"><span style="mso-spacerun: yes;">
</span>La sociedad secreta del Si-Fan con sede en el Tíbet realizaba su
habitual reunión presidida por su líder, el siniestro Dr. Fu- Manchú, el cual
transmitía las consignas para conseguir su objetivo final: el dominio absoluto
del mundo. Esta corriente y descriptiva escena será popularizada por un serial
de 1940 en 51 episodios, típico de la compañía norteamericana Republic: “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Drums
of Fu-Manchu</i></b>” (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Los tambores de Fu-Manchú</i></b>”), en
España distribuida en tres jornadas (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Los tambores de Fu-Manchú”, “La venganza del
Si-Fan” y “La venganza de Fu-Manchú</i></b>”), eficazmente dirigida por el
especialista William Witney y John English. La fama de esta obra y del
personaje aún crecerá más gracias a una colección de cromos igualmente muy popular.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">Fu-Manchú nació de la pluma del escritor inglés
Sax Rohmer, pseudónimo de Arthur Henry Sarsfield Ward (1883- 1959), muy
prolifero cuya popularidad la ganó principalmente con sus trece novelas sobre
este genio del mal (*). La primera historia del personaje, “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">The
Myteri of Dr. Fu-Manchu”</i></b> (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">The Insidious Dr. Fu-Manchu”</i></b>, título
para U.S.A. y “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El misterio del Dr. Fu-Manchú</i></b>”, para España) se editó en 1913.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">Antes de la compañía Republic ya se habían
realizado diversas versiones cinematográficas. Retrocediendo más en el tiempo:
A. E Coleby dirige a cargo de Stoll Pictures en 1923 la primera versión
cinematográfica de este excitante personaje, “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">The Mistery of Dr. Fu-Manchu</i></b>”,
distribuida en 15 episodios. Avalada por el éxito la Stoll Pictures dio un año
después la segunda versión del tema: “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">The Further Mysteries of Dr. Fu- Manchu</i></b>”
(1924), de Fred Paul, en donde Harry Agar Lyons daba su 2ª interpretación del
inteligente y malvado oriental. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">The mysterious Dr. Fu-Manchu</i></b>” (1929)
fue la entrada de Paramount en el tema en donde Warner Oland encarnaba al
diabólico personaje. La siguiente fue “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">The Return of Dr. Fu-Manchu</i></b>”
(Paramount, 1930), repitiendo Rowland V. Lee (realizador) y Warner Oland
(actor), primera versión que llegó a España aunque titulada absurdamente “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">La
expiación de Fu-Manchú</i></b>”. Continúan los asesinatos, puertas secretas,
profundos pozos donde van a parar algunas víctimas, animales venenosos
colocados para actuar, trampas mortales, etc., todos los ingredientes
necesarios en una cinta de Fu-Manchú. Con “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Daughter of Dragon</i></b>” (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">La
hija del dragón</i></b>”, 1931), de Lloyd Corrigan, Paramount daba su tercera y
última cinta mientras que Warner Oland se despedía de su papel que tanta
popularidad le había dado.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">Llegamos a 1932, año de la producción de “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">The
Mask of Fu-Manchu</i></b>” (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">La máscara de Fu-Manchú</i></b>”) a cargo de
M. G. M., con realización de Charles Brabin y con un Boris Karloff en alza<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>tras entrar en el cine fantástico y de terror
gracias a “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Frankenstein</i></b>” (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El Dr. Frankenstein</i></b>”, 1931), de
James Whale y “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">The Mummy</i></b>” (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">La momia</i></b>”, 1932), de Karl Freund,
ambas de Universal Pictures. “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">La máscara de Fu-Manchú</i></b>” es la joya
de la filmografía y uno de los jalones esenciales de cualquier antología
fantástica.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">La película, al igual que las novelas de Rohmer,
fue acusada de racista por el hecho de acentuar sobre el “peligro amarillo” ya
que el deseo de Fu-Manchú es eliminar/esclavizar a toda la raza blanca,
especialmente británicos. Estos detalles racistas se reparten por igual en el
film, p. e. Nayland Smith, inspector de Scotland Yard y secular enemigo de
Fu-Manchú dice “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Maldito demonio amarillo</i></b>” mientras el chino insulta a Terence
Granville al ver que le he traído una espada falsa y no la de Gengis- Kahn (la
cual junto a la máscara del líder mongol le permitiría el dominio de toda Asia
y después del mundo), “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Perro blanco</i></b>” y en otra ocasión su
hija Fa-Lo-See, tan malvada como él, exclama ante un Granville inconsciente “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">¿Verdad
que está bien plantado este hombre?</i></b>” a lo que Fu-Manchú responde “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Sí, a
pesar de ser un hombre blanco</i></b>”.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">El argumento sobre la 5ª novela de Sax Rohmer ---
guión de John Willard, Edgar Alan Wolfe e Irene Kuhn --- cuya similitud entre
ambas es pura coincidencia trata del intento del diabólico doctor para
apoderarse de las máscara y la espada del conquistador<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>Gengis- Kahn (1162- 1216), reliquias que le
garantizarían la sumisión de millones de personas. Naturalmente con la feroz
oposición de Nayland Smith y sus amigos: Liolnel Barton, jefe de la expedición
a Mongolia, Terence Granville, arqueólogo y novio de Sheila Barton, hija de
Lionel. Después de innumerables aventuras lograrán escapar de la garras de
Fu-Manchu, Terence desvía el “rayo de la muerte”<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>(otra invención del maléfico personaje) sobre
el diabólico doctor y le golpea con la famosa espada (en realidad es una
imponente cimitarra, propia del mundo árabe, no mongol, pero podría ser un
botín de guerra del cual se prendaría el conquistador).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">La originalidad<span style="mso-spacerun: yes;">
</span>y la calidad del film no reside en su argumento --- previsible algunas
veces, ingenuo otras --- sino en en el sadismo (atrevido en la época)
desprendido por la realización de Charles Brabin, oscuro realizador de obra
breve y casi desconocida el cual con este título se convirtió en la película de
su vida. Brabin fue marido de la “vampiresa” Theda Bara (uno de los matrimonios
más duraderos de Hollywood), antiguo ayudante de pioneros como Griffith y Edwin
Porter y conoció cierta relevancia con algunos seriales para retirarse un año
después de la realización de “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">La máscara de Fu-Manchú</i></b>”, 1933.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">Nos encontramos de nuevo con trampas mortales,
pozos repletos de serpientes, experimentos de Fu-Manchú con venenos y brebajes
para anular la voluntad de la gente y convertirlos en “dakois” (esclavos a su
servicio), bases submarinas con cocodrilos que amenazan a Sir Nayland Smith;
Barton, prisionero y atado, sufre de sed pero no quiere confesar donde esconde
la máscara y la espada, Fu-Manchú restriega en su cara diversas frutas y le
hace beber agua añadiendo “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Perdone, olvidé decirle que el agua estaba
salada</i></b>” para luego hacer resonar constantemente una campana en el oído
de su cautivo. Otra escena impactante es cuando Terence arranca la máscara de
oro apareciendo la calavera de Gengis Khan y surgiendo una enorme tarántula de
una de sus cuencas vacías. Son fragmentos inolvidables reforzados con la
magnífica fotografía en blanco/negro del espléndido cámara Tony Gaudio junto a
la interpretación de Boris Karloff (Dr. Fu- Manchú), Lewis Stone (Nayland
Smith), Karen Morley (Sheila Barton), Myrna Loy (Fa- Lo- Se), Charles Starred
(Terry/Terence Granville), etc.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">La máscara de Fu-Manchú</i></b>” es uno de
aquellos míticos films de la “Edad de Oro” que ha resistido y se ha enriquecido
con el paso del tiempo para los auténticos aficionados, no por los consumidores
de efectos especiales, sangre y vísceras del triste panorama propio del
fantástico actual. A diferencia de “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">King- Kong</i></b>” /“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">King- Kong</i></b>” (Ernst B.
Schoedsack y Merien C. Cooper, 1933), “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Bride of Frankenstein”/”La novia de
Frankenstein</i></b>”<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>(James Whale,
1935), “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Freaks” /“La parada de los monstruos</i></b>” (Tod Browning, 1933),
etc., “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">La máscara de Fu-Manchú</i></b>” está construida con material similar
al alimentador de los seriales y ello enriquece el relato fílmico y, por
supuesto, los efectos especiales están al servicio de la atmosférica narración
(a la inversa de mucho “fantastique” actual), sin música (como el primer “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Frankenstein”/”El
Dr. Frankenstein”</i></b>, de James Whale en 1931) mientras la deslumbrante
técnica únicamente es utilizada para crear el efecto integrador en la trama,
los decorados mostrados son mezcla de estilos y civilizaciones diversas (arte
árabe, hindú, además del chino), el uso de la luz es utilizado con gran
precisión y los “momentos de delirio” se pueden comparar perfectamente a los de
Browning, Whale, Schoedsack o Erle C. Kenton<span style="mso-spacerun: yes;">
</span>en “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Island of the Lost Souls</i></b>” (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">La isla de las almas perdidas</i></b>”,
1932), auténticos creadores de cine fantástico de entre guerras.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">Las solamente honestas y discretas aventuras ---
cinco en total y en régimen de coproducción --- en color sobre el personaje
encarnado por Christopher Lee (perfecto el el rol que ha interpretado más veces
después de su Drácula), están dirigidas las dos primeras por Don Sharp, “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">The
Face of Fu-Manchu</i></b>” (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El regreso de Fu- Manchú</i></b>”, 1965) y “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">The
Brides of Fu-Manchu</i></b>” (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Las novias de Fu- Manchú</i></b>”, 1966), la
tercera por Jeremmy Summers, “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">The Vengeance of Fu- Manchu</i></b>” (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">La
venganza de Fu- Manchú”</i></b>, 1967) mientras que la cuarta y la quinta serán
realizadas por Jesús Franco, “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Blood of Fu-manchu</i></b>” (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Fu-Manchú
y el beso de la muerte</i></b>”, 1969) la cual en nada desmerece a las tres
anteriores en sentido de mediocridad y “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">The Castle of Fu-Manchu</i></b>” (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El
castillo de Fu-Manchú</i></b>”, 1969) en donde literalmente se “asesina” al
personaje (rodada en el Parc Güell y en el Zoo de Barcelona, se nota a simple
vista, al igual que cuando Fu-Manchú demuestra su poder hundiendo un barco se
notan los extractos de “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">La última noche del Titanic</i></b>”), es
totalmente grotesca y de lo más risible que haya visionado en mi vida de
aficionado al cine fantástico. Ninguna de esta pentalogía puede ni de lejos
igualar el éxito artístico y comercial de <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“La máscara de Fu-Manchú”</i></b>, auténtica
joya del personaje en el cine......</span><o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span>Narcís
Ribot i Trafí</span><o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">(*)- Las novelas de Sax Rohmer sobre el personaje
de Fu-Manchú son:<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">-”<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">The Mystery of Dr. Fu-Manchu”/”The Insidious
Dr. Fu-Manchu” (“El misterio del Dr. Fu-<span style="mso-spacerun: yes;">
</span>Manchú”/”El demonio amarillo”/”El misterioso Dr. Fu- Manchú”),</i></b>
1913<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">-<o:p></o:p></i></b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">-”The Return of Dr. Fu-Manchu”/”The Devil
Dr.” (“El regreso del Dr. Fu-Manchú”), </span></i></b><span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">1916-<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">-”<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">The Hand of Fu-Manchu”/”The Si-Fan Mysteries</i></b>”
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">(“La
mano de Fu-Manchú”)</i></b>, 1917-<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">-”<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Daughter of F</i></b>.” (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">La
hija de F</i></b>.”), 1931-<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">-<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">”The Mask of F.” (“La máscara de F.”)</i></b>,
1932-<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">-<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">”The Bride of F.”/”Fu-Manchu's Bride” (“La
novia de F.”)</i></b>, 1933-<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">-”<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">The Trail of F.” (“El rastro de F.</i></b>”),
1934-<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">-<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">”President F.” (“Presidente F.”)</i></b>,
1936-<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">-<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">”The Drums of F.” (“Los tambores de F.”)</i></b>,
1939-<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">-<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">”The Island of F.” (“La isla de F.”)</i></b>,
1941-<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">-<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">”The Shadow of F.” (“La sombra de F.”)</i></b>,
1948-<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">-<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">”Re-Enter F.”/”Re-Enter Dr. F.” (“Regresa
F.”)</i></b>, 1957-<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">-”<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Emperor F” (Emperador F.”)</i></b>, 1959</span><o:p></o:p></div>
<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhFd3pfltLqQad952sVZX2_BK6CrmQmHW2b8TJtp7ZqJ7lUbSzVItlgC-7aHAS2ro10invwfivXONKln5bYv6VkF0IqaM43F7FWC-oeizY-16scZu651tFA3tqEChC8QmZloXn6CUTcL1O7/s1600/Fu+Manchu2.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1000" data-original-width="762" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhFd3pfltLqQad952sVZX2_BK6CrmQmHW2b8TJtp7ZqJ7lUbSzVItlgC-7aHAS2ro10invwfivXONKln5bYv6VkF0IqaM43F7FWC-oeizY-16scZu651tFA3tqEChC8QmZloXn6CUTcL1O7/s320/Fu+Manchu2.jpg" width="243" /></a></div>
<br />Narcíshttp://www.blogger.com/profile/08118936220217813153noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6384052752908304011.post-12455513343363434352019-09-25T04:25:00.000-07:002019-09-25T04:25:22.422-07:00TRES REQUIEM SOLEMNES<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjFphEKW90MswXQF4BTl3a62AbTvF5UBL4TUoEJgEJFcWWP253HDdwJ-YebMZHjUY8GEXozQmEmaFNdmGEPotGOyUB51XobrUgowf-0lcR1Lff0xs59uVDL0vJ1LFUcS8NoD5C_hXVUE2HD/s1600/reqm1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="300" data-original-width="360" height="266" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjFphEKW90MswXQF4BTl3a62AbTvF5UBL4TUoEJgEJFcWWP253HDdwJ-YebMZHjUY8GEXozQmEmaFNdmGEPotGOyUB51XobrUgowf-0lcR1Lff0xs59uVDL0vJ1LFUcS8NoD5C_hXVUE2HD/s320/reqm1.jpg" width="320" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<b><i><span lang="ES"><br /></span></i></b></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<b><i><span lang="ES">Réquiem</span></i></b><span lang="ES">, del latín “<b><i>Requiem= Descanso</i></b>”, es
la misa de difuntos, oración por los difuntos antes, durante o después del
entierro. También recibe el nombre de “<b><i>Misa de Réquiem</i></b>” (“<b><i>Missa
pro defunctis</i></b>” o “<b><i>Missa defunctorum</i></b>”). Nació en la
Iglesia Católica pero también fue usado en otras iglesias cristianas como la
Ortodoxa, la Luterana o la Anglicana. Su denominación procede de las primeras
palabras del “<b><i>Introito</i></b>”: “<b><i>Requiem aeternam dona eis</i></b>,
<b><i>Domine, et lux perpetua luceat eis”</i></b> (“<b><i>Concédeles el
descanso eterno, Señor, y que brille para ellos la luz perpetua</i></b>”). <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES">Generalmente se siguen los movimientos de la
eucaristía católica (recordemos que la Iglesia Luterana carece de eucaristía)
supriemiendo el “<b><i>Gloria”</i></b> y el “<b><i>Credo</i></b>” y cambiando
el “<b><i>Aleluya</i></b>” por el “<b><i>Tractus</i></b>”. Regularmente la
estructura del “<b><i>Réquiem</i></b>” es: <b><i>I)</i></b> <b><i>Introitus,
II) Kyrie, III) Graduale, IV) Tractus, V) Sequentia, VI) Offertorium, VII)
Sanctus</i></b>,<b><i> VIII) Benedictus, IX) Agnus Dei, X) Communio, XI)
Responsorium, XII) Antiphona y XIII),</i></b> alguna oración/canto añadido,
optativo, siglo XIX. A partir del Concilio Vaticano II, sin suprimir el latín,
estas composiciones fueron traducidas a las correspondientes lenguas propias de
cada país.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES">Interpretados en la iglesia los réquiem, después,
lo fueron también en las salas de concierto.</span><span lang="IT"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><u><span lang="ES">1)- EL REQUIEM DE MOZART<o:p></o:p></span></u></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="DE">“<b><i>Mozart, divino Mozart</i></b>….” </span><span lang="ES">(Franz Schubert, músico)<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES">“<b><i>A Mozart no se le prefiere, se le ama</i></b>”
(Jean-Victor Hocquard, musicólogo y escritor)<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES"> <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES"> Wolfgang Amadeus
Mozart nació un 27-marzo-1756 en una modesta casa de Salzburg (Austria) cuando el momento musical
europeo muestra todo un amplio abanico de posibilidades. Hay una serie de
formas en evolución en un tiempo rico y variado cuando acaba de finalizar el
Barroco Tardío, fechado exactamente por algunos en 1750 cuando muere el sin par
Juan-Sebastián Bach, observándose una corriente de profunda renovación que
atraviesa todos los géneros, alcanzando, alguno de ellos su forma definitiva.
Hay un tipo de música más ligera y melodiosa, con acompañamiento más simple que
la del Barroco y cuyo fin primordial es el entretenimiento y la distracción del
auditorio. Esta música se identifica con el período Rococó, manifestado también
en otras artes (arquitectura, pintura, escultura e incluso la vestimenta, la
jardinería y la construcción de muebles).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES">Aquí aparece Mozart (la evolución musical aún continuará), pilar del Clasicismo Musical
junto a su gran amigo Joseph F. Haydn y el futuro Ludwig van Beethoven. La obra
que Mozart legó a la posteridad presenta unas proporciones vastas e inusitadas:
unas 800 obras en menos de 36 años, en las que la calidad no desmerece nunca y,
casi siempre, se mantiene a un altísimo nivel (sólo parangonable a Juan S. Bach
el cual produjo más de 1000, pero vivió 65 años).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES">Siendo un “niño prodigio” (como Schubert o
Mendelsshon) la actuación de su padre, Leopold Mozart, músico académico y
competente, pero “sin genio”, fue beneficiosa (en contra de algunas opiniones)
al encauzar positivamente el camino musical de su hijo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES">Las primeras composiciones datan de 1761 (a sus 5
años) y en el último año de su breve vida (1791) recibió un inesperado encargo
para componer una “<b><i>Misa de Réquiem</i></b>” (“<b><i>Misa de difuntos</i></b>”)
haciendo una pausa en la elaboración de su gran ópera (prácticamente
finalizada) “<b><i>Die Zauberflöte</i></b>” (“<b><i>La flauta mágica</i></b>”,
marzo-julio de 1791). Seguramente Mozart empezó a escribir el “<b><i>Réquiem
Aeternam</i></b>” (en Re menor, K 626) en agosto si bien debió posponer el
trabajo cuando le llegó el encargo de la que sería su última ópera: la hoy
revalorizada “<b><i>La clemencia de Tito</i></b>” (agosto-septiembre). El
5-diciembre-l791, enfermo y angustiado, fallecía Mozart. Muchos han comentado
que consciente o inconscientemente la obra la compuso para sí.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES">Su viuda, Constanza (que acababa de dar a luz),
encargó la terminación de “<b><i>Réquiem</i></b>” a J. Ebler, músico muy
estimado por su marido, más éste, ante los primeros compases del “Lacrimosa”,
no se atrevió a continuar pasando el comprometido encargo a F. Süssmayer, fiel
alumno de Mozart.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES">En el momento de la muerte de Mozart la situación
de la obra era esta: los dos primeros episodios (“<b><i>Introito</i></b>” y” <b><i>Kyrie</i></b>”)
estaban terminados; los seis pasajes estaban completados en las partes vocales
y solamente esbozados en las partes instrumentales; el “<b><i>Lacrimosa</i></b>”
se interrumpía en el 8º. compás, mientras que los fragmentos “<b><i>Domine Jesu
Christe</i></b>” y “<b><i>Hostias</i></b>” (las dos partes compositivas del “<b><i>Offertorium</i></b>”)
estaban sólo señalados en sus líneas generales mientras el “<b><i>Sanctus</i></b>”,
el “<b><i>Benedictus</i></b>” y el “<b><i>Agnus Dei</i></b>” faltaban por
completo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES">Siempre se discutirá la forzada aportación de Süssmayer (como lo sería igualmente la de
cualquier otro), nunca sabremos como hubiera sido la obra enteramente realizada
por el maestro pero podemos decir que el “<b><i>Réquiem</i></b>” es la elegía de
un artista moribundo, una lamentación pura y humana” (1); hay resignación ante
la muerte física inevitable pero también hay fe en la inmortalidad ideal. Es
una pieza de una belleza conmovedora que abrirá el seguimiento de otros “<b><i>Réquiem</i></b>”
(especialmente en el Romanticismo) de futuros músicos: Johannes Brahms, Gabriel
Fauré, Giuseppe Verdi o Robert A. Schumann….<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES">Recordemos el ritmo anhelante y resignado del “<b><i>Introito</i></b>”
con estilo polifónico, la salmodia gregoriana del 2º y 3er. movimiento; la gran
fuga (que nos recuerda a Haendel) en torno al “<b><i>Kyrie Eleison</i></b>”,
cuyo contratema rápido sobre el “<b><i>Christie Eleison</i></b>” desarrolla sus
vocalizaciones; el grandioso coro, sin descanso, para voces y orquesta del “<b><i>Dies
Irae</i></b>” (<b><i>“Dies Irae”, “Turba Mirum”, “Rex tremedae”, “Recordare”,
“Confutatis” y “Lacrimosa”</i></b>, junto con el “<b><i>Ingemisco</i></b>” son
las siete partes que componen la “<b><i>Sequencia</i></b>”) que sugiere lo
desconocido (de gran estima para los románticos); estilo concertante en un solo
trombón para los versículos del “<b><i>Turba Mirum</i></b>”; del grito a la
plegaria urgente que acaba en polifonía en el “<b><i>Rex tremendae</i></b>”; la
arrolladora intensidad del “<b><i>Recordare</i></b>”; la alternativa
violencia-pasión en el episodio dramático del “<b><i>Confutatis”</i></b>; <i>el crescendo</i> subido de tono del “<b><i>Lacrimosa</i></b>”;
el motete contrapuntístico del <b><i>“Domine</i></b>” y el motete de gran
serenidad con la destacable actuación de los violines que es el “<b><i>Hostias</i></b>”.
El “<b><i>Sanctus</i></b>”, el “<b><i>Benedictus</i></b>” y el “<b><i>Agnus
Dei”,</i></b> como hemos dicho, no son de Mozart.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES">El dramatismo del “<b><i>Réquiem</i></b>” no está
pensado como golpe de efecto, es la visión desnuda de la vida terrena al
levantarse el telón que la separa de la eternidad (2)….<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES">
<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES">1)- “<b><i>Mozart, repertorio completo</i></b>”
(Editorial Cátedra/Clásica, 1994), de Amedeo Poggi y Edgar Vallora.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES">2)- Le preguntaron a G. Rossini “<b><i>¿Quién es el más grande de los
músicos?</i></b>”. Respuesta: “<b><i>¡Beethoven!</i></b>”. “<b><i>¿Y Mozart?</i></b>”.
Respuesta: “¡<b><i>Oh, él, es el único!</i></b>” (en esta época aún no estaba
del todo “redescubierto” Juan-Sebastián Bach. De haberlo sido, la respuesta
sería aún más difícil).</span><span lang="IT"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><u><span lang="ES">2)- EL REQUIEM DE BRAHMS<o:p></o:p></span></u></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><i><span lang="ES">“Mientras el mundo siga
enorgulleciéndose de personas como Brahms, con el corazón de un niño y el
carácter de un héroe, no temo por la humanidad” </span></i></b><span lang="ES">(Dr. Richard Fellinger)<b><u><o:p></o:p></u></b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES"> Johannes
Brahms (Hamburgo, 1833-Viena, 1897) presentó ya desde la infancia su vocación
musical, bien secundada por su padre Johan Jakob Brahms, contrabajista e
instrumentista bastante modesto y peor pagado.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES"> Brahms no
fue un “niño-prodigio” como Mozart sinó un músico de estudio constante, muy
meticuloso y exigente con sus composiciones (la 1ª. de sus 4 sinfonías fue
gestada durante 21 años, 1855-1876, ya que no se atrevía a elaborar tal
composición en su juventud). Era respetuoso con las formas heredadas (por lo
que fue tachado, falsamente, de conservador), bebió esencialmente de las
fuentes clásicas de un Mozart y un Beethoven en un tiempo en que el
Romanticismo estaba ya finiquitado. Considerado clásico y académico fue en
realidad un gran innovador; sólo él tuvo el atrevimiento, p. e., de introducir
una estructura de chacona en homenaje a Juan Sebastián Bach, algo nunca visto,
en el episodio final de su 4ª. sinfonía. Todo ello deja muy claro que es muy
difícil separar lo que es invención temática y forma: una y otra van
indivisiblemente unidas.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES">Pocos artistas han conseguido tanto como Brahms
con su admirable economía de material (como el pintor que partiendo de escasos
y austeros colores en su paleta logra obras magistrales). Durante su evolución
eliminó la omnipresente repetición temática usada por muchos y rechazó los
adornos, oropeles y la ampulosidad musical. Todo estaba calculado, todo en
función de la música y su riqueza de significados.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES">La elaboración de su famoso “<b><i>Ein Deutsches
Requiem</i></b>” (“<b><i>Réquiem Alemán”,</i></b> opus nº 45) requirió 12 años
(1856-1868) en una época de transición humana y musical del autor. En muchos
aspectos el “Réquiem” ocupa un lugar único entre sus obras: la más extensa y
con una de sus más valiosas partituras. El autor tomó sus textos de la Biblia
en alemán (de aquí el nombre de “<b><i>Réquiem Alemán</i></b>”), es una obra
para sala de conciertos. Mientras Mozart, Cherubini, Berlioz, Verdi y algunos
más se mantuvieron fieles a las palabras latinas prescritas por la liturgia
católica, Brahms---luterano y buen conocedor de la Biblia---eligió los textos
libremente.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES">La obra se aleja tanto de los luminosos corales de
Bach como de las catarsis beethovenianas conquistadas después y a través de
largos sufrimientos. Para Brahms el vértice supremo de la alegría era la paz y
el silencio. Los afligidos tendrán y los difuntos tienen ya la paz prometida,
expresada con acentos de extrema dulzura. El consuelo es la esencia del “<b><i>Réquiem</i></b>”
brahmsiano. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES">La composición está dedicada a su madre, fallecida
hacía poco, y a Robert A. Schumann (que murió en total enajenación) de quien
Brahms fue discípulo y al que profesaba gran estima (en realidad Schumann lo
reconoció y anunció como”futuro genio musical”).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES">La pieza es para soprano y barítono solistas, coro
y orquesta (1). El esquema de la obra es: I) “Dichosos los afligidos…” (Mateo,
4), coro y orquesta sin violines de color; II) “Toda la carne es como la
hierba” (1 Pedro, 1-24), únicamente coral con orquesta completa (en una melodía
trágica que recuerda a Mahler); III) Salmo XXXIX, barítono solo y coro, fuga
sostenida por pedal de “re” en el timbal; IV) Salmo LXXXIV, el coro canta al
Eterno en un clima de serenidad; V) “<b><i>Vosotros estáis tristes ahora, pero
yo regresaré de nuevo y vuestro corazón se regocijará y nadie podrá frustrar
vuestra alegría</i></b>” (Juan, 16, 22), soprano sola y coro; VI) “<b><i>Nosotros
no tenemos ninguna ciudad duradera, mejor busquemos nuestra morada futura</i></b>”
(Hebreos, l3, 14), barítono y coro, página dramática de encomiable progresión
hasta el final a estilo fugado y VII) “<b><i>Bienaventurados los difuntos que
mueren en la gracia del Señor</i></b>” (Apocalipsis, 14, 13), recogiendo los
violines aquella paz y serenidad de la 1ª. parte.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES">El 1er. episodio está estructurado como una coral
donde predomina una atmósfera schubertiana lograda con melodías, timbres y
colores doloridos pero siempre dulces (la originalidad en el desarrollo de esta
pieza, que termina en fuga, es total); el 2º. episodio destaca por la sencilla
articulación y por la deliciosa combinación arpa-flauta; el 3er. episodio
ofrece un solo del barítono que da respuesta al coro; el 4º. es de una
estructura más ligera en un carácter más de insistencia que<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES">de intermedio con lo expuesto; el 5º. es un
añadido después del estreno (magistralmente injertado), resultando una pieza
exquisitamente mística y delicada (resulta excepcional la actuación de los dos
pianos); el 6º. es una oscilación armónica entre las tonalidades mayor-menor
que expresa la inquietud del ser humano ante sus dudas; tras una tempestad
emotiva de inmensa fuerza es lógico que aparezca el 7º. movimiento que
desemboca humildemente en la paz y tranquilidad…..”<b><i>Bienaventurados los
que mueren en el Señor…</i></b>” (2).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES">
<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES">1)- Soprano y barítono solistas, coro y orquesta, compuesta por <i>pícolo</i>, 2 flautas, 2 óboes, 2 clarinetes, 2 fagotes, contrafagod <i>“ad libitum”</i>, 4 cornos, 2 trompas, 3
trombones, tuba, timbales, 1 o 2 arpas y órgano <i>“ad libitum”.<o:p></o:p></i></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES">2)- Una bibliografía en castellano sobre Brahms: <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES"> - “<b><i>El réquiem de la música
romántica</i></b>” (parte dedicada al “Réquiem de Brahms”), del Padre <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES"> Federico Sopeña Ibáñez
(Rialp, 1965)-<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES"> - “<b><i>Brahms</i></b>”, de Yves
y Ada Rémy (Espasa & Calpe, 1978)- <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES"> - “<b><i>Brahms</i></b>, su vida y
su obra”, de Karl Geiringer (Altalena, 1984)-<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES"> - “<b><i>Brahms</i></b>”, de
Arturo Reverter (Ediciones Península, “Guías Scherzo, 1995)-<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES"> -“<b><i>Brahms</i></b>, repertorio
completo”, de Amedeo Poggi y Edgar Vallora (Cátedra/Clásica, 1999)-<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES"> -“<b><i>Brahms</i></b>”, de Jeremy
Siepmann (Acento Editorial, 1997)-</span><span lang="IT"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><u><span lang="ES">3)- EL REQUIEM DE VERDI<o:p></o:p></span></u></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><i><span lang="ES">“Esta audición del
espléndido Requiem de Verdi quedará entre los fastos de nuestras actividades
musicales... Ir a escuchar un Requiem es algo que siempre exige cierta
reflexión, cuando se ignora, como puede ocurrirle a muchos, que esta misa
verdiana es uno de los más perfectos trozos de música profana que se haya
escrito jamás ...” </span></i></b><span lang="ES">(Alejo
Carpentier, escritor)</span><span lang="IT"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES"> Continuamos con los “<b><i>Réquiem”</i></b>.
Ahora toca el del italiano Giuseppe Verdi (Roncale, 1813- Milán, 1901). Cuando
oímos el apellido Verdi lo asociamos ineludiblemente al mundo de la ópera,
especialmente con algunos títulos de renombre universal (“<b><i>La Traviatta</i></b>”,
“<b><i>Aida</i></b>”, <b><i>Otello</i></b>”, “<b><i>Il Trovattore</i></b>”, “<b><i>Nabucco</i></b>”,
etc.) pero, en cambio, no muchos le recuerdan como autor de música religiosa o
destinada al culto (aunque en poca cantidad y con intermitencia de varios años
son composiciones más que notables): “<b><i>Tantum Ergo</i></b>”, “<b><i>Libera
me</i></b>”, “<b><i>Pater Noster</i></b>”, “<b><i>Ave María</i></b>”, nuestra “<b><i>Messa
de Réquiem</i></b>” y---unos 25 años después---“4 piezas sacras” formadas por
1) otro “<b><i>Ave María</i></b>”, 2) un “<b><i>Stabat Mater</i></b>”, 3) “<b><i>Laudi
alla Virgine María</i></b>” y 4) un “<b><i>Te Deum</i></b>”, ya que antes de
iniciar su carrera operística fue organista en la pequeña ciudad italiana de
Monza.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES">Al fallecer G. Rossini en 1868 propuso Verdi
elaborar una “<b><i>Misa de difuntos</i></b>” o “<b><i>Réquiem</i></b>” en
colaboración con otros músicos, reservándose él la parte del “<b><i>Libera</i></b>”
que compuso a toda prisa pero la obra jamás llegó a realizarse. Cinco años más
tarde fallece el escritor Alessandro Manzoni, íntimo amigo de Verdi quien al
punto decide escribir una misa de “<b><i>Réquiem</i></b>”---aprovechando el
fragmento del “<b><i>Libera</i></b>”---que acabaría al año siguiente (1874) en
su estancia en París.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES">Como los réquiems de Mozart o de Berlioz, o como
las grandes misas de Bach o Beethoven, rebasa los límites habituales de la
liturgia de la Iglesia. Superó las críticas de ser “obra teatral transplantada”
(recordemos que Verdi poseía un temperamento puramente teatral) y de tener un
sentimiento excesivamente dramático. El <b><i>Réquiem</i></b>
de Verdi se convirtió inmediatamente en pieza idónea para conmemoraciones
solemnes de carácter funerario, pero no en recintos eclesiásticos.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES">La instrumentación es la siguiente<i>: Piccolo</i>, 2 flautas, 2 oboes, 2
clarinetes, 4 fagotes; 4 trompas, 4 trompetas, 3 trombones, figle; timbales,
gran caja; cuerdas y---“en distancia”---4 trompetas. Verdi dividió su obras en
7 partes, excluyendo los fragmentos habituales de la misa católica: el Gradual
y el Tracto (como Mozart en su Réquiem) pero añadió el “<b><i>Absolutio</i></b>”
(“<b><i>Libera me, Domine…</i></b>ya preparada para el frustrado homenaje
comunitario a Rossini) como hiciera Donizetti en sus tres Réquiem. Verdi
utilizó gran cantidad de recursos, tanto en la parte vocal como en la
instrumental y coral. La orquesta posee gran riqueza propia de un Verdi
musicalmente maduro en su totalidad mientras los 4 solistas principales son los
encargados de expandir el discurso a través de arias, dúos, tercetos y
concertantes.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES">Verdi dividió su “<b><i>Misa de difuntos</i></b>”
en siete partes: I)- <b><i>RÉQUIEM</i></b>, formado por el “<b><i>Introito</i></b>”
y los “<b><i>Kyries</i></b>” (soprano y
coro); II)-<b><i> DIES IRAE </i></b>compuesto por: 1) “<b><i>Dies Irae</i></b>”
(coro), 2) “<b><i>Tuba Mirum”</i></b> (bajo y coro), 3) “<b><i>Liber scriptum</i></b>”
(mezzosoprano y coro), 4) “<b><i>Quid sum miser</i></b>” (soprano, mezzosoprano
y tenor), 5) “<b><i>Rex Tremendae</i></b>” (solista y coro), 6) “<b><i>Recordare</i></b>”
(soprano y mezzosoprano), 7) “<b><i>Ingemisco</i></b>” (tenor), 8) “<b><i>Confutatis</i></b>”
(bajo y coro) y 9) “<b><i>Lacrimosa</i></b>” (solista y coro); III)- <b><i>OFERTORIUM</i></b>,
bifurcado por el “<b><i>Domine Jesu Christie</i></b>” (solista) y el “<b><i>Hostias”</i></b>
(solista); IV)- <b><i>SANCTUS</i></b> (coro), V)- <b><i>AGNUS DEI</i></b>
(soprano, mezzosoprano y coro); VI)-<b><i> LUX AETERNA</i></b> (mezzosoprano,
tenor y bajo) y VII)- <b><i>LIBERA ME</i></b>, subdividido a su vez en 1) “<b><i>Libera
me”</i></b>, 2) “<b><i>Dies irae”</i></b>, 3) “<b><i>Requiem aeternam</i></b>”
y 4) “<b><i>Libera me</i></b>” (todos a
soprano y coro).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES">A tener en cuenta que no hay prólogo orquestal, al
decir en un “<b><i>quasi parlato</i></b>” coral “<b><i>Requiem aeternam dona
eis Domine</i></b>” sube en intensidad
los violines para crear, dramáticamente, un cierto clima de presagio y
al repetirse el “<b><i>Réquiem</i></b>” se vuelve simétricamente al bellísimo
arranque. El “<b><i>Dies irae</i></b>”es, sin lugar a dudas, el fragmento más
dramático, prolongado y mejor acabado de toda la obra. Sí, sale el “<b><i>Dies
irae</i></b>” a gritos, pero ¡que mano más recia (1) sabe organizar todo este
cataclismo! La genialidad está en combinar la violencia con una clarísima
vocalización del canto de cada palabra, la orquesta alterna entre acordes secos
<i>cuyo solo timbre está en esta sequedad</i>
y en rápidas figuraciones cromáticas. No hay intervención de los solistas en
este colosal griterío inicial del 2º capítulo (2). A destacar también la
trompetería del “<b><i>Tuba Mirum</i></b>” -- recuerda las de “<b><i>Otello</i></b>”
y “<b><i>Aida</i></b>”--- problema fácil para Verdi que resuelve con una
proverbial concisión y distinción de matices; el “<b><i>Confutatis</i></b>”se
expresa mediante un bajo y la orquesta que reproducen aspectos dramáticos y
ásperos. También señalar la curiosidad del “<b><i>Sanctus”</i></b> (capítulo
IV) al que Verdi confiere un aire de oratorio (con un comienzo de trompetería
en marcha triunfal derivada de “<b><i>Aida</i></b>”).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES">La estructura armónica es nítida y sencilla, de
gran flexibilidad y nobleza. Más espiritual que eclesiástico, este <b><i>R</i><i>équiem</i></b> ha sido pieza predilecta de
grandes directores como Toscanini (lo dirigió 29 veces, entre l902 y 1951,
sobreviviendo varias de ellas en disco), de un inigualable lirismo lleno de
vigor y pasión o Giulini, quien lima la partitura de contenido teatral y logra
una espiritualidad límpida y plena de recogimiento….<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES"> <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES">
<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES">1)- Parece a 1ª. vista que acabará en caótico y estrepitoso ruído pero la
absoluta genialidad de un <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES"> Verdi, un Beethoven o un Wagner
(y algún otro) convierte el estruendo en perfecta armonía.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: AR-SA;">2)- Citado por el Padre Federico Sopeña Ibáñez
en su espléndido estudio sobre “<b><i>EL REQUIEM DE </i></b></span><b><i><span lang="IT" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; mso-ansi-language: IT; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: AR-SA;">LA MUSICA ROMANTICA</span></i></b><span lang="IT" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; mso-ansi-language: IT; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: AR-SA;">”,
Editorial Rialp (Madrid, 1965). </span><br />
<span lang="IT" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; mso-ansi-language: IT; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: AR-SA;"><br /></span>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiSuUPV2EItLjHdE6E7rs5tw67lxPenZcoa31rwBLjF6HC9g7XXtHz_2MHcSHDFUAXqNC_hPAgcc2yUGcwfVlPUGMewooB7SIKDbk9qgLovIk3-QXmbbQ-Gp0ym7pKgI1SkF_BDQjQNiL1E/s1600/requiem+verdi.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="180" data-original-width="280" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiSuUPV2EItLjHdE6E7rs5tw67lxPenZcoa31rwBLjF6HC9g7XXtHz_2MHcSHDFUAXqNC_hPAgcc2yUGcwfVlPUGMewooB7SIKDbk9qgLovIk3-QXmbbQ-Gp0ym7pKgI1SkF_BDQjQNiL1E/s1600/requiem+verdi.jpg" /></a></div>
Narcíshttp://www.blogger.com/profile/08118936220217813153noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6384052752908304011.post-45226583322038299622019-08-31T12:23:00.000-07:002019-08-31T12:23:32.867-07:00“LOS VIOLENTOS AÑOS 20” (RAOUL WALSH, 1939)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiCrhHxdbOdjrWQ_P-c83cT3YWLVH4STJFOWZeWIEL_oXDT4jhcXDoDjlZ2an-8ae_xL6zf4kHReARX14JZnTpS08kIzjuUIWPkkjKfJFjtSsAm4-tkgukEoC1Ao7WAJFUkfhJuXBS0M5_2/s1600/losviolentosanos20.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="420" data-original-width="297" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiCrhHxdbOdjrWQ_P-c83cT3YWLVH4STJFOWZeWIEL_oXDT4jhcXDoDjlZ2an-8ae_xL6zf4kHReARX14JZnTpS08kIzjuUIWPkkjKfJFjtSsAm4-tkgukEoC1Ao7WAJFUkfhJuXBS0M5_2/s320/losviolentosanos20.jpg" width="226" /></a></div>
<br />
<br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span lang="ES" style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">“…. En esta
película<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>los personajes son
composiciones sobre personas que yo conocí y las situaciones son las que
realmente ocurrieron. Amargas o dulces, las memorias se hacen preciosas con el
paso de los años. Esta película es una memoria, estoy satisfecho por
conservarla y agradecido a su recuerdo”.</span></i></b><span lang="ES" style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">
(Mark Hellinger, argumentista)<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><o:p></o:p></b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span lang="ES" style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">--A)- MARK HELLINGER, LA IDEA-</span></b><span lang="ES" style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";"> (Nueva York 1903- Los Angeles, 1947) Fue un productor que conocía los
entresijos del cine, sus posibilidades tanto en el espectáculo como en lo
expuesto en la “lectura entre líneas”<span style="mso-spacerun: yes;">
</span>para el espectador (el “mensaje”, dirían algunos). No todos tenían tal
concepción: los había que solo buscaban llenar plateas o sea lo comercial para
la ganancia económica y nada sabían de la parte artística. Durante la década de
los 20 fue periodista en el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Daily News</i>
y en los treinta en el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Daily Mirror</i>
como columnista para entrar a finales de este tiempo en el departamento de
escritores de<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>Warner Bros. La
perspectiva de los hechos como periodista daba una visión realista a su
escritura. Pergeñó una historia original sobre hechos reales de la cual Jerry
Wald, Richard Macaulay y Robert Rossen (productor, director y guionista)
escribieron el guión para “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">The Roaring Twenties</i></b>”, dirigida por
Raoul Walsh en 1939 (nunca estrenada comercialmente en España pero los pases
televisivos y la aparición en vídeo y después en DVD le dieron el conocido
título de “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Los violentos años 20</i></b>”). Gracias a ello se convirtió en
productor asociado de Warner actuando como tal en otros films de Raoul Walsh
como <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">They
Drive by the Night</i></b>” (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">La pasión ciega</i></b>”, 1940), “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">High
Sierra”</i></b> (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El último refugio”</i></b>, 1941) y “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Manpower”</i></b> (1941, nunca
estrenada comercialmente en España pero apareció en DVD). Años después fundó su
propia productora, <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Mark Hellinger Productions </i></b>mientras firmaba un contrato con
Universal para la distribución demostrando ser una pieza importantísima en la
existencia y evolución del “género negro”. Proyectó “The Killers” (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Forajidos”</i></b>,1946),
dirigida por Robert Siodmak sobre un relato de Ernest Hemingway y siguió
después con dos destacables películas de Jules Dassin: “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Brute Force</i></b>” (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Entre
rejas</i></b>”, 1947) y “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Naked City</i></b>” <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">(“La ciudad desnuda”</i></b>,
1948), puro “cine negro”. Mark Hellinger murió prematuramente a los 44 años
(1947) víctima principalmente de los excesos del alcohol aunque tenía en
preparación “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Criss Cross”</i></b> (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El abrazo de la muerte</i></b>”, 1948), de
Robert Siodmak, <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“Act of violence</i></b>” (1949), de Fred Zinneman y “ <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Knock
on Anny Door</i></b>” (<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“Llamad a cualquier puerta</i></b>”, 1949),
de Nicholas Ray (todas ellas pudieron estrenarse). Humphrey Bogart entró en la
productora y la convirtió en “Santana” sin dejar las directrices de Hellinger.<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><o:p></o:p></b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span lang="ES" style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">--B)- CINE NEGRO, EL GÉNERO</span></b><span lang="ES" style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">-
La denominación de “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Cine negro</i></b>”<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>se debe al
crítico Nino Frank en referencia a las películas norteamericanas que llegaban a
la Francia de la postguerra y, en algún modo, en relación con las novelas
policiacas con cubierta negra y oro, colección fundada por Gastón Gallimard y
Marcel Duhamel, aparecida en otoño de 1945. Por tanto “lo negro” hace
referencia a la temática policiaca y criminal y a la tonalidad visual<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>predominante en los diseños de las novelas y
en los films. Al estrenarse en Francia (verano de 1946) cinco películas el
cartel de “cine negro” quedó prácticamente sellado: “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El halcón maltés</i></b>” (John
Huston, 1941), <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“Historia de un detective”</i></b> (Edward Dmytryck, 1944), <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“Laura</i></b>”
(Otto Preminger, 1944), <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“Perdición</i></b>” (Billy Wilder, 1944) y “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">La
mujer del cuadro”</i></b> (Fritz Lang, 1945). En sentido más restrictivo se
denomina “Cine Negro” para referirse a las películas norteamericanas años 30-40
--- con residuos en los 50 --- con atracos, tramas criminales, gángsteres,
violencia más o menos explícita y personajes estereotipados que revelan un
trasfondo pesimista al seguir caminos equivocados, sea el ser humano o la
sociedad<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>en general.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">El “Cine
Negro” tiene unas características propias inconfundibles: niebla, farolas
encendidas en la oscuridad de noche, lluvia, calles empapadas, luces y sombras
sobre los personajes, antros y hoteles baratos, figuras problemáticas, mujeres
fatales, luces de neón, atmósferas opresivas y/o claustrofóbicas, música de
jazz, el <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">smog</i></b> que nada deja ver, tomas angulares que contribuyen a la
composición deseada, generalmente expresionista… Se ha dicho que el “Cine
Negro” es la crónica de una decadencia a modo de epílogo. El llamado “Cine
policíaco” puede encuadrarse dentro del “Negro”, así como el denominado “Cine
criminal”, de “Suspense” con diversas variaciones (“dramas carcelarios”, p.
e.). Para algunos autores “lo negro” se aplica al aspecto visual (predominan
secuencias nocturnas, fotografía principalmente derivada hacia la penumbra,
sombras, claroscuro)<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>para otros prima
más el contenido (una visión pesimista de la naturaleza del ser humano,
fatalismo, traición, corrupción, etc., recordando en los personajes situados al
margen de la ley que no siempre hay coincidencia legalidad- moralidad en sus
conductas). <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">La estética
del Cine negro proviene de los autores emigrados (especialmente germanos)
después del auge del Expresionismo (fotografía, plástica, decoración…) mientras
el lenguaje, frecuentemente críptico y elíptico del propio relato tiene que ver
con la censura comercial y política sufrida por los realizadores: “El Código de
Hays” (1933) para pasar luego el género negro a proyectos de poco presupuesto
enmarcados en la serie B y más adelante la persecución del senador Joseph
McCarthy con la ruina de varias carreras. De todo ello surge la densidad
narrativa en concisión ejemplar como positiva característica del género para
más adelante complicarse la trama en su forma más barroca, a veces incoherente
e innecesariamente compleja.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">Si la
novela negra a dado autores formidables (algunos de ellos han sido también
guionistas de films) como James Cain, William R. Burnett, Raymond Chandler,
Dashiell Hammet, Horace McCoy, etc., el cine negro ha inscrito con letras de
oro nombres como Fritz Lang, Howard Hawks, Raoul Walsh, Robert Siodmack, John
Huston, etc.<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><o:p></o:p></b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span lang="ES" style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">--C)- RAOUL WALSH, EL REALIZADOR</span></b><span lang="ES" style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";"> – Hablamos de él hace algún tiempo al comentar “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El mundo en sus manos”</i></b>.
Recordemos, una vez más, que para Raoul Walsh filmar era como pinta un pintor.
Era verdaderamente un pintor fílmico, y de los grandes. Su característica
principal era el sentido aventurero que marcó tanto su propia vida como los
films realizados por él, surgentes de su poderosa inventiva cinematográfica:
una narrativa sin subrayados inútiles ni estética vacía para distraer al
espectador, ocultando/edulcorando la impotencia fílmica ante la progresión de
la narrativa (mucho cine actual, muchos realizadores actuales sin estilo,
algunos de ellos no saben ni colocar la cámara). Walsh tenía una noción
formidablemente acertada del tiempo fílmico: un paisaje mostrado con economía
de planos (sin recrearse, otro de los vicios del cine de hoy) donde se
injertaban los personajes mostrados también en sencillas tomas, el conjunto
humano era manifestado “de una sola pieza” --- como dice muy acertadamente
Joaquín Vallet (1) --- eludiendo cualquier maniqueísmo acomodaticio tentador
para realizadores sin imaginación (justificar el metraje gastado) y sin la
necesaria trasgresión. En escasas ocasiones recurre a la cámara móvil, trucajes
o efectos de montaje (¿Cuántas veces se utiliza injustificadamente el zoom, el
gran angular o el “ojo de pez” en lugar de un travelling, un picado o un
contrapicado oportuno?) provocando un lenguaje fílmico espantoso y feista
aunque ello a muchos de los llamados “espectadores” nada les importe---
posibilidades mal usadas y embrutecedoras (generalmente provenientes de los
directores televisivos) muchas veces usadas gratuitamente y siguiendo el
sistema de hacer lo más fácil con la “ley del mínimo esfuerzo”, otro de los
defectos de la cinematografía contemporánea --- lo verdaderamente móvil son sus
personajes encajados en el plano/cuadro. Gracias a su estilo (hoy ya no
discutible) su plástica será bella y muy acertada, en muchas ocasiones
hermosísima gracias a este sentido de la progresión narrativa; sus planos,
aparentemente sencillos, muestran una complejidad inimitable --- en línea
directa --- que nada desea saber de fútiles ambigüedades, equívocos ni
tergiversaciones, tanto en el estilo expuesto por parte del realizador como en
el sentido o “mensaje” del film que se quiera/pueda hacer. Tocará gran amplitud
de géneros: del cine negro al western, del aventurero propiamente dicho al
bélico, incluso alguna comedia y algún drama pero todos ellos están impregnados
de este afán aventurero inherente a Walsh, tanto en su vida como en sus obras.
También recordar el sentido de tragedia griega o shakesperiana que empapa su
cine. Volviendo a Joaquín Vallet podríamos decir que la obra de Raoul Walsh es
perfectamente equiparable a la de un John Ford o a la de un Howard Hawks.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">Es
necesario recordar la mixtura de géneros en su obra, p. e. “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">The
Sheriff of Fractured Jaw</i></b>” (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">La rubia y el sheriff</i></b>”, 1959) a
primera vista es un western pero el lenguaje fílmico es de comedia así como ”<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">La
pasión ciega</i></b>” o “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Manpower</i></b>” (2) están narradas con
métodos de “cine negro” (estudiándose/encuadrándose en numerosas ocasiones como
tal) y son en realidad dramas. También el esquema de una historia servirá para
dos géneros: “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El último refugio</i></b>” (cine negro)/”<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Juntos hasta la muerte”</i></b>
(western), <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“Objetivo Birmani</i></b>a”(bélico)/”<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Tambores lejanos</i></b>”
(western). De todo ello podemos decir que la puesta en escena de Walsh es
portentosa (con valores incluso en sus pocos films menos conseguidos), la<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>densa épica surgirá del film con fuerza
natural al mismo tiempo que, en otros momentos,<span style="mso-spacerun: yes;">
</span>la brillante y efusiva lírica hará su aparición para sorprendernos.
Raoul Walsh siempre fue el colega más admirado por John Ford.<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><o:p></o:p></b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span lang="ES" style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">--D)- “<i style="mso-bidi-font-style: normal;">LOS
VIOLENTOS AÑOS VEINTE</i></span></b><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span lang="ES" style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">”</span></i><span lang="ES" style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">- Raoul Walsh había tocado ya el “negro” antes de
roturarse/denominarse/constituirse como tal en la muda “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Me Gangster”</i></b> (1928) y al
entrar en la recién inaugurada 20th Fox en su primer film para la compañía, “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">The
Bowery”</i></b> (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El arrabal</i></b>”, 1933, también conocido como “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Nueva York 1886</i></b>”),
trataba ya el mundo de los gánsteres, delincuencia violencia y fuera de la ley.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">Podríamos
decir que Walsh, después de sus balbuceos en el género, sus tres films en
“estado puro” del genero, tres grandes y maravillosas películas <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">(“Los
violentos años 20”, “Al rojo vivo” y “El último refugio”)</i></b> se convierte
en cronista oficial de la realidad histórica en sus puntos oscuros y en
desarrollo de la delincuencia: la hipócrita “Ley Seca”, 1920, <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">(“Los
violentos años 20</i></b>”), el gansterismo aumentado a partir de la depresión
en la caída de bolsa de Wall Street, 1929, <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">(“El último refugio”</i></b>) y la
delincuencia nacida después de la I Guerra Mundial <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">(“Al rojo vivo”</i></b>). Hay
otra película, “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">The Enforcer</i></b>” (“Sin conciencia”), dirigida en algunas pocas
escenas por Bretaigne Windust quien abandonó la realización por desavenencias
con la productora y fue terminada por Raoul Walsh (no acreditado), refiriéndose
al tema del crimen organizado (años 50). Los personajes de ficción se integran
perfectamente en el marco correspondiente, descritos perfectamente en su
psicología y acciones por el “historiador” Walsh.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">Una vez
escrito el proyecto de “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">The Roaring Twenties</i></b>” (literalmente,
más o menos, puede traducirse por <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“Los ruidosos años 20”</i></b>), la película
debía ser dirigida por el ruso Anatole Litvak, realizador con algunos films
interesantes (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">La noche de los generales</i></b>”, “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Noche eterna</i></b>”, “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Anastasia</i></b>”,
“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El
sorprendente</i></b> <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Dr. Clitterhou</i></b>se”) pero,
sinceramente, la cinematografía en general, el cine negro en particular y el
espectador salieron ganando al ser substituido ya casi desde el principio por
Raoul Walsh. La película fue producida por Hal B. Wallis para la Warner
mientras los efectos especiales corrían a cargo del futuro realizador Byron
Haskin (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">La isla del tesoro</i></b>”, <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“Cuando ruge la marabunta”</i></b>, “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">La
guerra de los mundos”,</i></b> <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“La conquista del espacio</i></b>”, etc.) y
del montaje se ocupó otro importante director en años venideros: Don Siegel (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El
gran robo</i></b>”, <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“Contrabando</i></b>”, “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">La jungla humana</i></b>”, “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Private
Hell, 36”,</i></b> etc.). <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">El film se
abre con una voz en off que narra la historia de los Estados Unidos desde su
entrada en la I Guerra Mundial hasta la abolición de la “Ley Seca”, por tanto
es una crónica de los acontecimientos sostenida por los cinco personajes
principales (tres hombres y dos mujeres) y así el bien y el mal se entremezclan
mostrando en breves pinceladas la moral de cada uno de ellos mientras los nudos
del relato serán estos sucesos formantes de la historia del país: la “Ley Seca”
en marcha a partir de 1920 (el consumo de alcohol continuó de forma clandestina
y dominado por violentas mafias, en verdad<span style="mso-spacerun: yes;">
</span>a la ley promovida por el senador Andrew Volstead podríamos aplicarle
aquello de “Fue peor el remedio que la enfermedad” y buen número de poderosos
delincuentes se enriquecieron con ella, p. e. el famoso Al Capone),<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>composición de la ilegalidad, corrupción
policial, errores de la administración de justicia, los gánsteres, su aparición
y rivalidad entre ellos, el final de “La Prohibición” o “Ley Seca”, la caída de
la bolsa de 1929 y la Depresión. La película está basada los personajes reales
de Larry Fay y su amiga Texas Guinan, su actuación durante los años de la “Ley
Seca” o “Prohibición” y la exposición fílmica dibujada con flashes de impresión
periodística, cosa totalmente deseada por Raoul Walsh y Mark Hellinger. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">Es
destacable la espléndida fotografía de Ernest Haller (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Lo que el viento se llevó”, “El
halcón y la flecha”, “El hombre del Oeste”</i></b>, etc.) en blanco/negro, su
sensación de tridimensionalidad en sus primeros planos y el brillante contraste
de los nacarados blancos con los profusos negros en los objetos mientras la
música de Heinz Roemhheld (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">The Tall T”, “Siempre Eva”, “Balas o votos”,
“La hija de Drácula”</i></b>, etc.) subraya adecuadamente cada capítulo de la
historia.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">Hacia el
final de la guerra, en plena batalla coinciden los tres protagonistas: Eddie
Barlett (James Cagney), el abogado Lloyd Hart (Jeffery Lynn) y el cínico y
malvado George Hally (Humphey Bogart) que parece disfrutar con la muerte de sus
enemigos (los tres están disparando y Eddie comenta que no hace fuego sobre un
muchacho que parece tener 15 años, George dispara y mata al joven, fuera de
campo, comentando <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“Ya no cumplirá los 16</i></b>”). Acaba este fragmento bélico donde los
tres se conocen, de estilo totalmente documental y las tropas regresan a sus
países. A Nueva York llega Eddie en el último embarque con recibimiento
bastante indiferente (los desfiles de la victoria fueron para los primeros en
llegar). Una mala noticia para Eddie: no puede recuperar su ex trabajo de
mecánico por la crisis. Pero también hay una luz de esperanza: su amigo Danny
Green (Frank McHugh) le ofrece compartir su habitación y su negocio del taxi,
turnándose en la conducción. Entra en vigor la “Ley Seca” y Eddie es arrestado
por llevar un paquete (encargado por un cliente del taxi) a la sala de fiestas
donde canta Lana “Panamá” Smith (Gladys George). El paquete contiene botellas
de alcohol. Pasa unos días en la cárcel<span style="mso-spacerun: yes;">
</span>hasta que “Panamá” paga la fianza y le confiesa que le gustan “los tipos
honestos”. Hacen una buena amistad, nada más. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">Durante la
I Guerra Mundial se propuso a unas cuantas jóvenes para escribir a los soldados<i style="mso-bidi-font-style: normal;"> </i>con la intención de animarles y
estimularles. Nuestro hombre recibía cartas de una tal Jean Sherman (Priscilla
Lane) a quien va a visitar al poco de acabar el conflicto creyendo en la
infalibilidad del “flechazo” pero tiene una gran decepción: Jean es una
muchacha de 15 años. Eddie, para salir de la casi pobreza, entra en mano de
“Panamá” en el negocio del tráfico y después en la elaboración del prohibido
alcohol llegando a prosperar. Tiene una red ilegal donde entra el abogado Lloyd
Hard. Han pasado unos años y Jean es ya una mujer y entra a cantar al local de
“Panamá”, allí Eddie le confiesa su amor pero la muchacha se enamora de Lloyd
que a su vez se enamora de ella. Al querer ampliar el negocio es despreciado
por el temible gánster Nick Brown (Paul Kelly) y Eddie decide vengarse
abordando uno de los buques transportista del contrabando del mafioso Brown
pero allí se reencuentra con su antiguo compañero George Hally, quien<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>trabaja para Brown aunque confiesa desear
traicionarle. Eddie y George se asocian y dan una fuerte golpe al poderoso
gánster y este se venga asaltando un casino de Eddie donde encontrará la
muerte, en medio de los disparos, su auténtico amigo, el ex taxista Danny
Green. Nuestro hombre quiere dar el golpe de gracia a Brown y lo hace a pesar
que el sin escrúpulos George lo había vendido (destacable la escena donde Brown
huye abriendo una puerta de batientes en una cocina, Barlett le dispara y su
enemigo vuelve a entrar de espaldas, herido de muerte, y cae ruidosamente al
suelo mientras los batientes se abren-cierran con fuerza). Eddie descubre a los
enamorados y zarandea a Lloyd, quien le había anunciado abandonar la empresa.
Que Barlett conserva aún su buen fondo se demuestra al momento. LLOYD HARD: <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“¿Que
pretendes demostrar?”</i></b> EDDIE BARLETT: (después de reflexionar unos
instantes) <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“Nada, nada, perdóname</i></b>”. Y se aleja. Llega la caída de la bolsa
en octubre de 1929 y muchos, ricos y pobres quedan totalmente arruinados y se
abole la “Ley Seca” arrastrando a la ruina a muchos traficantes. Es lo que le
pasa a Eddie quien para salvarse vende su empresa a George quien le ofrece una
miseria. Ahora George es rico y poderoso, tranquilo al creerse protegido sobre
su vida, pasada y presente, delictiva. Eddie vuelve a la casi pobreza ganándose
el sustento con un taxi, otra vez, el único que George le dejó conservar. Un
día recoge una cliente que es Jean quien le dice que ella y Lloyd se casaron y
tienen un hijo de cuatro años. Le invita a entrar en casa, le presenta al niño
y llega Hard quien saluda efusivamente a su antiguo amigo. Ahora Lloyd es
ayudante del fiscal y está reuniendo pruebas para inculpar a George. Un día
Eddie recibe la visita de Jean quien le suplica ayuda ya que su marido ha
recibido amenazas de muerte de la banda de George. Nuestro hombre, con voz
etílica, se niega recordando la felicidad que podría ser suya pero recibe la
reprimenda de “Panamá”. Va a casa de George y, vigilado por un sicario, habla
con él. George le dice que ha planeado librarse de Lloyd y que él, Eddie, también
sabe demasiado de su vida… Entonces Barlett, aunque parezca bebido, agrede al
sicario y le quita el revólver. George, asustado, le ofrece ser socios otra vez
pero Eddie rechaza la proposición y dispara sobre su antiguo compañero cuando
este extraía una pistola de la caja fuerte. Escudándose en el sirviente baja
las escaleras y dispara sobre dos hombres más de George para huir herido
(disparo por la espalda) a la nevada calle (estamos en año nuevo). En aquel
momento llega la policía y detiene al resto de la banda de George mientras (en
un excelente travelling de ida) Eddie llega a las escaleras de una iglesia. Cae
por los nevados escalones y muere… Es asistido en sus últimos segundos por
“Panamá” mientras se acerca un agente de policía y pregunta quién era,
añadiendo que “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">parece un pordiosero</i></b>”. “Panamá” contesta “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Era un gran tipo</i></b>”… Ahora
otro formidable travelling de retroceso empequeñece las figuras de Eddie muerto
“Panamá” y el policía. La imagen de la iglesia representa la señal de remisión
posible para un hombre honesto, a pesar de todo, “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">un gran tipo</i></b>”…<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="tab-stops: 283.8pt; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";"><span style="mso-spacerun: yes;">
</span>Narcís Ribot i Trafí<span style="mso-tab-count: 1;"> </span><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="tab-stops: 283.8pt; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="tab-stops: 283.8pt; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">1)-
Joaquín Vallet Rodrigo: en un artículo tan sucinto como jugoso y acertado sobre
Raoul Walsh con referencia a “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El mundo en sus manos</i></b>”. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="tab-stops: 283.8pt; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">2)-
Cuando cerré estas líneas hace años al poco apareció en DVD “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Manpower”</i></b>,
subtitulado <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“Alta tensión”. </i></b>Efectivamente se trata de un drama con lenguaje
planificativo de “Cine Negro” con el hálito de tragedia griega/shakesperiana
propia de Walsh. Mismo caso que <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“La pasión ciega”</i></b>. Si esta trata de
la vida y problemas de los camioneros, “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Manpower”</i></b> lo hace sobre empleados de
la compañía de electricidad. Es una sobria y espléndida película.</span><span lang="ES"><o:p></o:p></span></div>
<br /><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi72AXk3hbqQDVKiZdMTTCYrMgvHiiuO49jWu9BU5bqS82WnfEllC_zkVDE2mLT-kJ0YbJIc_u_95oLnvQIGULVJsUdmxf7b2d_dfPbn2Zl4kvqJJxpIedG6upCwKdGdnWox0-GN32-erli/s1600/raoul-walsh.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="450" data-original-width="300" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi72AXk3hbqQDVKiZdMTTCYrMgvHiiuO49jWu9BU5bqS82WnfEllC_zkVDE2mLT-kJ0YbJIc_u_95oLnvQIGULVJsUdmxf7b2d_dfPbn2Zl4kvqJJxpIedG6upCwKdGdnWox0-GN32-erli/s320/raoul-walsh.jpg" width="213" /></a></div>
<br />Narcíshttp://www.blogger.com/profile/08118936220217813153noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6384052752908304011.post-71957419139811125482019-08-04T00:26:00.000-07:002019-08-04T00:26:07.148-07:00“MAGIC FIRE” (“FUEGO MÁGICO”), WILHELM DIETERLE (1955)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh5SD6sq1MFfVGiCCSAWXP7Q1p-djMXYNvp0D9HS59BIyxTSeiscxHWUcaz0M2oBB6tQeA5wnBWGVGU8KXCTlPk-8DkuiW5JuRrJrlIrinILBWqv0WTro9tAmJdKgT_55M0n1TGsBCDqDHt/s1600/magic_fire.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="454" data-original-width="300" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh5SD6sq1MFfVGiCCSAWXP7Q1p-djMXYNvp0D9HS59BIyxTSeiscxHWUcaz0M2oBB6tQeA5wnBWGVGU8KXCTlPk-8DkuiW5JuRrJrlIrinILBWqv0WTro9tAmJdKgT_55M0n1TGsBCDqDHt/s320/magic_fire.jpg" width="211" /></a></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Mientras estaba sentado ante el
balcón del palacio veneciano, los rayos del sol en el ocaso vagaban sobre el
agua y en los reflejos de las luces erraban los fantasmas de sus criaturas: Las
escenas del baile clásico de “Rienzi”; los marinos nostálgicos del “Barco
fantasma” con su canto; la Paloma de Montsalvat que llega en “Lohengrin”; la
bacanal en la gruta de Venus en “Tanhauser”, el pacto de amor en “Tristán e
Isolda”; la competición de bardos en “Los Maestros Cantores”, el vasto panorama
sinfónico del “Anillo del Nibelungo” y la exaltación final de las Campanas del
milagro de Viernes Santo en “Parsifal”</i></b>. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">(“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Magic Fire”/“Fuego Mágico”/”Escenas de la vida de Wagner</i></b>”,
novela de Bertita Harding)<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">EL FUEGO MÁGICO</i></b>” se encuentra en el
acto III de “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">LA WALQUIRIA</i></b>”, segunda etapa de la llamada Tetralogía de “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El
anillo del Nibelungo</i></b>”,<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>compuesta
por cuatro piezas: “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El oro del Rin</i></b>” (prólogo), “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">La Walkiria</i></b>” (1ª parte),
“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Sigfrido</i></b>”
(2ª) y “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El ocaso de los dioses</i></b>” (3ª). Colosal y genial obra de Richard
Wilhelm Wagner (1813- 1883).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">Wotan convence a Loge, el dios del fuego, para que
rodee a su hija, la walkiria Brünnilde, con un anillo de fuego con la única
posibilidad de ser atravesado solo por un héroe...<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">FUEGO MÁGICO</i></b>” (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">MAGIC FIRE</i></b>”) es también
el título de un biopic sobre Richard Wagner<span style="mso-spacerun: yes;">
</span>dirigido por Wilhelm Dieterle en 1955 a cargo de la compañía Republic.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">Cuando en 2013 se cumplía el bicentenario del
nacimiento de Wagner escribí un artículo sobre la figura del músico en el cine.
Hablé escuetamente sobre “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Fuego mágico</i></b>” puesto que aún no la
había visionado. Aunque no ha sido comercializada en DVD ni Blu Ray en
castellano logré verla por TV en una versión bastante precaria pero le descubrí
muchos más valores de los reconocidos en la época de su estreno: críticas
predominantemente positivas en Europa pero no en Estados Unidos (tampoco en la
recaudación taquillera americana), nacionalidad de la película.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">Cuando se trata de una novela histórica o de una película
histórica y/o biográfica el autor ha de desbrozar --- como un escultor sobre un
bloque de mármol --- mucha parte del material, saber el punto donde nos
dirigimos, estar seguro del mensaje a transmitir y por esta causa se omiten
muchos episodios sucedidos en la realidad o bien se reducen/sugieren/edulcoran.
<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">En el caso de “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Fuego mágico</i></b>” podemos
decir que guarda en mucho la “fidelidad” a la historia del músico con algunas
excepciones (lógicas) las cuales no son impedimento para considerarla una película
vistosa, elegante en muchos aspectos y bien planificada. Por ejemplo:<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">--- Al comienzo del film un joven Wagner de 21
años se presenta como director de orquesta en el teatro de Magdeburgo y bajo el
brazo lleva su ópera “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El buque fantasma”/”El holandés errante</i></b>”.
En realidad fue “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Las Hadas</i></b>”, una de sus obras primerizas (aunque con motivos
para profetizar al futuro genio en su madurez). “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El buque fantasma</i></b>”
llegaría más tarde. Será rechazado por un empresario/comerciante el cual le
trata de novato, un negociante cuyo único interés es ganar dinero y sin ningún
tipo de<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>sensibilidad artística ---<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">--- No se mencionan los hijos de Wagner con su
última esposa Cósima Liszt (Isolde Eva y Siegfried) ni a los de Cósima con su
anterior marido Hans Von Bulow (Daniela y Blandine), director de orquesta,
pianista cuyo matrimonio con Cósima deseaba profundamente Liszt<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>---<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">--- Se elude la homosexualidad del rey Luis II de
Baviera. Si se muestra la gran admiración del monarca por la música de Wagner
pero no la atracción que sentía por su persona ---<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">--- Franz Liszt rompió momentáneamente con Wagner
y su hija Cósima al separarse de Von Bulow, alumno y amigo de Liszt, el cual
siempre protegió al autor de “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Rienzi</i></b>” pero no le quería como
yerno. Después de cuatro años vino la reconciliación. Por su parte, Von Bulow
continuó siendo admirador de la música de Wagner. Años después trabó amistad
con Johannes Brahms y, recordando la ya existente relación de Cósima y Wagner
antes de separarse, le dijo: “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">No sabe, maestro, con que decoro llevaba yo
mi cornamenta</i></b>” (podía haberse añadido esta anécdota como fragmento
cómico y refuerzo del desarrollo de la historia). Aquí más bien nos habla del
enfado de Liszt por tratar irrespetuosamente los elementos cristianos en la
historia de “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Parsifal</i></b>”, la última obra de Wagner. Liszt ya vestía los
hábitos clericales y posiblemente si hubo discusión entre los dos músicos pero
el motivo principal es la ya descrita situación familiar. La reconciliación,
según el film, viene por el gran entusiasmo de ambos por la música ---<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">--- Las ideas anarco -izquierdistas de Wagner se
muestran en la película, su activismo y reunión en su propia casa con August
Röckel y otros líderes, su forzada huida a Suiza gracias a su amigo Franz Liszt
empezando una nueva etapa en su vida. En cambio no se menciona su
antisemitismo, su ataque a los judíos en principio por considerarse perjudicado
en su carrera por Giacomo Meyerbeer y otros. Atacó fuertemente en su libro “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El
judaísmo en la música</i></b>” pero también es verdad que innumerables personas
--- de derechas y de izquierdas --- en aquel tiempo y lugar eran profundamente
antisemitas aunque jamás incitó a que perdieran sus derechos y entre sus
allegados (amigo íntimo) mantuvo siempre a Hermann Levi, director de orquesta
de origen hebreo, una de las cinco personas portadoras del ataúd de Wagner en
su entierro<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>(Venecia, 1883) ---<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">--- Puede decirse que Wagner era profundamente
nacionalista aunque criticara algunas costumbres de “lo alemán”. Se deja
entrever. No se cita su amistad y posterior enemistad con Frederick Nietzsche
ni la influencia<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>del pensamiento de
Arthur Schopenhauer ---<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">--- Wagner, que no era un “niño prodigio” como
Mozart, Schubert o Mendelssohn, acaba en pocas semanas una composición cuando
en realidad tardaba años en hacerlo ---<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">Con todo ello <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“Fuego mágico</i></b>” es una de las
versiones más fidedignas sobre la vida del compositor. Recordemos que Wagner es
el músico del cual más se ha escrito, así como la tercera persona de quien más
literatura ha generado (después de Jesucristo y Napoleón Bonaparte). Su vida y
obra están repletas de controversias y polémicas, de oponentes y defensores, de
odio y fanatismo, a veces por circunstancias ajenas al músico, p. e. el que
Adolf Hitler fuera un admirador de su música (no otros nazis, como Goebbels) y
con ello entrar en juego los indocumentados para manifestar que Wagner era un
nazi cuando murió 50 años antes de la subida al poder de Hitler. Si es verdad
que su nuera (esposa de su hijo Siegfried Wagner), Winifred Marjorie Williams,
no solamente era militante sino que apareció varias veces cogida del brazo del
dictador quien apoyaba los festivales de Bayreuth. Otros familiares también
eran seguidores del partido nacionalsocialista y debemos tener presente que
Richard Wagner murió varios años antes de la boda de su hijo con Winifred.
Decir que Wagner era un nazi es una auténtica aberración y de una incultura
paralela a la de aquella alcaldesa la cual manifestó que el almirante Pascual
Cervera y Topete, héroe de la guerra de Cuba, era un “facha” cuando, ya
fallecido, faltaban algunos años para la aparición del movimiernto fascista y
el insigne marino era simpatizante de la breve I República Española y liberal o
sea un auténtico progresista y no como esta señora que se llena la boca de
“progresismo”, usada la palabra como coartada y en vano. Desde luego entre esta
especie de perroflautas no cabe un/una analfabeto/analfabeta más. Es
interesante el comentario de Angel Fernando Mayo en el prólogo del libro de
Charles Osborne (1) sobre la asociación de grandes catástrofes o matanzas
causadas por la mano del hombre en películas o documentales: <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“Y
cuando Francis Ford Coppola<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>ilustra con
“La cabalgata de las walkirias” con ese desaprensivo cinismo depredador de los
bienes de dominio público que caracteriza a nuestra desorientada época, la
eficaz secuencia cinematográfica del bombardeo con helicópteros --- tenebrosos
ángeles de la muerte --- de una indefensa aldea vietnamita ...que el
desinformado cerebro de millones de espectadores pasivos en todo el mundo deje
de confundir efectivamente a Wagner con este o aquel holocausto”. </i></b><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">Citemos algunos detalles y curiosidadades:<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">--- La película fue producida por Republic,
modesta compañía cinematográfica para serie B, realizó seriales y muchos
westerns y entre ellos una obra maestra, “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Johnny Guitar</i></b>” (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Johnny
Guitar</i></b>”, 1954), de Nicholas Ray. “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Fuego mágico</i></b>”, con mucho mayor
presupuesto, también fue rodada con el excitanre sistema <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Trucolor </i></b>bajo la experta
guía de excelentes cámaras como Karl Freund (también fue realizador) y Gunter
Rittau ---<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">--- Aunque nació en Hollywood el film se rodó en
Alemania en lugares reales en donde transcurre la acción: el castillo de
Neuschwanstein, en Füssen, mandado construir por Luis II de Baviera (empezado
en 1969- terminado en 1886),<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>muy visitado
por el turismo en la actualidad, la casa de la familia Wesendock en Suiza y
museo hoy en día, en Bayreuth, sede de los festivales wagnerianos, en palacios
y teatros entre otros lugares mientras los interiores se filmaron en los
estudios Bavaria de Munich. Al rodarse en Europa intervinieron algunos actores
del Viejo Continente ---<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">--- En Alemania la compañía Gloria Film Munich
participó en la producción. Mientras Dieterle trabajaba en el montaje y
sincronización del film fue llamado por el productor Harry Cohn para
reemprender el rodaje de una película inacabada y al regresar a Estados Unidos
la Gloria Films a espaldas del realizador cortó el negativo y redujo la
duración de 150 a 94 minutos y “el film exhibido es la sombra de si mismo” como
dice el único estudio en soporte de libro sobre el director (2). En diversos
estrenos en otros países y en diversas TV cortaron alguna escena más. A pesar
del estropicio causado por la mutilación la cinta es visible y entretenida
(algunos la acusan de repetitiva por las forzadas elipsis para la continuidad
narrativa, no lo veo tanto). Se acusó al realizador (injustamente) de mostrar
demasiado claramente las ideas “izquierdistas” de Wagner. Todo ello constituyó
un gran disgusto para Dieterle el cual era un wagneriano de primera fila
(cuando escuchaba su música no podía contener los sollozos) ---<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">--- La música de la película es de Wagner, por
supuesto. El coordinador y director de música fue uno de los grandes: Erich
Wolfgang Korngold, entre sus trabajos estan películas como “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Juárez</i></b>”
del mismo Dieterle, “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Las aventuras de Robin Hood”</i></b>, “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El
capitán Blood</i></b>” o “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El halcón del mar</i></b>”, las tres de
Michael Curtiz (Korngold, 1897- 1957, se había ya jubilado pero intervino en el
film gracias a la intercesión de Dieterle) fue también intérprete representando
al director de orquesta Hans Richter, director de diversas obras wagnerianas en
el Festival de Bayreuth desde su creación en 1876, puesto que el actor para
este papel no se presentó al rodaje ---<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><o:p></o:p></b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">WILHELM DIETERLE</span></b><span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">
(Ludwigshafen, Alemania 1893- Ottobrunn, Alemania 1972), menor de los nueve
hijos de Jacob y Berthe Dieterle, empezó a trabajar como carpintero. Atraido
desde su infancia por el arte escénico a los 16 años había entrado ya en una
compañía de teatro ambulante. Conoció a Max Reinhardt en 1919 el cual le
contrató para sus películas empezando a trabajar como actor en 1921 ganando una
merecida reputación para dos años después dirigir su primera película: <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“Der
Mensch amb Wege</i></b>” (1923) con una Marlene Dietrich en el comienzo de su
carrera. Dieterle y su esposa, Charlotte Hagenbruch, crearon productora propia
lo cual le reportó poder dirigir más películas. Había triunfado como actor de
carácter y ahora era considerado un realizador muy solvente, con pericia,
acierto en la elección de los planos y un incipiente romanticismo, muy de
agradecer, extendido con más fuerza en el futuro. En 1930 emigró a estados
Unidos con la excusa de un contrato de trabajo y adoptó la nacionalidad
estadounidense, ahora tradujo su nombre al inglés: <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">WILLIAM DIETERLE.</b> Como otros realizadores la causa fue la amenaza
del nazismo para tomar el poder, cosa que logró en 1933. Se adaptó al estilo
hollywoodiense en seguida consiguiendo algunas obras, entre ellos, tres biopics
(“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">La
tragedia de Louis Pasteur”</i></b>, 1936,<span style="mso-spacerun: yes;">
</span>“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">La vida de Émile Zola</i></b>”, 1937 y la formidable “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Juárez”</i></b>,
1939, entre lo mejor de su fructífera carrera) además de otras en las cuales se
cuenta “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Esmeralda la zíngara</i></b>” (1939), según la historia de Victor Hugo
y “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Blockade</i></b>”
(1938), película ambientada en la Guerra Civil española. En los cuarenta logró
una serie de films considerados por muchos como lo mejor de su obra destacando
“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El
retrato de Jennie</i></b>” (1948) --- según algunos una de las mejores
películas de la historia del cine ---, “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Kismet</i></b>” (1944), “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">The
Devil and Daniel Webster”</i></b> (1941) y “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Dr. Erlich's Magic Bullet”</i></b>
(1940) entre otros, recordando su parte y colaboración (entre otros varios
realizadores) de “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Duelo al sol</i></b>”, exhuberante, especial y significativo western
firmado posteriormente en solitario por King Vidor<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">La ciudad en sombras</i></b>” (1950), la
bíblica <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“Salomé” </i></b>(1953), “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">La senda de los elefantes</i></b>” (1954) y
el biopic wagneriano “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Fuego mágico</i></b>”. También trabajó en
Italia y Alemania al final de su carrera, además de alguna TV pero estamos ya
lejos de sus obras más conseguidas.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">La interpretación es más que notable. Alan Badel,
el Juan Bautista de “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Salomé</i></b>”, aparecido en el 5º lugar
del reparto es un Richard Wagner más centrado y conmedido de los que algunos
esperaban con bastante parecido físico a su personaje con excepción de su
estatura, más alto que el auténtico Wagner; Carlos Thompson es un muy
convincente Franz Liszt, amigo y protector de Wagner salvo en el ya señalado
período (cuatro años) de su enfado con la pareja; Rita Gam es Cósima, la hija
de Liszt y esposa de Wagner, resaltando también Erik Schumann como Hans von
Bulow, anterior marido de Cósima, Valentina Cortese como Mathilde Wasendonck de
la cual se enamorará Wagner durante su exilio en Suiza, dedicándole su “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Tristán
e Isolda</i></b>”; el entrañable Peter Cushing (antes de ser más conocido en
sus películas de terror y fantasía de Hammer y otros estudios) como Otto
Wasendonk, el esposo de Mathilde; Yvonne de Carlo interpreta a Minna Planner,
primera esposa de Wagner y Gerhard Riedmann encarna a Luis II de Baviera, etc.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">David T. Chandler y Ewald André Dupont elaboraron
un guión utilizando la novela de la novelista Bertita Harding (1902- 1971), la
historia de “Juárez” es también de ella, y bastante fiel a ella. Se centran en
lo que podríamos decir los cuatro puntos cardinales de la vida de Wagner de los
que tres son las mujeres con las cuales se relacionó más, convivió y casó con
dos (Minna Planner y Cósima Liszt). Cuatro puntos en la novela: 1º. Minna, 2ª.
Matilde, 3º. El Rey, 4º. Cósima, consiguiendo con ello una película mucho mejor
de lo dicho y a pesar de sus cortes y otros condicionamientos demostrando que
Wagner era un genio y su música maravillosa e imperecedera...<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;"><span style="mso-spacerun: yes;">
</span>Narcís Ribot i Trafí</span><o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">1)- “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Wagner</i></b>”, de Charles Osborne (1985).
Biblioteca Salvat de grandes biografías.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">2)- “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">William Dieterle</i></b>”- Editado por la
Filmoteca en ocasión del Festival de San Sebastián y escrito por Hervé<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>Dumont (1994).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;"><span style="mso-spacerun: yes;"><br /></span></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiLzC1rrDjiJ667OEvIKnb-5HyAbXuOHQJIVqoreDJu8zMAfw4TiNDi4RRRPMIWmvvQinw8Z4EJdUTLvQEqZnTgwKQC21Ce6KsFTZ_75amVAqTn6MjUBYa6c9nZtgBy20rhegT0PCnmt16l/s1600/Dieterle.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="960" data-original-width="1256" height="244" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiLzC1rrDjiJ667OEvIKnb-5HyAbXuOHQJIVqoreDJu8zMAfw4TiNDi4RRRPMIWmvvQinw8Z4EJdUTLvQEqZnTgwKQC21Ce6KsFTZ_75amVAqTn6MjUBYa6c9nZtgBy20rhegT0PCnmt16l/s320/Dieterle.jpg" width="320" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;"><span style="mso-spacerun: yes;"><br /></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;"><span style="mso-spacerun: yes;"><br /></span></span></div>
<br />Narcíshttp://www.blogger.com/profile/08118936220217813153noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6384052752908304011.post-80214646747347129282019-07-13T11:07:00.002-07:002019-07-13T11:07:51.069-07:00“MURIERON CON LAS BOTAS PUESTAS” (RAOUL WALSH, 1941)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhY3zEr5LKzpifK7L1BmzOJ6zhCcMwyDkm5mPt2BWtoo9jvimmY4U-d7NuIFgIS73a382oiAkiFKHoLA13wWlSo602GbGAAly6t5F5ABMlat9utsU9qUEdsVxRBeyrXR6K63bLPOZA4IUSs/s1600/1941-Murieron-con-las-botas-puestas-Raoul-Walsh-USA-2.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="461" data-original-width="600" height="245" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhY3zEr5LKzpifK7L1BmzOJ6zhCcMwyDkm5mPt2BWtoo9jvimmY4U-d7NuIFgIS73a382oiAkiFKHoLA13wWlSo602GbGAAly6t5F5ABMlat9utsU9qUEdsVxRBeyrXR6K63bLPOZA4IUSs/s320/1941-Murieron-con-las-botas-puestas-Raoul-Walsh-USA-2.jpg" width="320" /></a></div>
<br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">“Aún asoman
rechazos en torno a este film a causa de su libérrimo enfoque de la vida del
militar George Armstrong Custer. Pero, en primer lugar, la ficción
cinematográfica no está condenada a dar clases de Historia y adquiere virtudes
estéticas con independencia de su fidelidad a los hechos del pasado; aún más,
el Western no es la Historia del Oeste, sino un género narrativo que aporta sus
propias leyendas y toma aquella como pretexto y punto de partida. Y, en segundo
término, la obra de Walsh integra una contemplación muy astuta del personaje
desde un ángulo crítico: lo presenta sometido psicológicamente a delirios
militaristas, de forma irónica en los días<span style="mso-spacerun: yes;">
</span>de sus estudios en West Point y de modo cáustico en su período de
inactividad, cuando se refugia en la bebida y exhibe una completa inadaptación a
la vida civil; finalmente, la marcha hacia su última batalla queda precedida
por una considerable ingestión de alcohol, tal vez determinante de sus postreros
sueños en el logro de la gloria</span></i></b><span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">”.<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>(Javier Coma, 1)<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">“Por consiguiente,
el retrato de Custer no parece quedar muy alejado de la realidad histórica,
aunque esto tenga escasa importancia a efectos de credibilidad dramática. Pero,
además, el film se inscribe en las posturas izquierdistas del Hollywood de la
época: los villanos son los blancos (desde los comerciantes y financieros hasta
los políticos) y no los indios, contemplados con sumo respeto y objeto de
defensa por el relato</span></i></b><span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">…” (Javier Coma, 2)<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Los dos párrafos
citados corresponden a sendos estudios de Javier Coma sobre “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">They
Died with Their Boots On”</i></b> (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Murieron con las botas puestas</i></b>”),
dirigida por Raoul Walsh (1941) a cargo de Warner Bros. De los varios excelentes
análisis sobre esta película de los cuales disponemos en la actualidad quizás
sea el erudito Javier Coma quien haya acertado de lleno en la diana y, además,
de forma clara y brillante. Efectivamente, en nuestro país existieron durante
mucho tiempo dos tendencias en la crítica cinematográfica representativas del
maniqueísmo tan claro como absurdo (las opciones intermedias prácticamente no
contaban). El totalitarismo se volvió un poco más permisivo en algunos puntos
con el paso de los años mientras la censura se relajaba algo, no mucho. Para
los partidarios de este régimen de vida y sus críticos cinematográficos solo
contaba “buscar mensajes”, todo era falta contra la moralidad o pecado y en
ocasiones demonizaban el cine que no encajaba con sus ideas (recordemos aquella
película en donde una pareja de novios fue convertida en dos hermanos según la
versión española y, por consiguiente, gracias a la censura en un momento se
insinuaba un incesto, algo tan ridículo y absurdo que ha pasado a la historia
de los disparates y de la manipulación). Por el contrario aparecieron los del
otro lado, para aquellos solo era bueno el cine “comprometido”, se alababan
films provenientes del Este, lo demás todo era malo. Entre los de un lado y los
del otro<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>lograron que en este país el
cine clásico, el buen cine no fuera apreciado en su totalidad. Cuando a finales
de los ochenta/principios de los noventa unos acontecimientos hicieron
derrumbar un sistema de vida presentado como ideal y perfecto muchas de estas
personas habían cambiado de disfraz, mutaron a tiempo de careta o de camisa
para sacar beneficios personales del nuevo orden y ocultar su mediocridad.
Anteriormente habían esperado la agonía de un anciano dictador y su régimen
político --- en realidad tanto el cine como la situación de los parias y
marginados les importaban más bien poco (la mayoría eran cachorros de la
burguesía con tintura “progresista”, o mejor dicho “pseudo progresista”) ---
para ocupar puestos importantes en el nuevo sistema que surgiría en el futuro y
después se manifestaron “democráticos”.<span style="mso-spacerun: yes;">
</span>Estos personajes cuyas frases causan vergüenza ajena llegaron a llamar
“fascista, exterminador de indios”, entre otras lindezas, a John Ford y a
otros. Tiempo después, en especial por las críticas del cine de autor
provenientes principalmente de Francia vieron que aquello era totalmente al
revés de lo dicho por ellos, que Ford respetaba profundamente a los indios, que
en sus películas nunca los señaló como salvajes sedientos de sangre, que parte
de sus ganancias iban a la reserva india, que era considerado miembro de honor
de la tribu de los navajos con el nombre de “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Natani Nez</i></b>” (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Jefe
Alto</i></b>”), que en sus declaraciones manifestaba la gran injusticia sobre
los nativos de América (¿acaso no era una disconformidad con la sociedad
norteamericana el no ir a recoger ninguno de los seis Óscar recibidos?), que
defendió a sus compañeros en la época de “Caza de brujas” del senador Joseph
McCarthy (especialmente a Joseph Leo Mankiewicz), que … Todo ello demuestra no
miopía sino ceguera total sobre el hecho de analizar una obra (tanto en lo
temático como las intenciones del discurso) y en una mala fe con gran arte en
la manipulación de sus escritos. Años después, John Ford estaba ya reconocido
(o casi), cuando ya era “políticamente correcto” no solamente defenderle sino
alabar su obra apareció un estudio donde se intentaba dar a su cine una
interpretación “marxista”. Igual de absurdo que los anteriores. Pues algo
parecido le pasó a Raoul Walsh al dirigir “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Murieron con las botas puestas”</i></b>. Dos
puntos antes de entrar en materia:<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">1)-<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>La Warner había pensado ya en Errol Flynn
para interpretar al militar George Armstrong Custer. Flynn debía mucho al
realizador Michael Curtiz, había trabajado para él en varias ocasiones
(recordemos “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Las aventuras de Robin Hood</i></b>” o “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El capitán Blood</i></b>”) pero
los enfados de este con el actor eran continuos por su indisciplina, por presentarse
tarde al rodaje, por su adicción etílica y finalmente llegaron a un
enfrentamiento físico. Juraron que en adelante jamás trabajarían juntos. De
esta forma en varias ocasiones se puso bajo las órdenes de un realizador en
pura efervescencia, Raoul Walsh <span style="mso-spacerun: yes;"> </span>(“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Río
de plata</i></b>”, “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Objetivo Birmania”</i></b>, “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Gentleman Jim</i></b>”, “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El
mundo en sus manos”</i></b> etc.). Según noticias hubo también discusiones en
según que momentos pero en general Walsh tuvo más paciencia que Curtiz.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">2)- El guión de “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Murieron
con las botas puestas</i></b>” es de Walli Kline y Aeneas McKenzie. Este último
era militante de izquierdas y fue perseguido en la “caza de brujas” del senador
McCarthy. Otro dato ignorado por los señores “progresistas de salón”
anteriormente mentados.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">El Custer
interpretado por Errol Flynn<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>no está tan
lejos de la realidad --- como subrayó Coma ---, se trata de un sujeto
anárquico, infantiloide, ingenuo, a veces algo tonto e incluso ridículo el cual
por una serie de acontecimientos (algunos ajenos a él) sube en el escalafón
militar en la guerra de Secesión poniendo su persona ya en evidencia cuando
entra en West Point para su formación marcial y cuando termina la guerra se
adherirá a la vagancia y al alcohol porqué se reconoce totalmente inadaptado para
la vida civil en la cual subsistía gracias a las rentas de su esposa Libby
(excelente Olivia de Havilland).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">La película se
divide en dos partes. 1) La llegada de Custer a West Point en donde despierta
la hilaridad de la compañía: vestido con un traje de un siglo antes --- al
principio le toman por un oficial de alta graduación --- y acompañado por una
media docena de perros; luego deberá aguantar la broma pesada de quien se
convertirá en su eterno adversario, el corrupto Ned Sharp (Arthur Kennedy): le
aloja en la habitación del oficial al mando --- aprovechando su ausencia --- y
al regresar se produce el correspondiente escándalo. Custer será arrestado,
objeto de burlas, insultado y todos se reirán de él. Al recobrar la libertad
agrede a Sharp y al ser arrestado defiende a su opositor con el silencio y
evita su responsabilidad en la acción del caso sobre el alojamiento. Al
principio y durante casi todo el film Custer busca la gloria mediante acciones
de guerra pero al final llegará a equipararla con el infierno mientras que para
Ned Sharp lo más importante en la vida es la adquisición del dinero. 2) La
segunda parte es el conflicto con los indios. Custer captura a “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Crazy
Horse</i></b>” (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Caballo Loco</i></b>”), interpretado por Anthony Quinn, y le perdona la
vida para finalmente, entre la polvareda de la batalla en <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Little Big Horn</i></b>, rodeado
de los cadáveres de sus compañeros (entre los que está Sharp a quien ha
obligado a tener parte en la contienda) y con el sable en la mano, es abatido
de un solo disparo por <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Caballo Loco</i></b>. El gobierno ha
incumplido el tratado con los sioux --- un personaje en una reunión comenta: “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Los
únicos americanos auténticos son los que llevan plumas en la cabeza</i></b>”
--- y una de las motivaciones que conducen a Custer, en la acción del film, al suicidio
de <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Little
Big Horn</i></b> consiste en que los hombres de Washington le han hecho faltar
a la palabra que él dio a <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Caballo Loco</i></b> de preservar las “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Black
Hills</i></b>” (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Colinas Negras</i></b>”) de una invasión de colonos.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">De esta forma,
como en los espejos cóncavos y convexos valle-inclanescos el magnífico Raoul
Walsh nos cuenta en el fondo, de manera totalmente trepidante, lo sucedido con
Custer, en realidad una circunstancia de la época política y social en la cual
vivió. Y la verdad auténtica se explica no mostrando al siniestro carnicero
exterminador de indios (como en la nefasta “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Pequeño gran hombre</i></b>”, de
Arthur Penn, 1970, señalada como “fiel” a la historia pero totalmente infiel a
la calidad cinematográfica) sino a un ingenuo arribista víctima del “juego
sucio” de los políticos, capitalistas y militares que no pensaban como él en el
“juego limpio” y cumplimiento de la palabra de honor dada a los pieles rojas.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">En su primera
parte Walsh impregna la película con retazos de comedia (en hibridación de
géneros el sustrato de comicidad estaba presente en todos los géneros tocados
por él --- negro, western, bélico, aventuras --- aparte de realizar alguna
comedia propiamente dicha) y de un romanticismo exacerbado en grado sumo y su
segunda parte, sin abandonar lo cómico y romántico, se convertía en tragedia
shakesperiana (Walsh fue siempre un admirador de Shakespeare y estas
reminiscencias estarán siempre en sus obras: “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Juntos hasta la muerte</i></b>”,
“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Los
violentos años 20</i></b>”, “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Pursued”</i></b>, “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Camino de la horca”, “Al rojo
vivo”</i></b>, etc.).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">La primera parte
cronológica del film está narrada prácticamente en clave de comedia: la
formación en West Point y prolongación en la Guerra Civil para llegar a los
tiempos de paz en los cuales Custer cae bajo la esclavitud del alcohol,
holgazanea sin rumbo y no se siente feliz hasta entrar en acción dentro de la
guerra con los indios (aquí empieza la segunda parte de la historia)<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>aunque se hundirá al ver cuando el gobierno no
cumpla su palabra dada a los pieles rojas y él, hombre de honor, los respeta
profundamente. Veamos algunas escenas destacables de esta primera sección:<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">---La película se
abre con la exposición de una academia militar. Un cartel nos informa: West
Point, 1857. Un grupo de aspirantes a reclutas vestidos aún de paisanos con sus
maletas y sombreros se dirigen al sargento: “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Somos los nuevos cadetes,
oficial”. </i></b>Contestación<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">: ni Vds. Son cadetes ni yo oficial”</i></b>,
indica al cabo Sharp que se ocupe de ellos, éste les hace dar varias vueltas y
vemos su inexperiencia (lógica) al ir en varias direcciones, les indica el
camino del cuartel y hacia el final de la formación zancadillea a uno que al
caer arrastra a los de detrás. Vemos en un mismo y acertado plano: los caídos
al suelo, Sharp mirándoles en el centro y girando de cara al espectador, situado
a un lado y ahora en el centro de la pantalla, riéndose estúpidamente de lo
provocado por él, mientras en el fondo el grupo de aspirantes no caídos
aceleran su marcha hacia los cuarteles. El sargento le dice que esta acción no
está bien y que un día encontrará la horma de su zapato. “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Puedo permitírmelo, mi sargento</i></b>”
y el superior le recuerda que tiene suerte gracias al dinero y la influencia de
su padre. En aquel momento entra Custer vestido con el uniforme del mariscal
Joaquín Murat y todos creen que es un mando superior, al menos general. Le
acompañan una media docena de perros y un muchacho de color que los conduce ---<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">--- Al momento
Sharp ve aquel ingenuo joven que nada sabe del ejército como víctima de su
siguiente novatada. Lo lleva a la habitación del mayor, siempre en tono amable
y servicial. Cuando llega este el escándalo es de órdago: <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“¿Qué hace usted aquí? ¿Quién es
usted? ¿Qué hace con este disfraz de opereta? ¿De que manicomio ha salido?</i></b>
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">¡Yo
soy el mayor Romulus Taipe y usted es un imbécil!</i></b>” Le expulsa y hecha a
los perros (se llaman Aníbal, César, Alejandro, todos con nombre de
conquistador) pero el novato no delata quien le ha gastado esta pesada broma.
Cuando Sharp le ve sonríe: “¿<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Qué tal, mariscal Murat”?</i></b> Ahora Custer
sale de la fila y le da un puñetazo. Es llevado ante el general Phil Sheridan
(John Litel) quien le dice que pegar a un superior puede castigarse con la
muerte, que en el ejército no hay sitio para asuntos personales y le va
expulsar. Al preguntarse por la inscripción contesta que nunca hizo tal
inscripción ni nunca estuvo en ninguna oficina. “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Si no ha sido admitido no puedo
expulsarle</i></b>”. Después el general dirá que “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">hay algo en este joven que le
agrada</i></b>”. Por el contrario, Romulus Taipe (Stanley Ridges) será un
enemigo jurado de Custer, como Sharp.---<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">--- Custer intuye
la futura Guerra de Secesión y desea participar en ella. Aparece el capitán Lee
(futuro general sudista) que abandona el ejército del Norte. Walsh nos muestra
un desfile en West Point encadenado con la explosión de una bomba. Ha estallado
la guerra, escenas de los dos ejércitos en combate con sucesivos encadenados
con las portadas de los periódicos. En una reunión de generales y altos mandos
se decida ascender a Custer a teniente. Lo recuerdan: nulo en disciplina,
organización y táctica (hacen ironía comparándolo con otro pésimo cadete en
estos aspectos: Ulisses S. Grant, futuro presidente) pero es el mejor jinete y
habilísimo con el sable ---<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">--- Aún sin saber
su ascenso, mientras hace guardia cumpliendo con uno de tantos castigos conoce
a Elizabeth “Libby” Bacon, su futura esposa: la joven le comenta que su padre
es íntimo amigo del general Sheridan pero él no contesta ya que al estar de
guardia no puede hablar: Libby aparece en perpendicular al fondo de la
pantalla. Cuando sepa lo de su ascenso correrá detrás de ella para darle
explicaciones y pedirle disculpas. Ya tenemos el flechazo aunque al principio
tendrá dificultades: en una taberna ridiculiza a un hombre --- “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">pajarraco
gordito</i></b>” (criticaba a miembros del ejército) quien resulta ser Samuel
Bacon (Gene Lo Lockhart), el padre de Libby el cual le expulsará con cajas
destempladas al presentarse en su casa (como un segundo Taipe). Más adelante,
gracias a sus hazañas en la guerra y las recomendaciones de Sheridan firmarán
la paz y le admitirá de buen grado como yerno ---<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">--- Custer está
triste e impaciente a la vez: los ejércitos confederados avanzan hacia
Washington y a él no le han dado ningún destino. Quiere hablar con el ayudante
del teniente general Winfield Scott pero éste resulta ser Romulus Taipe quien
le dice que nunca le dará ningún destino en la caballería. La escena cuando
conoce al Lt. General Sccott (Sydney Greenstreet), siguiendo el casi absoluto lenguaje
de comedia de toda esta primera parte, está rodada con una exquisitez
inigualable. El general --- hombre grueso y gran gourmet --- “…<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">es un
señor que come muy bien”</i></b> (le comenta un camarero de color) y tiene
debilidad por las cebollas. Dice el comensal que (solo) comerá entremeses,
patatas al gratén, solomillo doble, sopa y, naturalmente, cebollas a la crema
puesto que el ejército Confederado está no lejos de Washington (a 35 millas). “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Se
nos han acabado las cebollas”</i></b>, responde el camarero y entonces se
levanta Custer y le ofrece al general su ración de cebollas. Encantado éste le
hace sentar en su mesa para comer juntos incoándose una amistad para poder
entrar en acción. Van juntos a la oficina y la sorpresa de Romulus es inmensa.
Le deja elegir el destino. “El II es el mejor” y allí le envía aquella misma
noche: “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Es orden mía</i></b>”. Cogiendo el caballo de Romulus llegará al frente
y allí se encontrará otra vez con Ned Sharp, ahora también teniente ---<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">--- 21- julio-
1861- 16 horas: un paisaje se llena de soldados de la Unión al aparecer detrás
de un terraplén, planos opuestos de ambos ejércitos hasta encontrarse, luchas
encarnizadas, valentía y arrojo de Custer quien conquista un puente por donde
podrá pasar la tropa unionista. Ante la negativa de Sharp de retirarse --- él
cumple órdenes del alto mando --- le derriba de un puñetazo y logra su objetivo
aunque será herido en un hombro. El general Sheridan le condecorará (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Cuando
un militar desobedece una orden</i></b> <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">en combate o bien se le fusila o se le da
una medalla, usted ha ganado lo último</i></b>”. “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Ya ve</i></b>” --- responde
Custer --- “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Un pedazo de plomo en un hombro y uno de plata en el otro”</i></b> ---<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">--- Ante la
presión de los confederados, ya en Gettysburg, hay un error en el cuartel
general y Custer es ascendido a general. Detendrá victoriosamente a los sudistas
con los regimientos 5º y 6º de Michigan. La guerra va cambiando de signo y la
victoria es para la Unión. Todos reconocen sus proezas y se reconcilia con su
futuro suegro ---<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">--- Un retrato
oval- detalle de Samuel Bacon con unas fechas (1805-1866) nos indica que el
suegro ha fallecido, la cámara se desplaza lentamente hasta la puerta por donde
entra Libby. Recibe la visita de Sharp y su padre William Sharp (Walter
Hapden). Su enemigo le ofrece olvidar rencillas y ser presidente de una
compañía para adquirir territorios (expropiándolos a los indios, claro), el
nombre del héroe les haría vender y le ofrecen un sueldo millonario. Custer lo
rechaza, no busca el dinero, y les despide. Libby irá a hablar con el general
Scott para librar a su marido de una probable depresión y finalmente será
enviado al territorio sioux para posibles acciones militares ---<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">--- Plano similar
al de la Guerra de Secesión: un paisaje se llena de pieles rojas salientes de
una pendiente en actitud amenazante. Atacan la unidad de Custer y su esposa. Se
enfrenta a “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Caballo Loco</i></b>” y le desarma, le captura y promete respetar su
vida ---<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">--- En el fuerte
empezara a ver la alianza del poder y el capital. Se venden rifles y alcohol a
los indios para hacer estallar la guerra y exterminarlos y uno de los motores
de tal acto es el corrupto Ned Sharp quien se reúne con su padre y Taipe
(nombrado comisario del ejército) para planear la expoliación de Colinas Negras,
haciendo correr la voz de que hay oro y Custer le dice a Taipe (ahora ya no es
militar sino político): “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Es usted un político sin escrúpulos, un
corrupto despreciable”</i></b>. Custer es relevado del mando: “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Si yo
fuera indio, lucharía al lado de “Caballo Loco</i></b>”. Visita a Ulysses S.
Grant, el presidente y le pide ser reintegrado al 7º de caballería y el
presidente, recordando su pasado militar se lo concede. Custer sabe que se
dirige hacia la muerte. Emborracha a Sharp y se lo lleva al frente. Se despide
de su esposa quien se desmaya cuando él se va. Caerán todos en Little Big Horn
y lo más triste es que nuestro hombre lo hará sabiendo que el enemigo tenía
razón---<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">--- “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Lo
dicho por Custer se ha cumplido</i></b>” --- dice Sheridan--- “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Todas
las tribus de indios se unieron ante la invasión de “Colinas Negras y todo por
culpa de su ambición”.</i></b> Ante la viuda de Custer y del general Sheridan
los asustados Taipe y William Sharp (quien arrastra con lógica pena la pérdida
de su hijo) prometen disolver la compañía de expoliación ---<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">La música es de
Max Steiner, ha pasado a la historia en sus diversas variaciones según el
momento a lo largo de toda la película y la fotografía de Bert Glennon, uno de
los fotógrafos preferidos por John Ford (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">La diligencia</i></b>”, “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Corazones
indomables</i></b>”), Raoul Walsh y Cecil B. DeMille. Sencillamente descriptiva
e impactante. La puesta en escena de Walsh es electrizante y “totalmente
moderna”: eficacia ligada con romanticismo, fogosidad, brillantez, contención,
ironía y ello con economía fílmica (escuela de John Ford) que le concedían al
realizador el ser uno de los más grandes de la historia del cine…<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><span style="mso-spacerun: yes;">
</span>Narcís Ribot i Trafí <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">1)- <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“Diccionario
del Western Clásico</i></b>” – Javier Como- Plaza & Janés, 1992<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">2)- “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Caravana
hacia el Western</i></b>” – Javier Coma- Alianza Editorial, 1996<o:p></o:p></span></div>
<br /><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh1o8NOSk_ea282wZlpqNtDNGOL0PEm1LqfmXdAijP9fJEwH-ussxA-I2lnPWuLoUnKyRAWPYDXzZf2ZVIQsh7oKVOawqMsfW_mtUZ_LKwEvdtdRqXrTvL9mjiXUfHoGT-vl2Vta208h9gv/s1600/RAOUL+WALSH.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="622" data-original-width="500" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh1o8NOSk_ea282wZlpqNtDNGOL0PEm1LqfmXdAijP9fJEwH-ussxA-I2lnPWuLoUnKyRAWPYDXzZf2ZVIQsh7oKVOawqMsfW_mtUZ_LKwEvdtdRqXrTvL9mjiXUfHoGT-vl2Vta208h9gv/s320/RAOUL+WALSH.jpg" width="257" /></a></div>
<br />Narcíshttp://www.blogger.com/profile/08118936220217813153noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6384052752908304011.post-14625803617993905812019-06-25T15:54:00.003-07:002019-06-25T15:54:57.257-07:00“THE WOLF MAN“ (“EL HOMBRE- LOBO”) , GEORGE WAGGNER (1941)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgnFzjtaXJkfvyfpVmKWUmv9kqT789FoxExyG4tV0Q4NL2nZT2-nWAaNn0-0Kf99fRVBs-ABZN231YrDAf4fYwswhKr0ymzLj7TVbK__i_dsuACPb_WGkITsP0cLIA6n50kwQNH1-FYgghN/s1600/El+Hombre+Lobo+George+Waggner+1941+%25281%2529.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="576" data-original-width="720" height="256" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgnFzjtaXJkfvyfpVmKWUmv9kqT789FoxExyG4tV0Q4NL2nZT2-nWAaNn0-0Kf99fRVBs-ABZN231YrDAf4fYwswhKr0ymzLj7TVbK__i_dsuACPb_WGkITsP0cLIA6n50kwQNH1-FYgghN/s320/El+Hombre+Lobo+George+Waggner+1941+%25281%2529.png" width="320" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<br />
<div class="MsoNormal">
<span style="mso-spacerun: yes;"> </span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="mso-spacerun: yes;">
</span><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">“Incluso un hombre de alma
pura puede convertirse en lobo si florece el acónito y en el cielo brilla la
luna llena”.</span></i></b><span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span>El notorio escritor y
guionista de temas fantásticos Curt (o Kurt) Siodmak (Dresden, Alemania 1902-
California, USA 2000) --- a quien tuve el honor de conocer y hablar con él
largo rato en el Festival Sitges- 1987 ---, redactó un guión en 1941 para
Universal con la intención de celebrar el décimo aniversario del éxito en
referencia de sus personajes terroríficos: “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Drácula</i></b>” (1931), “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Frankenstein</i></b>”
(1931), “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">La momia</i></b>” (1932), y “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El hombre invisible</i></b>” (1933), creando
un mito nuevo, el hombre- lobo o licántropo. Curt era hermano de Robert Siodmak
(1900- 1973), destacable realizador especialmente en cine negro. Ambos hermanos
huyeron de su Alemania natal a causa de la subida del nazismo al poder. <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><o:p></o:p></b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">I)- UN GUIONISTA: CURT SIODMAK-</span></b><span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;"> Los hermanos Siodmak provenían de una acomodada familia alemana de origen
judío arruinada tras la I Guerra Mundial. Sus progenitores eran persona de gran
cultura además de frecuentar reuniones con intelectuales y artistas de la talla
del compositor Richard Strauss. Conoció la angustia de los campos de
concentración, del exilio para finalmente asentarse en USA y sobrevivir en paz.
<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">Curt Siodmak ocupa<span style="mso-spacerun: yes;">
</span>un privilegiado lugar en los anales del cine fantástico: autor de varias
novelas, once de tema fantástico, redactor de 26 guiones cinematográficos y
pasado tras la cámara para dirigir cinco largometrajes de poco presupuesto.
Entró en nómina de Universal, especializada en cine fantástico y de terror de
la mano del productor Carl Laemmle Jr. con sus clásicos “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Dracula</i></b>” (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Drácula</i></b>”
de Tod Browning con Bela Lugosi), “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Frankenstein</i></b>” (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El Dr. Frankenstein</i></b>”, de
James Whale), ambas de 1931 y “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">The Mummy</i></b>” (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">La momia</i></b>”), del gran
operador alemán Karl Freund (fotógrafo del “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Drácula</i></b>” de Browning
entre otras) pasado a la dirección (1932). Su novela más famosa es “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El
cerebro de Donovan</i></b>” (1942) de la cual hay varias adaptaciones<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>cinematográficas.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">Cuando llegó a Estados Unidos escribió su primer
guión de “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">The Invisible Man Returns</i></b>” (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El hombre invisible vuelve</i></b>”),
del limitado realizador Joe May (1940) aprovechando el éxito del clásico “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">The
Invisible Man</i></b>”, de James Whale (1933) según la novela de H. G. Wells
pero gracias a los efectos especiales de John P. Fulton se logró hacer de la
película un espectáculo entretenido lo cual dio pie<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>a dos títulos más de la serie guionizados por
Siodmak y con el hábil y omnipresente Fulton en los perfectos trucajes sobre la
invisibilidad de un ser humano: “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">The Invisible Woman</i></b>” (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">La
mujer invisible</i></b>”), de Edward Sutherland (1940) y “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">The invisible Agent</i></b>” (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El
espía invisible</i></b>”), de Edwin L. Marin (1942), ambos en clave de comedia
(no olvidemos que la película de James Whale también contenía grandes dosis de
humor). Curt Siodmak fue el creador de Lawrence Steward Talbot, Larry para los
amigos, interpretado por Lon Chaney Jr., sobre el cual recae la maldición del
hombre- lobo o sea que en las noches de luna llena se transforma en un monstruo
con las características de un lobo y ataca a sus semejantes humanos. El
escritor se documentó sobre leyendas, tradiciones, supersticiones y folklore
centroeuropeo y dio un guión titulado en un principio “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Destiny</i></b>” para ser
cambiado después por “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">The Wolf Man</i></b>” traducido en pantalla
por el productor y realizador George Waggner en 1941. El éxito fue notorio y
dos años después Siodmak escribía la continuación aunando su personaje con otro
del cine fantástico y de terror naciendo así “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Frankenstein Meets the Wolf<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>Man</i></b>” (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Frankenstein y el hombre- lobo</i></b>”),
producido por George Waggner y dirigido por Roy William Neil (1943) también
éxito en taquilla lo cual dio pie a una tercera entrega al año siguiente
titulada “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">House of Frankenstein</i></b>” (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">La zíngara y los monstruos</i></b>”),
dirigida por Erle C. Kenton (1944) en donde la productora Universal reunía a
sus principales figuras del terror: 1) el monstruo creado por el Dr.
Frankenstein, 2) Larry Talbot, el hombre- lobo y 3) el conde Drácula, el
fabuloso vampiro, todos ellos girando alrededor del profesor Gustav Niemann
(interpretado por Boris Karloff) y su ayudante el jorobado Daniel, un peligroso
asesino. Eran ya tiempos de decadencia, Universal había exprimido a estos
personajes y ahora los mezclaba para buscar mayor rentabilidad. El ensayista
Gerad Lenne nos invita a admirar la atmósfera terrorífica de Neil o el lirismo
delirante de Kenton pero los mejores tiempos habían pasado. Siodmak escribió la
historia (el argumento) ---<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>titulado
originalmente “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">La gruta del diablo</i></b>” en donde aparecía también el personaje de
la momia aunque fue retirado a última hora --- de “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">La zíngara y los monstruos</i></b>”
mientras Edward T. Love elaboraba el definitivo guión. El personaje de Larry
Talbot tuvo cinco películas de Universal, en todas interpretado por Lon Chaney
Jr., el hijo de aquel gran Lon Chaney, llamado “el hombre de las mil caras”,
quien falleció al inicio del cine sonoro. El hijo era actor de limitado
registro, presente con frecuencia en el fantástico” y secundario en western
pero con el hombre-lobo consiguió su mayor gloria (excelente cuando estaba
transformado) además de encarnar por tres veces a Kharis, la momia revivida
(secuelas de “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">La momia</i></b>” de Karl Freud interpretada por Boris Karloff), una al
monstruo de Frankenstein (la cuarta de la serie “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Ghost of Frankenstein</i></b>”,
estrenada en TVE como “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El espectro de Frankenstein</i></b>” 1942,
de Erle C. Kenton, mediocre encarnación muy lejos de las tres anteriores de
Boris Karloff) y otra proveniente de un guión de Curt Siodmak para su hermano
Robert, excelente especialista en cine negro: “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Son of Dracula</i></b>”
(estrenada en TVE como “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El hijo de Dracula</i></b>”), también
bastante alejada de la composición de Bela Lugosi en el clásico “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Drácula</i></b>”
de 1931 pero el licántropo Talbot era el rol de su vida. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">Curt Siodmak hizo varios guiones más para
producciones de corto presupuesto pero siempre será uno de los guionista más
hábiles del “fantastique” y quizás su libreto para “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">I Walked with a Zombie</i></b>”
(“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Yo
anduve con un zombie</i></b>”) para el productor Val Lewton (RKO, 1943) esté
entre lo más logrado. Siodmak se documentó a fondo sobre la leyenda de los
zombies (como hizo con la del hombre-lobo) aunque al director Jacques Tourneur
le interesara más hacer dudar al espectador entre lo real y lo fantástico
alejándose de las versiones de Universal y otras como Warner, Paramount o M.G.M
que siguieron su camino consiguiendo una serie de películas abstractas (a veces
bastante sobrevaloradas) como “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">La mujer pantera”, “Yo anduve con un zombie”
o “El hombre leopardo</i></b>” pero con cierto interés...<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><o:p></o:p></b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">II)- UN REALIZADOR: GEORGE WAGGNER</span></b><span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">- Su verdadero nombre era George Waggoner (1894-
1984), fue productor, guionista, actor y director. Gran aficionado a la ópera
produjo “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El fantasma de la ópera</i></b>”, versión de Arthur Lubin (1943),
protagonizada por Claude Rains, en donde había más ópera que fantasma además de
producir y dirigir “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">The Climax</i></b>” (“Misterio en la ópera”), con Boris Karloff (1944),
escrita por Curt Siodmak con tema parecido al “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Fantasma de la ópera</i></b>”.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">George Waggner era un discreto artesano, como
director, a veces gris y anodino pero con alguna idea interesante como demostró
con “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El
hombre-lobo</i></b>” con varias escenas bien conseguidas y por ello es un
clásico al lado de “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Drácula</i></b>” (Tod Browning) y “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El Dr. Frankenstein</i></b>” (James Whale),
buenas películas pero tampoco redondas aunque con carisma para llegar al
escaparate de los iconográficos (la segunda parte del “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Drácula</i></b>” es totalmente
teatral, muchas condiciones le impusieron a Tod Browning el cual consiguió su
obra maestra en “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Freaks” = “La parada de los monstruos</i></b>” para la M.G.M. en 1933 y
James Whale alcanzó la cumbre con “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Bride of Frankenstein” = “La novia de
Frankenstein</i></b>” en 1935 para Universal contraviniendo el refrán, quizás
como una de las pocas excepciones, que segundas partes en esta ocasión fueron
mejores, mucho mejores, que las primeras). Tod Browning y James Whale fueron
los maestro indiscutibles del fantástico de preguerra (más adelante se añadiría
Terence Fisher con Hammer Films a finales de los 50- y la totalidad de los 60)
superiores a Waggner y todos los demás pero “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El hombre-lobo</i></b>” no
desmerece en nada a los otros dos films que iniciaron el fantástico a
principios de los 30, acompañados del éxito en taquilla.<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><o:p></o:p></b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">III)-</span></b><span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;"> “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">EL
HOMBRE-LOBO</i></b>”<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">Universal había tocado ya el tema con la mediocre
“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Werewolf
of London</i></b>” (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El lobo humano</i></b>”) de Stuart Walker
(1935) que no representó ningún logro artístico y un ligero superávit en
taquilla y con un libreto coral de cinco guionistas totalmente ajenos al cine fantástico
a pesar de tener algún apunte temático interesante (viaje al Tíbet, las flores
del acónito). “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El lobo humano</i></b>” puede considerarse antecesora de bodrios como “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Un
hombre-lobo americano en Londres”</i></b>, de John Landis (1981) mixtura de
comedia y desparpajo y convertido por algunos (cuya comprensión y gusto por el
fantástico es totalmente nula) en film de culto. Que le vamos a hacer. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">Curt Siodmak, por el contrario, se documentó
profusamente, profundizó en la leyenda, la mitología griega (el rey Lycaonydas)
y las teorías de Sigmund Freud y tras seis semanas de trabajo presentó su guión
“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Destiny</i></b>”,
cambiado por el más comercial de “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El hombre-lobo</i></b>”. El film costó
180.000 $ y dio un beneficio de 20.000.000 de $.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">Es muy notable en el logro de la película el trabajo
de dos técnicos frecuentes en Universal aunque trabajaran ocasionalmente por
otras compañías. <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><o:p></o:p></b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">1)- JACK P. PIERCE</span></b><span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">,
el más grande maquillador del cine fantástico y de terror. Entre sus creaciones
destaca el de la momia sobre Boris Karloff como Im-Ho-Tep, la momia resucitada
(luego sobre Tom Tyler y Lon Chaney Jr., en tres ocasiones, ambos interpretando
a la momia, ahora llamada Kharis), el hombre-lobo de Chaney Jr. aunque su obra
maestra será el del monstruo creado por el profesor Frankenstein sobre Boris
Karloff en tres ocasiones, después sobre Chaney, Bela Lugosi y Glenn Strange,
este último en también en tres películas<span style="mso-spacerun: yes;">
</span>(en la última, la parodia “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Abbot y Costello contra los fantasmas</i></b>”,
el maquillaje era de Bud Westmore el cual se basó totalmente en Pierce) con un
total de siete de las ocho películas dedicadas al personaje por parte de
Universal.<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>Fue de una gran precisión
escultórica cuyo punto de referencia era el rectángulo (cabeza, tronco y dedos
totalmente rectangulares así como los enormes zapatos de plomo, totalmente
distinto del libro<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>de Mary W. Shelley
pero una auténtica obra maestra causante de la identificación de esta
iconografía sobre la imagen de la novela y del profesor que lo creó).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">Para “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El hombre-lobo</i></b>” insertó pelos de yak
sobre el rostro de Chaney, hocico lobuno y prominentes caninos inferiores
dentro de unas sesiones que duraban varias horas angustiosas para el actor. En
mayor o menor grado inspirará a los futuros licántropos cinematográficos como
la docena que interpretó nuestro Paul Naschy y guionizó (a veces también
dirigió) con su verdadero nombre de Jacinto Molina o el hombre- lobo albino
encarnado por Oliver Reed en “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Curse of the Werewolf”</i></b> (no estrenada
comercialmente en España y aparecida en DVD con el literal título de “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">La
maldición del hombre- lobo</i></b>”), única aportación de Hammer Films al mito
del licántropo a cargo del maestro Terence Fisher (1961) con un extraordinario
maquillaje de Roy Ashton constituyendo la cinta en la joya de la filmografía
(le conocí en Sitges-85). Después, en la actualidad con las nuevas técnicas
(además del adocenamiento y pérdida de estilo propio de cantidad de
realizadores) se conseguirá una cabeza de lobo- animal (ojos, hocicos,
orejas<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>y dientes surgiendo de una esfera)
caminando a dos patas (nos recuerda la imagen de “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Caperucita Roja</i></b>”) y los
ordenadores acabarán de perfeccionarlo pero algunos (un servidor, entre ellos)
preferimos la imagen antropomórfica de los Chaney, Reed o Molina; se ha perdido
el encanto y la poesía de antaño por una técnica aparentemente perfeccionista
(aquella serie “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Crepúsculo</i></b>” es, sencillamente, infumable por más técnica que
tenga).<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><o:p></o:p></b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">2)- JOHN P. FULTON</span></b><span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">,
formidable creador de efectos especiales. De sus trabajos en unas 250 películas
son memorables sus trucajes de “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El hombre invisible</i></b>” (James Whale,
1933) y otros muchos títulos de cine fantástico. Para “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El hombre-lobo</i></b>” usó algo
similar al Stop Motion de Willis O'Brien o Ray Harryhausen: Talbot con
maquillaje parcial escena por escena, al final el pelo ha cubierto su cara y
los caninos humanos han crecido poco a poco has ta ser lobunos. Fuera del
género fantástico y de terror John P. Fulton es recordado por la elevación de
las aguas (y luego<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>la vuelta a su
posición normal engullendo los carros de combate egipcios) del Mar Rojo en “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Los
diez mandamientos</i></b>” de Cecil B. DeMille (1956), “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Cuando ruge la marabunta”,
“Vértigo”, “La ventana indiscreta”</i></b>, etc.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">Puesto que en aquel momento Boris Karloff tenía
contrato con otras productoras se dio el papel a Lon Chaney Jr. con el cual
consiguió su relativa gloria creando un personaje clásico. Claude Rains (aquel
inolvidable hombre invisible) encarnaba a sir John Talbot, el padre de Larry,
aficionado a la astronomía,que nunca hasta el final creyó en la maldición
recibida por su hijo, Bela Lugosi --- conservando su nombre --- era el gitano
Bela el cual involuntariamente transmitirá la maldición de la licantropía a
Larry, Evelyn Ankers interpretaba a Gwen Conliffe enamorada del heredero Talbot
y Maria Ouspenskaya representaba a la gitana Maleva, la madre de Bela que
siempre intentó ayudar<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>a nuestro hombre.
Completan el reparto el jefe de policía Paul Montford (Ralph Bellamy), Frank
Andrews (Patrick Knowles), antiguo novio de Gwen, y el Dr. Lloyd (Warren
William) que no puede dar un diagnóstico porqué Larry no sufre una enfermedad
sino algo más terrible, una maldición demoniaca y quien la ha recibido es
verdugo (por las personas asesinadas en noche de plenilunio) y víctima (por el
cargo de conciencia al recuperar su forma humana) y quien señalará esto mejor
será Terence Fisher en su “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Curse of the werewolf</i></b>” en cuyo
pregenérico León Carido, el hombre-lobo (Oliver Reed) transformado y con luna
llena al fondo derrama unas lágrimas (una maldición no deseada aunque lo haga
inmortal e inmune al paso del tiempo y a las armas con una sola excepción).
Talbot también sufre porqué no es creído por su padre, todo lo atribuye a
psicología y a un momento de susto. Larry es un joven simpático, liberal,
agnóstico, más bien de credo cientista víctima de un maleficio irracional que
le desdobla la personalidad de forma totalmente involuntaria (al revés de la
historia del Dr. Henry Jekyll y Mr. Edward Hyde --- novela de Robert Louis
Stevenson con también muchas adaptaciones cinematográficas --- y cuya base
fantástica está en una droga o sea lo fantástico se expone/justifica por la
ciencia mientras que en Talbot es la brujería, lo sobrenatural, lo
desconocido), asumiendo la figura del lobo como en la India se habla de
“hombres- tigre”, en África de “hombres- leopardo” y en Oceanía de “hombres-
serpientes”. Al igual que Edipo, Talbot lucha por combatir su destino donde
coexiste una personalidad maligna, desencadenada durante el plenilunio, que le
destruye su credo cientista, su agnosticismo y le hace entrar en un mundo de
horror. También como la “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Antígona</i></b>” de Sófocles, Talbot sufre
doble tragedia: su personalidad autodestructiva y apasionada y un padre rígido
que no le ayuda porqué no cree en esta tragedia. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">La fotografía de Joseph Valentine es sencillamente
buena en un excelente blanco/negro al igual que la música de Hans J. Salter,
Frank Skinner y Charles Previn, adecuada, aunque la parte técnica de Jack P-
Pierce (maquillaje) y John P. Fulton (efectos especiales), como hemos dicho,
son los que hacen subir de categoría al film. La ambientación recuerda la
imaginería romántica de un E. T. A. Hoffmann con elementos característicos del
neogoticismo anglosajón: hay zíngaros, conjuros, talismanes, noches de
plenilunio, frecuentes brumas (estamos en la localidad de Llanwelly, en el País
de Gales y allí las espesas nieblas significan la entrada en lo desconocido, lo
sobrenatural, lo terrorífico penetrando en el mundo cotidiano), utilizando
algunos decorados del “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Drácula</i></b>” de Tod Browning e
interpretado por el húngaro Bela Lugosi (colosal actor de teatro aunque con
dificultades al pasar al cine e intérprete de un personaje que le marcó
profundamente).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">Después de 14 años de estudios Lawrence Steward
Talbot vuelve al castillo de su padre en Llanwelly, recordando a su hermano
fallecido en accidente de caza. Curioseando con el telescopio de su padre, sir
John, observará a una muchacha en una tienda de objetos de regalos e
inmediatamente se sentirá atraído por ella. Se dirige al establecimiento para
entablar conversación con Gwen la cual regenta la tienda con su padre. Comprará
un raro y hermoso bastón con puño de plata que representa la figura de la
cabeza de un lobo y entre cuyas orejas está dibujada una estrella negra (o
pentagrama, elemento simbólico de la licantropía). Por la noche darán un paso por
el bosque acompañados de una amiga de Gwen, Jenny (Fay Helm), quien desea que
un zíngaro llamado Bela le lea el porvenir mediante la quiromancia. Se separa
momentáneamente y es atacada por un gigantesco lobo. Larry acude en su ayuda y
golpea a lo que parece un lobo con la empuñadura del bastón logrando matar a la
fiera pero antes conseguirá morderle en el pecho. Larry pierde el conocimiento
y lo recupera en su casa. Han encontrado a Jenny y al gitano Bela muertos. La
explicación del capitán de policía Paul Montford y de sir John es que Larry y
Bela salieron en defensa de la mujer, el lobo mató a Bela e hirió a Larry para
después huir Pero un algo interior le dice a Larry que Bela era el lobo. En el
entierro del gitano la madre de Bela, Maleva, le dice que el lobo era su hijo:
“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Bela
era el lobo. Vd. le mató porqué solo se puede matar a un hombre-lobo con una
bala de plata, un cuchillo de plata o un bastón con mango de plata”</i></b> y
añade otra cosa terrible: “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Quien es mordido por un hombre-lobo” y
sobrevive se convierte a su vez en hombre-lobo”</i></b>. El signo del pentágono
aparece por momentos en el pecho de Larry. A la noche siguiente aparece la luna
llena y Larry en su habitación nota como el pelo le crece en todo el cuerpo, su
nariz ahora es hocico y los dientes son ahora lupinos aunque en esta escena
solo vemos los pies sin zapatos ni calcetines que adquieren forma de patas de
lobo, ruido, jadeos anunciantes del sufrimiento provocado por la metamorfosis.
Entra en el cementerio y estrangula a Carlson, el enterrador. Larry está
desesperado, a la mañana siguiente, ya recuperada su forma humana pide la
muerte (su padre no le cree), entra en la iglesia (desde pequeño que no lo
hacía) y los rostros de los feligreses se vuelven hacia él, mezcla sueño y
realidad y llega a la convicción de ser un maldito que solo recobrará la paz de
espíritu con la muerte mediante un arma de plata. La próxima noche suplica a
sir John que lo ate a una silla y lo hace para complacer a su hijo pero sigue
sin creer. Va a unirse a los habitantes del pueblo los cuales han organizado
una batida contra los lobos a los que creen responsables de los asesinatos.
Antes de marcharse Larry le dice a su padre que se lleve el bastón con
empuñadura de plata. Así lo hace. En su habitación Larry se transforma, rompe
las cuerdas y sale al bosque para asesinar a quien encuentre. La bestia se
tropieza con Gwen, la mujer que ama, mientras esta se desmaya. A punto de
matarla llega sir John que ha oído los gritos de la muchacha y golpea varias
veces al monstruo con el bastón hasta que finalmente cae muerto. Sir John ve
horrorizado como los rasgos humanos de Larry aparecen ahora en paz. Surge del
bosque la gitana y recita la misma frase que pronunció en el entierro de su
hijo Bela: “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Caminaste por un sendero de espinas, no fue culpa tuya, así como la
lluvia empapa la tierra y el río muere en el mar, así como el hombre camina
hacia su fin aquí en este mundo. Tus sufrimientos han terminado y ahora
descansas por fin en la paz eterna</i></b>”... <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">Como hemos dicho hubo cuatro películas más sobre
el personaje. En la tercera, “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">La zíngara y los monstruo</i></b>s”
asistimos a una secuencia que es la mejor en lo que se refiere a la poesía y a
la combinación técnica Pierce- Fulton: Larry se transforma en hombre-lobo
cuando aparece el plenilunio. Está delante de un espejo y vemos la metamorfosis
en su totalidad. Rompe la puerta y se lanza al bosque atacando a una hermosa
zíngara, Iolonka (Elena Verdugo), de la cual se ha enamorado y es
correspondido. Mientras la degüella la muchacha logra dispararle una bala de
plata fabricada por ella misma y los dos amantes mueren (como versión
terrorífico de “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Romeo y Julieta</i></b>”). La transformación inversa se visiona a
través de los pies de Larry (de lobunos a humanos) y los dos enamorados,
tendidos en el suelo, están abrazados. La siguiente, “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">House of Dracula</i></b>” (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">La
mansión de Drácula”</i></b>, 1945), del mismo Erle C. Kenton --- guión de
Edward T. Love pero sin el concurso de Curt Siodmak ---,<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>sin respetar la continuidad, veremos la
curación de Larry (con bigote) mediante unos hongos, es una sanación mitad
científica, mitad sobrenatural --- es una maldición, no una enfermedad --- y
finalmente se casará con la enfermera de quien le ha curado. Francisco Montaner
en su escrito en la añorada revista “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Terror Fantastic</i></b>” (1971- 1973) comentaba:
“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Un
final demasiado burgués para un ex- monstruo</i></b>”...<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">Universal que había ganado mucho dinero con los
personajes fantástico/terroríficos acabaron exprimiéndolos como un limón en las
parodias de Abbot y Costello. La de Charles T. Barton en 1948 representaba la
última aparición de nuestro licántropo, Larry Talbot (siempre Chaney Jr.), la
del monstruo creado por Frankenstein (Glen Strange) y Drácula (Bela Lugosi): <b><i>Abbot
and Costello meets Frankenstein</i></b>” (“<b><i>Bud Abbot y Lou Costello
contra los fantasmas</i></b>”)...</span><o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;"><span style="mso-spacerun: yes;">
</span>Narcís Ribot i Trafí</span><o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjAtJxwRqGyGQpJ2dsg38DUe8IS4gffg_97aKGBDPfxJVx3QvBHsywoERWxKSJZj0AdaIfpueQJQfFTTeqUp7gDaeElUV6pe6pew4TOaw0ABQ5DjNhyphenhyphenPU2qcY0KW8sILwopX-y0_U3BKrEe/s1600/el-hombtre-lobo-1941-cartel-espanol.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1020" data-original-width="718" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjAtJxwRqGyGQpJ2dsg38DUe8IS4gffg_97aKGBDPfxJVx3QvBHsywoERWxKSJZj0AdaIfpueQJQfFTTeqUp7gDaeElUV6pe6pew4TOaw0ABQ5DjNhyphenhyphenPU2qcY0KW8sILwopX-y0_U3BKrEe/s320/el-hombtre-lobo-1941-cartel-espanol.jpg" width="225" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;"><br /></span></div>
<br />Narcíshttp://www.blogger.com/profile/08118936220217813153noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6384052752908304011.post-72631152535821294362019-06-10T12:19:00.000-07:002019-06-10T12:19:31.225-07:00“CLEOPATRA” (“CLEOPATRA ”, 1961-1963), JOSEPH L. MANKIEWICZ<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgpN98tIBNzuP8NDbWDY57uq7ylPsW1TtcoVmi-hmsTFLvaolbsO4-brYwjuqtdip9Eis_hAwk4xxl9OylO52pmLdrDwHzNMsKfAOCTPW8R6__IFJg6iAg03uWQ698u83vKhTqUL7BrQ6sM/s1600/thumb.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="459" data-original-width="720" height="203" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgpN98tIBNzuP8NDbWDY57uq7ylPsW1TtcoVmi-hmsTFLvaolbsO4-brYwjuqtdip9Eis_hAwk4xxl9OylO52pmLdrDwHzNMsKfAOCTPW8R6__IFJg6iAg03uWQ698u83vKhTqUL7BrQ6sM/s320/thumb.png" width="320" /></a></div>
<br />
<br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="mso-bidi-font-size: 12.0pt;">Hará unos tres años hice cuatro
pequeños escritos sobre Antonio y Cleopatra: en la literatura, en el arte, en
el cine... Ahora nos centramos en la controvertida (y excelente obra en muchos
aspectos) de Joseph Leo Mankiewicz. (nota de Narcís)</span></b><o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">Fanfarrias. Entran Marco Antonio y Cleopatra con su séquito...<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="mso-line-height-alt: 10.0pt;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">CLEOPATRA (a Antonio)- “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Dime hasta donde alcanza tu amor</i></b>”
<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="mso-line-height-alt: 10.0pt;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">ANTONIO- “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Muy pobre amor será aquel que pueda medirse</i></b>”.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="mso-line-height-alt: 10.0pt;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">CLEOPATRA- “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Quisiera señalar el límite del tuyo”.</i></b><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="mso-line-height-alt: 10.0pt;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">ANTONIO- “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">No te bastaría con la inmensidad del mundo
que conocemos”.</i></b><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span>(“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Antonio
y Cleopatra</i></b>” de William Shakespeare. Acto I. Escena I)<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><b style="mso-bidi-font-weight: normal;">UNO- PROBLEMAS...</b><span style="mso-spacerun: yes;">
</span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">Joseph Leo Mankiewicz (Wikes Barre, Pensilvania,
1909- Nueva York, 1993) tenía 54 años cuando finalizó el rodaje de “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Cleopatra</i></b>”
(“Cleopatra”) para la 20<sup>th</sup> Fox en 1963. Había empezado dos años
antes. Un film que por la gran cantidad de problemas de toda índole se
convirtió en uno de los<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>mayores fracasos
(sino el más grande) de toda la historia del cine. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">La idea de realizar “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Cleopatra</i></b>” provenía de un
antiguo proyecto del productor Walter Wanger en 1958 con un presupuesto mucho
más restringido para empezar en 1961 con el más que sobresaliente realizador
Rouben Mamoulian (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">La marca del zorro”, “Calles de la ciudad”, “Sangre y arena”,”Cristina
de Suecia”,“El hombre y el monstruo”</i></b>) el cual se vio incapaz de filmar
coherentemente en su continuo choque con los directivos de de 20<sup>th</sup>
Fox y con los actores. Se llevaban rodados 12 minutos y se había gastado ya
siete millones. Se despide a Mamoulian y entra Joseph Leo Mankiewicz el 25 de
enero de 1961. Se desechan los doce minutos y el guión (una de las versiones
estaba firmada por Lawrence Durrall) y se elabora otro guión firmado por él
mismo, Ronald Mc Dougall y Sidney Buchman sirviéndose de las fuentes de Apiano,
Plutarco y Suetonio y basándose en las obras del historiador y periodista
Charles Marie Franzero (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Cleopatra, su vida y su época”</i></b>), en
las tragedias históricas “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Antonio y Cleopatra</i></b>” y “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Julio
César</i></b>”, ambas de Shakespeare y la obra “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">César y Cleopatra</i></b>” de
George Bernard Shaw aunque Mankiewicz reescribió el guión varias veces durante
el rodaje. Al finalizar la filmación se habían invertido 44 millones de dólares
(de 1963) y solo se recuperaron 24. Resultado: la ruina, casi la quiebra, de la
productora 20<sup>th</sup> Fox, Walter Wanger no fue nunca más productor (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Cleopatra</i></b>”
fue su última película) y Mankiewicz --- se mantenía de pie gracias a pastillas
durante el rodaje --- no trabajó durante los cuatro años siguientes. Entra en
la productora Darryl F. Zanuck con una idea del cine totalmente diferente al
realizador. Mientras el intelectual Mankiewicz quería un film de atmósfera
íntima (como su “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Julio César”</i></b> para M.G.M., de 1953), el comerciante productor
Zanuck quería espacios abiertos y batallas espectaculares para emular el éxito
de “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Ben-
Hur</i></b>” (1959) de William Wyler. “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Nunca dejaría la total responsabilidad de
una película en manos de un artista,</i></b> <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">antes cambiaría de oficio</i></b>”,
era una de sus frases con la cual definía su falta de sensibilidad para el cine
y su talante impositivo --- aparte de manifestar con palabras malsonantes y
soeces la relación amorosa de Antonio y Cleopatra --- sobre los realizadores a
quienes restaba o anulaba toda o casi toda autonomía necesaria para culminar
una buena película y, a pesar de todos los problemas influyentes en su rodaje,
“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Cleopatra</i></b>”
lo fue aunque se reconocieran sus valores mucho más tarde. Carlos F. Heredero
(1) explica en su libro como “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Cleopatra</i></b>” supuso una experiencia
traumática para Mankiewicz, por su fina sensibilidad y su rigor intelectual,
ajeno a todo tipo de componendas mercantiles, le hizo perder la seguridad en si
mismo y destruyó su carrera al menos durante tres años. En entrevistas
posteriores no quería hablar de “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Cleopatra</i></b>” como película suya. Sin
embargo pudo vislumbrar al final de su vida (falleció en 1993) el
reconocimiento del público, crítica y estudiosos. También dentro del campo
económico el film fue resarciéndose. El año de su estreno recaudó 24 millones
$, la película de mayor éxito recaudatorio del año pero, claro, se habían
invertido 44 millones y como las matemáticas son una ciencia exacta quedaban 20
millones $ de déficit que se iba recuperando poco a poco y tras la venta de la
explotación a TV “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Cleopatra</i></b>” empezó a generar beneficios...<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><o:p></o:p></b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">DOS: MAS PROBLEMAS, PROPOSICIONES, SOLUCIONES PARCIALES</span></b><span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">-<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="mso-line-height-alt: 10.0pt; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">CLEOPATRA- (Mimosa a César, visiblemente
perplejo) <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“¿No te alegras de verme?”</i></b><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="mso-line-height-alt: 10.0pt; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">CÉSAR- “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">¡Oh, sí, mucho, mucho! Pero Rufio
está muy enfadado y Britano está escandalizado”.</i></b><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="mso-line-height-alt: 10.0pt; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">CLEOPATRA (Despreciativa)- “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Puedes
mandar cortarles la cabeza, ¿no?”</i></b>.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="mso-line-height-alt: 10.0pt; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">CÉSAR- “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Palomita mía, con la cabeza
cortada no podrán serme útiles como lo son ahora”</i></b>.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="mso-line-height-alt: 10.0pt; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;"><span style="mso-spacerun: yes;">
</span>(“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">César y Cleopatra</i></b>”, de George Bernard Shaw. Acto III)</span><o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="mso-line-height-alt: 10.0pt; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">Mankiewicz entró (y se interesó enormemente) en el
proyecto “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Cleopatra</i></b>” gracias a Elizabeth Taylor quien le recomendó
insistentemente a Zanuck, muy satisfecha de como la había dirigido en “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">De
repente el último verano</i></b>” (1959). Zanuck y Mankiewicz habían coincidido
ya tres veces como productor- realizador para 20<sup>th</sup> Fox antes de “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Cleopatra</i></b>”:
“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">People
Wild Talk</i></b>” (1951), “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Eva al desnudo</i></b>” (1950) --- una de
sus obras cumbres --- y “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Un rayo de luz</i></b>” (1950) y ya habían
tenido sus diferencias aunque no irreconciliables, el realizador de origen
polaco había ejercido de productor llegando a fundar una productora propia y
guionista pero en el caso de “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Cleopatra</i></b>” solo se le dio libertad
para retocar el guión. El problema de falta de ritmo de la película (a partir
de la 2ª parte) procede de la sala de montaje tras acabar su filmación. Dado el
metraje ya realizado Mankiewicz propuso hacer dos películas, una a continuación
de otra: Cleopatra y Julio César hasta la muerte de éste y Marco Antonio y
Cleopatra hasta la muerte de ambos pero al finalizar el rodaje (salió un
producto de 7 horas para ser dividido en las dos partes) Zanuck manifestó que
no tenía ninguna intención de hacerlo así. Mandó llamar a la montadora Dorothy
Spencer (siempre tuvo buena relación con Mankiewicz) y al montador Elmo
Williams (responsable, entre otras, de “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Solo ante en peligro</i></b>”) y les ordenó
podar las siete horas y reducirlas a cuatro arruinando lo filmado mientras se
guardaba en alguna sala de montaje o en algún sótano de la 20<sup>th</sup> Fox
el material cortado.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">Ya desde el principio se pensó en diversas
actrices para el rol de Cleopatra: Joan Collins y Dana Winter pero finalmente
recayó en Elizabeth Taylor la cual llegó a fijar sus honorarios en un millón de
dólares. Preparativos, trepidante e insistente propaganda del film por parte de
la Fox, baile dentro de sus directivos, fragmentos filmados en Londres,
traslado de todo el equipo a Hollywood, a Roma, enfermedad de Liz Taylor
(suspensión del rodaje varias veces por esta causa) hasta lograr el inicio del
rodaje en septiembre de 1961 a cargo de Rouben Mamoulian, con Elizabeth Taylor
como Cleopatra, Peter Finch interpretando a César y Stephen Boyd tras su éxito
como Mesala en “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Ben Hur</i></b>”) a Marco Antonio Cretico. Poco después Finch y Boyd
rescindieron contrato y abandonaron el rodaje aludiendo compromisos, dimite
Spyros Skouras como presidente de la Fox cuando Mankiewicz terminaba las
batallas de Farsalia y Filipos y entra Darryl F. Zanuck para ocupar la
presidencia. Las últimas escenas se realizaron en el desierto, cerca de
Alejandría (Egipto). Rex Harrison pasó a interpretar a César (para mi gusto el
mejor del reparto) y Richard Burton a Marco Antonio (se incorporó mientras
rodaban en Roma y estuvo cuatro meses sin realizar ninguna escena). Surgió un
romance entre Burton y Taylor que acabó en boda. Un escándalo para muchos y
carnaza para las revistas de chismorreo del momento cuando el rodaje era un
auténtico desbarajuste.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">La crítica, salvo honrosas excepciones, se cebó en
“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Cleopatra</i></b>”
pero por suerte mucha parte de los espectadores no leyeron estas “críticas”
negativas o si las leyeron no hicieron caso. Hoy en día la película ha sido
reconocida en muchos de sus méritos. Es un tesoro parcial, la otra parte está
en los archivos. Si se juntaran las dos partes quizás estaría entre las obras
maestras del 7º arte, ahora solo es una muy buena película. Planteándolo de
otra forma: sin las entradas y salidas de los directivos de 20<sup>th</sup>
Fox, con Walter Wanger y Spyros Skouras la película de Mankiewicz hubiera
podido ser otra, los cortes y supresiones (varias de escenas clave) ordenados
por Darryl F. Zanuck y algún otro mandatario en el momento del montaje dieron
la forma definitiva al film restándole cohesión, rebozado y personalidad. Con
todo, estamos ante una cinta muy interesante y personal --- cuando pudo dirigir
con toda libertad --- en mucho...<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><o:p></o:p></b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">TRES- “<i style="mso-bidi-font-style: normal;">CLEOPATRA</i>”, LA PELÍCULA</span></b><span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="mso-line-height-alt: 10.0pt; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Lo que Antonio no supo ver fue que debajo de
las descuidadas y ligeramente ridículas prendas de vestir de Octavio (¡la gente
decía que todas ellas estaban hechas en casa!) se ocultaba un joven estadista
muy inteligente y capaz. Un hombre sin ardor ni impetuosidad, carente por completo
de atracción personal, pero estudioso, perseverante, astuto y calculador. Un
hombre que poseía precisamente todas las cualidades de que carecía Marco
Antonio”</i></b>. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="mso-line-height-alt: 10.0pt; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">(“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Cleopatra, su vida, su época</i></b>” de C.
M. Franzero, 2)</span><o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="mso-line-height-alt: 10.0pt; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">Hemos visto como el proyecto original de Walter
Wanger nació con las características de un “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">peplum</i></b>” más con mercado
en boga a principios de los 60, especialmente en Italia, para convertirse en un
“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">kolossal</i></b>”
al estilo de “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Ben- Hur</i></b>”, “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Espartaco</i></b>” o los productos con menos
presupuesto realizados en España por Samuel Bronston (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">La caída del Imperio Romano</i></b>”,
“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El
Cid”</i></b>, “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Rey de reyes</i></b>”) en constante choque con grandes realizadores
como Nicholas Ray o Anthony Mann.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">El film se inicia incinerando y enterrando los
muertos en la batalla de Farsalia. César reflexiona sobre la lucha fratricida.
Llega la noticia de la huida del que había sido amigo y yerno Pompeyo, ahora
enemigo, el cual ha huido a Egipto. Allí le persigue. También va para intentar
poner paz en una guerra civil entre hermanos que se disputan el trono ya que
Egipto es el granero de Roma: Ptolomeo XIII y Cleopatra VII. El primero es un
muchacho el cual para congraciarse con César y tenerlo a su lado le entrega la
cabeza de Pompeyo en un recipiente. Le ha mandado asesinar. A César le repugna
esta vil acción. César se aloja en el palacio de Cleopatra la cual se presenta
ante él envuelta en una alfombra. Cleopatra ha realizado esta entrada con el
propósito de asegurarse el trono y salvar Egipto pero finalmente se enamorarán
aunque César (52 años) podría ser su padre. Ejecutará una maniobra, al verse
asediado por Ptolomeo, con la cual incendiará la flota egipcia aunque no podrá
evitar que el fuego se propague en algunos puntos de la ciudad y se destruya la
famosa biblioteca de Alejandría. El romano desterrará a Ptolomeo y a sus
colaboradores mientras convive con Cleopatra la cual le dará un hijo: Cesarión.
César debe regresar a Roma para acabar con diversas guerras y arreglar sus
asuntos. Cleopatra hará una fastuosa entrada en Roma pero hay conspiraciones
contra César a quien acusan de querer implantar una monarquía (sistema político
odiado por los romanos) y anular la república. Finalmente César es asesinado
por un grupo de senadores y políticos (su hijo adoptivo Bruto, Casio, Casca,
Címber, etc.). Cleopatra regresa a Egipto mientras Marco Antonio Crético,
lugarteniente de César, consigue su testamento y momentáneamente se hace dueño
de Roma aunque<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>aparecerá un personaje
reclamando su parte: Octavio Turino (Roddy McDowall), sobrino- nieto del
asesinado Julio César (el futuro emperador César Augusto, adoptado como hijo
por Julio y llamado Octaviano u Octavio César) que finalmente formará el
llamado II Triunvirato junto con Marco Antonio y Marco Emilio Lépido, jefe de
la caballería de Cesar, acabando con los asesinos de César. Marco Antonio
contraerá matrimonio con Octavia, hermana de Octavio, y así se reforzará el
poder de ambos aunque se sienta atraído por Cleopatra a quien visitará varias
veces hasta quedarse a vivir con la reina de Egipto descuidando sus deberes de
gobernante lo cual despertará la ira de Octavio.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">Antonio ocupa ahora el lugar del difunto César en
el corazón de Cleopatra pero Octavio les declarará la guerra y, gracias a su
general Agripa, los derrotará en la batalla de Filipos. Antonio cree que su
amada le ha abandonado (su ejército si a desertado de verdad) y se suicida.
Octavio desea capturar a Cleopatra para llevarla a Roma pero esta también se
suicida haciéndose morder por un áspid. Cuando Agripa y Octavio entran en sus
aposentos la encuentran ya muerta...<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">Dentro de los esquemas fijos del cine épico
Mankiewicz quiso realizar una película de autor ¿Épico o lírico?,
¿espectacularidad o sobriedad?, ¿intimidad o extroversión? ¿mostrar o no
mostrar? Mankiewicz como intelectual y gran realizador, apasionado de la
historia y del teatro sabía perfectamente a donde iba. Concede luz verde a las
escenas espectaculares (obligadas y más en un tiempo en donde se combatía la
feroz competencia de TV) pero están cerradas, nunca desarrolladas para conseguir
impacto en una secuencia, no son gratuitas sino en función de la trama (por
esos rectificó y trabajó tantas veces el guión) p.e. la secuencia de la entrada
de Cleopatra en Roma. Es majestuosa, no ampulosa para que Roma se de cuenta,
dentro del exotismo, de costumbres y folklore de Egipto. Mankiewicz busca la
fidelidad histórica (mucho más que Shakespeare o Shaw) combatiendo los tópicos
superpuestos sobre el personaje porqué la reina de Egipto no es la prostituta
señalada varias veces ni la niñata estúpida presentada por Shaw (3) con trazos
cómicos en su obra, Cleopatra actúa en principio para salvar a su país, luego
es muy posible que se sintiera atraída por César (en edad podía ser su padre).
Resulta interesante la escena de la conversación entre los dos cuando le
pregunta Cleopatra porqué lloraba César ante una estatua de Alejandro Magno,
admirado por ambos. El conquistador romano le contesta que Alejandro tenía 32
años con el mundo conocido a sus pies y él ya tenía 52 (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Él era griego, yo romano</i></b>”,
añade) a lo cual la reina egipcia le contesta que él murió a esta edad y tú
vives... La Cleopatra de Mankiewicz es, ante todo, una mujer normal con sus
aciertos y sus errores, inteligente, culta y ambiciosa cuyo mayor deseo es el
bien de su país y también es una mujer enamorada...<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">La segunda parte es la más sufrida a causa de los
cortes en el montaje impuesto por los Zanuck y su socio Peter Levathes,
productores de la Fox (Zanuck era el accionista principal). Levathes, por su
parte quería finalizar el rodaje cuanto antes y también tuvo que ver en la
“reducción” del metraje. La progresión del relato sucede a trompicones, no se
explican algunas situaciones importantes para el desarrollo de la historia ---
la muerte de Rufio (Martin Landau) en el desierto sin ninguna información de
como fue --- y en otras se avanza lentamente. Por otra parte hay personajes que
no aparecen en la película como el triunviro Marco Emilio Lépido (dio un golpe
de estado para su propio beneficio ante el enfrentamiento Antonio- Octavio pero
finalmente sus soldados le abandonaron y cayó en manos de Octavio quien le
perdonó la vida) y los hijos de Antonio y Cleopatra (cayeron también en
poder<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>de Octavio tras la muerte de sus
padres y los mandó a Roma para ser cuidados por Octavia, la antigua esposa de
Antonio y hermana de Octavio, el futuro emperador Augusto). Esta segunda parte,
más abierta, más espectacular, menos palaciega pero más íntima, va
languideciendo (exacerbando y alargando, p. e., el enfado de Cleopatra cuando
se ha enterado de la boda de Antonio con Octavia aunque más adelante el romano
abandone a su esposa y ame y conviva con la reina de Egipto) pero a pesar de
todo tiene momentos de buen (gran) cine. En esta parte destaca también la
batalla de Filipos ejemplarmente dirigida por Mankiewicz con muy pocos medios:
habilidad de Agripa al dirigir la batalla ante el dubitativo Antonio y la
insegura Cleopatra mientras que un mareado Octavio se tumba en la litera de su
camarote. Con sencillos y eficaces trazos el realizador había ya señalado el
carácter y la situación de los personajes. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">Si por una parte el discurso a veces es inconexo y
hay fallos de <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">raccord</i></b> (a causa del montaje impuesto) “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Cleopatra</i></b>” posee una
puesta en escena impecable, una caligrafía fílmica excelente gracias a
Mankiewicz y su equipo técnico. El director realizó una síntesis histórico-
fílmico encomiable y ante el dilema espectáculo/intimidad logró conjugarlo
magníficamente con el sistema TODD- AO, inventado por el productor Michael Todd
(tercer marido de Elizabeth Taylor, fallecido en accidente de aviación): en los
films antiguos había normalmente planos generales ante una batalla combinados
con primeros (o primerísimos) planos. Mankiewicz elegía los planos medios o
generales para contextualizar el dramatismo de los personajes, Optó por este
sistema recién ideado por única vez en su vida y logró resultados magníficos
con este método nacido, como otros, con la aparición de la pantalla ancha
mezclando hábilmente la intimidad con la colectividad. También fue una técnica
de corta duración por su complejo y caro preparado: tipo de pantalla especial y
al final de su evolución, con variaciones, unas lentes para conseguir el efecto
deseado (el sonoro y la calidad de imagen eran excelentes y superiores a la
Vistavisión y Cinamascope) pero la instalación técnica para proyectar fue
recibido con mucha reticencia por los empresarios de las salas cinematográficas
y solo se usó en contadas (y caras) películas (se utilizaba un negativo de 70
mm con cinco perforaciones de arrastre por fotograma). Mankiewicz fue quien
mejor provecho sacó de este sistema del que recordamos una veintena de
películas. Aún hoy en día produce un efecto de extrañación en el espectador en
absoluto negativo y en donde la combinación del “tempo”, los colores y la
exquisitez de los decorados inundan la pantalla como explica Christian Aguilera
(4).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">De Mankiewicz hablamos hace años al comentar su “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Julio
César</i></b>” (1953) y podemos volver porqué era un gran realizador. Para “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Cleopatra</i></b>”
contó con un gran equipo técnico a pesar de los cambios y lo vemos en los
premios conseguidos por el film:<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">--- Fue candidata a la mejor película---<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">--- Candidata al mejor sonido de James P.
Corcoran---<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">--- Candidata al mejor montaje de Dorothy Spencer
(antes de la poda de Zanuck & Company) ---<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">--- Ganador del Oscar por la<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>fotografía (en color) de Leon Shamroy ---<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">--- Oscar a la mejor dirección artística de John
de Cuir, Jack Martin Smith, Hyliard Brown, Herman Blumenthal y Elven Webb ---<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">--- Candidata a la música original de J. Alex
North ---<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">--- Oscar al mejor diseño de vestuario de Irene
Sharaff, Vittorio Nino Novarese y Renie ---<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">--- Oscar a los mejores efectos especiales de Emil
Kosa Jr. ---<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">--- Candidato al mejor actor: Rex Harrison como
Julio César ---<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">Después de todo esto y a pesar, en muchas ocasiones,
de la más que discutible distribución de los Oscar, y a pesar de las
manipulaciones sufridas por el realizador y la cinta ¿alguien aún piensa que “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Cleopatra</i></b>”
es una mala película? <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">En 1995 algunos familiares de Mankiewicz y varios
directivos de 20<sup>th</sup> Fox buscaron el material para restaurar la
versión de seis horas. No pudo ser en su totalidad pero se logró una de cuatro
horas (había sido prevista para el estreno original) que fue lanzada en DVD.
Ahora, en la Edición conmemorativa del 50 aniversario, en Blu- Ray (2 discos)
se puede apreciar la gran calidad fílmica de la película<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>y la personal (aunque no en todos los
momentos, ya lo hemos visto) realización de Mankiewicz (al final hubo alguna
escena dirigida por el propio Zanuck)</span><o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span>Narcís
Ribot i Trafí<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">1)- “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Joseph L. Mankiewicz</i></b>”, de Carlos
Heredero. Ediciones J. C. (1985)-<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">2)- El libro de C. M. Franzero, “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Cleopatra,
su vida, su época</i></b>”, lo conseguí de segunda mano en una edición de
Editorial Vergara para Círculo de Lectores (1957) que guardo como un tesoro (no
he visto más ediciones)-<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">3)- “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">César y Cleopatra</i></b>” de George Bernard
Shaw lo busqué durante un tiempo hace años (cuando había libros que no se
encontraban y no solamente por causas de la política sino por desconocimiento
de los editores y desinterés de muchos). Logré fotocopiarlo en el “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Institut
del Teatre</i></b>”. Ahora no tuve ningún problema de conseguir el libro. Está
en varias ediciones. De la obra de Shaw hay una versión fílmica británica de
Gabriel Pascal: “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">César y Cleopatra</i></b>” (1945), protagonizada por Vivian Leigh y
Claude Rains que no obtuvo respuesta en taquilla pero logró ser nominada al
Oscar del mejor diseño de producción en 1946-<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES;">4)- “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Joseph L. Mankiewicz</i></b>,<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"> un
renacentista en Hollywood”</i></b>,- Christian Aguilera. Editores T&B
(2009), la obra más completa y extensa sobre el realizador-<o:p></o:p></span></div>
<br /><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhHx1hWuMqllqEN8JSey6QrRsUHSr1yMzobMy6BSdn5ZiLqFHwziJdHUGjjwxXen-J8x8IvEDp-_mniaAt61nBlnCZB0oU7ucRYva6HtZ8LSoGmeSX4kWAQZurIogDShGfm7-lr99fA1js-/s1600/cleopatra_1963_quad_original_film_art.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1200" data-original-width="1600" height="240" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhHx1hWuMqllqEN8JSey6QrRsUHSr1yMzobMy6BSdn5ZiLqFHwziJdHUGjjwxXen-J8x8IvEDp-_mniaAt61nBlnCZB0oU7ucRYva6HtZ8LSoGmeSX4kWAQZurIogDShGfm7-lr99fA1js-/s320/cleopatra_1963_quad_original_film_art.jpg" width="320" /></a></div>
<br />Narcíshttp://www.blogger.com/profile/08118936220217813153noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6384052752908304011.post-74380689252414238752019-05-22T11:17:00.002-07:002019-05-22T11:17:49.058-07:00EL FANTÁSTICO MUNDO DE WILLIS O’BRIEN (II)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgY63WziVnYgIbquDDO24vpOg7CBR2OQ7BVoQBV7d8s4v8NOKjZ3DlSh44WiPVvPDNNt5Xw8Sorw8izgIVZNjAH0tMBduUcnQwJ1drn0jQsCbL9932-cmpB1BsY_fP9HZ7rAmt-hJxG_sMh/s1600/willisobrien.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="581" data-original-width="445" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgY63WziVnYgIbquDDO24vpOg7CBR2OQ7BVoQBV7d8s4v8NOKjZ3DlSh44WiPVvPDNNt5Xw8Sorw8izgIVZNjAH0tMBduUcnQwJ1drn0jQsCbL9932-cmpB1BsY_fP9HZ7rAmt-hJxG_sMh/s320/willisobrien.jpg" width="245" /></a></div>
<br />
<br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span></span><span lang="ES" style="font-family: ""; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-family: ""; mso-fareast-font-family: SimSun; mso-hansi-font-family: "";">Después del éxito a
todos los niveles de <b><i>“King- Kong</i></b>” (1933) los responsables de
R.K.O- Radio decidieron hacer una secuela a finales del mismo año: “<b><i>Son<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>of Kong</i></b>” (“<b><i>El hijo de Kong</i></b>”).
Merian C. Cooper dejaba el asiento de director para centrarse en la producción
junto con David O’Selznick, Ernst B. Schoedsack en solitario asumía la
realización sobre un guión de su esposa Ruth Rose, la parte musical continuaba
bajo la batuta de Max Steiner como en el original “<b><i>King-Kong</i></b>” y
Willis O’Brien fue llamado para hacerse cargo de los efectos especiales. En
plena filmación los directivos de R.K.O. decidieron reducir el presupuesto
inicial a 250.000 $ y comprimir el calendario de rodaje por lo cual muchas
ideas creativas se suprimieron. O’Bie abandonó el plató y pidió que su nombre
fuera borrado de los créditos de la película, cosa que Merian C. Cooper no
permitió pero también se señala la gran desgracia abatida sobre su familia como
causa del abandono. Con las maquetas y parte del film realizado, O’Brien fue
reemplazado por Buzz Gibson y el metraje original reducido a una hora de
duración con una primera parte excesivamente larga, preparativa de la llegada a
“Skull Island” (“Isla del Cráneo”) --- el hogar de King-Kong --- donde la
emoción sube de grado ya que aparte de encontrar los consabidos animales
prehistóricos topan con un retoño de King- Kong, a quien llaman “Kiko”, de unos
cuatro metros de alto y de pelaje blancuzco. La trama es continuación directa
del film anterior. Carl Denham (de nuevo Robert Armstrong), perseguido por una
legión de acreedores y por los familiares de las víctimas de King- Kong cuando
este destrozó Nueva York, zarpa hacia la famosa “Isla del Cráneo” junto con el
mismo capitán de barco, Englehorn (Frank Reicher), el marino Nils Hellstrom
(John Marston) quien le asegura que en la isla hay un tesoro y Hilda (Helen
Mack), una domadora de monos para números circenses. Allí encontrarán a Kiko, a
quien Denham salva de hundirse en unas arenas movedizas (“<b><i>Se lo debía,
después de lo que hice a su padre</i></b>”, dice Denham) quien les librará de
los ataques a cargo de los seres prehistóricos. El film fue un éxito moderado
(en lo artístico y comercial) aunque sin la fuerza del anterior. Recordemos que
no es el amor imposible del rey-Kong por una mujer quien mueve a actuar sino el
afecto y la estima que siente Kiko por Hilda y el sincero aprecio por Carl
Denham a causa de haberle librado de la muerte. El enfoque de la película es
totalmente de aventuras con injertos humorísticos (los ojos del gorila que dan
vueltas y ve las estrellas tras recibir un golpe). Destacable la secuencia de
la lucha sostenida con un enorme y negro oso de las cavernas --- mucho más
corpulento que él --- el cual desea devorar a Hilda y a Carl: Kiko le aplica
llaves de judo y tras diversas alternativas lo ahuyentará golpeándole varias
veces con un tronco de árbol que ha arrancado. Aparte del plantígrado terciario
aparecen un Styracosaurus (parecido al Triceratops, cambiando la especie de coraza
protectora del cuello en forma de sombrilla abierta por otra de púas separadas;
relación de parecido como el Allosaurus es al Tyranosaurus) que persigue a los
expedicionarios, la extraña criatura parecida al Protosaurus (penetra en la
cueva para comerse a la pareja) que luchará con Kiko hasta que éste le mate
aplicándole la llave “desencaja mandíbulas”, --- usada por su padre contra el
Tyranosaurus del anterior film --- y el Elasmosaurus (reptil marino) que devora
al intrigante y egoísta Hellstrom cuando intentaba huir en la lancha de
socorro. Finalmente la “Isla de la Calavera” o “Isla del Cráneo” se hundirá
totalmente en el mar tras un terremoto y Kiko sacrificará su vida por salvar a
los humanos. La animación es igual o más perfecta que “<b><i>King- Kong</i></b>”
a pesar de los avatares sufridos durante el rodaje de la película.; en
principio se iban a incluir modelos de la frustrada “<b><i>Creation</i></b>” y
figuras usadas en el primer Kong (como una estampida de dinosaurios al entrar
en erupción los volcanes que anuncian el final de la isla) pero se desechó al
reducirse el presupuesto y la figura del pequeño Kong se montó sobre el armazón
de su padre, ahora con pelo blanco (recordemos al original recubierto con
pieles de oso y, según otras fuentes, de conejo negro; las maquetas del animal
entero, cabeza, mano, pie y hombros), recubierto de nuevas piezas de goma y
piel. Un punto curioso: en 1933, fecha del film, no se conocía la existencia de
gorilas albinos, el primer caso documentado fue nuestro entrañable “Copito de
Nieve”, recogido como cría en Guinea Ecuatorial en 1966.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: ""; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-family: ""; mso-fareast-font-family: SimSun; mso-hansi-font-family: "";">Prueba que no fue una rotura
total es el siguiente film de Ernst Beaumont Schoedsack, <b><i>“The Last Days
of Pompeii” </i></b>(“<b><i>Los últimos días de Pompeya</i></b>”) para R.K.O.
Radio donde Merian Caldwell ejercía de productor (además de realizar algunas
escenas no acreditado) y pidió a Willis O’Brien hacerse cargo de los efectos
especiales. Se partía de un sólido e inteligente guión de Ruth Rose y Boris
Ingster según un argumento original de James Ashmore Creelman y Melville Baker,
no sobre la novela de Edward Bulwer Lytton, la cual fue adaptada al cine en
diversas ocasiones (en los genéricos del film se nos dice que nada tiene que
ver con la obra del barón de Lytton aunque los responsables del film le
agradezcan la precisa descripción de la antigua Pompeya, antes de la erupción
del Vesubio del 24 de agosto del 79). La música era de Roy Weeb, quien utilizó
fragmentos de Max Steiner en “<b><i>King- Kong</i></b>”. De esta forma nos
encontramos ante un film a la vez de aventuras, histórico (en el sentido que al
final se nos muestra el hecho histórico: el hundimiento bajo las cenizas de
Pompeya, Herculano y Estabia) y<span style="mso-spacerun: yes;">
</span>religioso, centrándose en la ambición de algunos políticos y gobernantes
del Imperio y en la interacción de la sociedad romana, el judaísmo y el aún
joven cristianismo (una treintena más un lustro de existencia) mientras la
historia de Bulwer Lytton (y sus adaptaciones para el cine) trata del choque
entre el cristianismo, la mitología egipcia y la romana (recordemos que en el
gobierno de los dos primeros Flavios, Vespasiano y Tito --- padre e hijo ---
los cristianos gozaban de libertad;<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>en
la fecha, considerada discutible, de la erupción del volcán, la destrucción de
Pompeya y las otras dos localidades era ya emperador Tito Flavio): un herrero
llamado Marco (Preston Foster) pierde a su esposa e hijo y se hace gladiador,
adopta el hijo de otro gladiador muerto por él en la arena hasta que recibe una
herida que le incapacita para la lucha y se traslada a Judea donde conoce al
gobernador Poncio Pilato (Basil Rathbone). El hijo adoptivo de Marco cae del
caballo y sufre una grave herida; el antiguo gladiador lleva al joven ante un
hombre que sana a los enfermos y hace milagros, algunos le reconocen como El
Mesías: Jesús de Nazaret. Poco después los más influyentes del Sanedrín le
condenan a muerte en la cruz ante la<span style="mso-spacerun: yes;">
</span>indiferencia de Pilato. Años más tarde, en Pompeya, el que fuera
gobernador aunque altivo y orgulloso confiesa a sus amigos tener remordimientos
por su falta de compromiso ante la justicia y su inhibición sobre el caso de
Jesús mientras observa el crecimiento del cristianismo y la confirmación de lo
que había oído de aquel hombre: su resurrección al tercer día. Ahora estalla el
Vesubio….<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: ""; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-family: ""; mso-fareast-font-family: SimSun; mso-hansi-font-family: "";">La película fue un reconocido
éxito. O’Brien y su equipo prepararon además los decorados en un trabajo
distinto. Es destacable la exposición del circo romano en Pompeya presidido por
aquella enorme estatua. La erupción del Vesubio y la destrucción de la ciudad
están magníficamente visualizadas, y más teniendo en cuenta que solo podía
hacerse una vez…<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: ""; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-family: ""; mso-fareast-font-family: SimSun; mso-hansi-font-family: "";">O’Bie realizará los efectos
visuales de otra producción R.K.O. Radio (1936): <b><i>“The Danzing Pirate” </i></b>(“<b><i>El
bailarín pirata</i></b>”), dirigida por Lloyd Corrigan donde lo más recordable
quizá sea el hecho de tratarse del primer musical en color en la totalidad de
la película.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: ""; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-family: ""; mso-fareast-font-family: SimSun; mso-hansi-font-family: "";">En el transcurso de dos años
tiene magníficas e imaginativas ideas sobre historias que nunca podrá trasladar
a la pantallas (como las anteriores “<b><i>Atlantis</i></b>” y “<b><i>Creation</i></b>”
y también el proyecto de realizar un “<b><i>Frankenstein</i></b>” con maqueta
de Stop- Motion antes que James Whale dirigiera su clásico interpretado por
Boris Karloff en 1931): “<b><i>War Eagles</i></b>”, en 1939, donde unos
vikingos montados sobre gigantescas águilas combaten contra los dinosaurios en
un mundo perdido (se frustró a causa del inicio de la II Guerra mundial) y “<b><i>Gwangi</i></b>”
(1941), proveniente a su vez de una idea del mismo O’Brien titulada “<b><i>Valley
of the Mist</i></b>”. El proyecto fue a parar al desván donde será rescatado
por Ray Harryhausen para rodarlo siete años después de la muerte de Willis
O’Brien: “<b><i>Valley of Gwangi</i></b>” (“<b><i>El valle de Gwangi”), </i></b>realizada
por Jim O’Connolly con efectos del mismo Harryhausen (1969), quien homenajeaba
a su admirado maestro (el guión es de William E. Bast sobre la idea original de
O’Brien). En este caso se trata de un valle perdido en el desierto de México
donde unos cow –boys capturan un allosaurio para exhibirlo en la civilización.
En la plaza de toros de Cuenca (México) el animal escapará sembrando el terror
en el poblado hasta penetrar en la catedral. Allí Tuck Kirby (James Franciscus)
le hostigará desde un pasillo lateral con una lanza, con la cola el allosaurio
derramará un brasero y al prenderse fuego en<span style="mso-spacerun: yes;">
</span>unos cortinajes perecerá finalmente entre las llamas (repetición de la
historia de King- Kong: deseo de mostrar al animal como atracción de feria,
escapada, destrucción de parte de la localidad y muerte).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: ""; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-family: ""; mso-fareast-font-family: SimSun; mso-hansi-font-family: "";">En 1939 Merian C. Cooper
fundó una pequeña productora asociado con John Ford, Argosy Pictures, donde,
hasta el cierre de la compañía en 1956, se filmaron diez películas de las
cuales nueve eran de Ford: “<b><i>Hombres intrépidos”</i></b>(en coproducción
con United Artists, 1940)<b><i>,“Caravana de paz”(</i></b>1950), “<b><i>Fort
Apache</i></b>”(1948)<b>,<i> “La</i></b> <b><i>legión invencible</i></b>”,(1949)<b><i>
“Río Grande</i></b>”(1950),<b><i> “Tres padrinos</i></b>”(1948)<b><i>, “El
hombre tranquilo”</i></b>(1952)<b><i>, “El sol siempre brilla en Kentucky</i></b>”
(1953) y “<b><i>El fugitivo</i></b>” (1947) y una de Ernst B. Schoedsack (“<b><i>El
gran gorila”, </i></b>1949). “<b><i>Mighty Joe Young</i></b>” (“<b><i>El gran
gorila</i></b>”), producción de Argosy para R.K.O. Radio, es la tercera vuelta
al tema del extraordinario gorila y su relación con los humanos por parte de
Schoedsack y Cooper. Ya no hay la violencia ni el erotismo de “<b><i>King- Kong</i></b>”
(ya dulcificado en “<b><i>El hijo de Kong</i></b>”) sino la más pura amistad y
fidelidad a Jill Young (Terry Moore) quien compró el gorila, llamado “Joe
Young”, a unos indígenas cuando este era una cría y<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>creció desmesuradamente hasta llegar casi a
los cuatro metros (se trata de un caso de gigantismo animal, no una especie prehistórica
como en “<b><i>King-Kong”</i></b>). Un empresario del espectáculo, Max O’Hara
(excelente Robert Armstrong, no podía ser otro) convence a la muchacha para
llevar al gorila a la civilización y lo convierta en atracción circense.
Exhibido en un night club (excelentemente mostrado por Schoedsack mediante un
travelling aéreo) desarrollará varias actividades, entre ellas un concurso de
fuerza mediante una cuerda por un lado tirada por los diez hombres más fuertes
del mundo (encabezados por el real Primo Carnera, campeón mundial de boxeo en
la década anterior) y en el otro por Joe Young quien les vence y caen todos a
una piscina situada en medio del local. Todo va bien hasta que unos gamberros
borrachos dan de beber whisky (el realizador suma hábilmente otro travelling al
anterior para señalar la estupidez y la irresponsabilidad de algunos seres
humanos) y emborrachan a su vez al gorila que huye sembrando el pánico hasta
que es capturado y condenado a muerte. Rescatado por Jill y un vaquero llamado
Gregg Johnson (Ben Johnson), empleado de O’Hara y enamorado de la muchacha, el
simio salvará a los niños de un orfanato donde se había declarado un incendio.
Absuelto, Joe Young, junto con la pareja, ahora ya prometidos, regresaran a
África. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: ""; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-family: ""; mso-fareast-font-family: SimSun; mso-hansi-font-family: "";">En la película hay intimidad,
suspense, humor y magníficas aventuras perfectamente fotografiadas en
blanco/negro por J. Roy Hunt y pese a ser principalmente dirigida a un público
familiar la respuesta en taquilla fue tan tibia como la crítica. Hoy, en día,
sin embargo, es considerado un ágil y conseguido film fantástico, no una obra
maestra como “<b><i>King- Kong</i></b>” pero si una cinta de culto (quizá más
que “<b><i>El hijo de Kong</i></b>”). <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: ""; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-family: ""; mso-fareast-font-family: SimSun; mso-hansi-font-family: "";">El guión de Ruth Rose partía
de un argumento de Merian C. Cooper y John Ford actuó como productor ejecutivo
y, según algunos datos, también como director de 2º unidad. Hay escenas
verdaderamente de ensueño y la animación es formidable. En principio se pensó
realizar la película en color pero ello hubiera disparado el presupuesto
(1.550.000 $, de los cuales 204.000 eran para los efectos especiales) y
finalmente se filmó en blanco/negro, virándose en rojo la escena del incendio
del hospicio (aunque casi siempre los pases por TV la dan en blanco y negro).
Más tranquilo, O’Brien trabajó a su gusto y finalmente alcanzó en los Oscar
anuales un galardón reconociendo sus méritos (en aquel tiempo aún no existían
oscares para efectos especiales). Aparte, tiene mucha importancia este film en
el campo de la animación ya que O’Brien --- secundado siempre por eficaces
ayudantes como Marcel Delgado o Pete Peterson, colaborador también varias veces
con O’Bie, tramoyista y constructor de decorados y figuras humanas en miniatura
--- acreditó a un joven Ray Harryhausen como ayudante suyo, realizando
bastantes partes de la animación del film. O’Brien elaboró con gran vitalidad
las escenas de Stop- Motion, dirigiendo incluso a los actores que debían
fusionarse con las maquetas. Se construyeron cuatro modelos de cuerpo entero de
43 cm de altura cada uno, un busto y otra figura entera de 13 cm para las tomas
lejanas (1). Al igual que la “Isla de la Calavera” de “<b><i>King- Kong</i></b>”
y <b><i>“El hijo de Kong</i></b>” está inspirada en un cuadro del pintor
simbolista, el suizo Arnold Böcklin (<b><i>“La isla de los Muertos”</i></b>, de
la cual realizó cinco versiones: dos en 1880, una 1883, otra en 1884 y la
última en 1886), algunas escenas de África de “<b><i>El gran gorila</i></b>”
también recuerdan varios cuadros del mismo autor (1827-1901), poseedor de un
indiscutible espíritu romántico.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: ""; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-family: ""; mso-fareast-font-family: SimSun; mso-hansi-font-family: "";">Más adelante alumno y
maestro, O’Brien- Harryhausen, volvieron a encontrarse en un documental
producido y dirigido por Irwin Allen (2) donde se nos describe la vida animal,
desde los extintos dinosaurios hasta el tiempo actual: “<b><i>The Animal World”</i></b>
(1956). Durante mucho tiempo esta película resultaba imposible de conseguir y,
además, diversas escenas fueron recortadas para usarse en otras producciones.
Finalmente apareció un DVD (aquí llegó por importación) en lengua original
inglesa y puedo asegurar que lo mejor son las escenas de obertura más otras
intercaladas donde vemos a los dinosaurios animados magistralmente por Willis
O’Brien y Ray Harryhausen. Lo demás son explicaciones sobre la vida animal del
planeta filmadas de manera tan correcta como fría, resultando en algunos
momentos bastante soporífero.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: ""; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-family: ""; mso-fareast-font-family: SimSun; mso-hansi-font-family: "";">El mismo Irwin Allen (lo
prefiero como avispado productor que como discreto realizador) proyectará en
1960 un remake del film de Harry Hoyt: “<b><i>The lost world”</i></b> (“<b><i>El
mundo perdido</i></b>”), producida y dirigida por el mismo Allen, donde se
contrató a Willis O’Brien por el prestigio de su nombre (“supervisor de efectos
especiales”, “supervisor técnico”) y nada más. Los dinosaurios eran animales de
la época actual “disfrazados” (con protuberancias y crestas) y aumentados
(lagartos e iguanas, hasta un pequeño cocodrilo). El resultado fue un desastre,
solo salvable por el reparto que reunía a Claude Rains, Michael Rennie, David
Hedison y Jill St. John. O’Bie para nada intervino en la animación.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: ""; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-family: ""; mso-fareast-font-family: SimSun; mso-hansi-font-family: "";">Algo similar pasó en <b><i>“The
Beast of Hollow Mountain</i></b>” (“<b><i>La bestia de la montaña</i></b>”)
dirigida por Edward Nassour e Ismael Rodriguez (coproducción EE.UU- México) en
1956. Una vez más se pagó a Willis O’Brien para figurar su nombre como
supervisor y nada más. Louis DeWitt, Jack Rabin<span style="mso-spacerun: yes;">
</span>y Henry Sharp cuidaban de los efectos especiales y la animación por Stop-
Motion era efectuada por el<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>realizador
Edward Nassour que conocía la técnica. El guión era de Robert Hill sobre una
historia del mismo Willis O’Brien titulada “<b><i>El toro estrella</i></b>”,
aunque cambiara en su totalidad. La película tiene momentos interesantes
(aquellos bosques, valles y desiertos por donde ronda un Allosaurus
superviviente de su época por capricho de la naturaleza, el ataque al ganado y
a los humanos) hasta que finalmente se hundirá en unas arenas movedizas. La
animación no está mal del todo, hay momentos mejores y otros no tanto pero no
es igual de haberla hecho O’Brien. El animal es de un verde vistoso y brillante
aunque con una roja lengua exageradamente larga.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: ""; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-family: ""; mso-fareast-font-family: SimSun; mso-hansi-font-family: "";">Más protagonismo tenía Willis
O’Brien en “<b><i>The Black Scorpion</i></b>” (“<b><i>El escorpión negro”</i></b>),
producción independiente U.S.A. (1957) dirigida por Edward Ludwig, con guión de
Robert Blees y el reputado escritor de ciencia- Ficción David Duncan. La
temática es parecida a la inolvidable “<b><i>La humanidad en peligro</i></b>”
(Gordon Douglas, 1954), cambiando las hormigas por escorpiones. La historia es
previsible pero tiene buenos momentos, especialmente la animación de los
animales a cargo de un O’Brien, que ya había traspasado la barrera de los 70
años y no gozaba de muy buena salud pero hizo un trabajo encomiable, ayudado
por Pete Peterson.<b><i><o:p></o:p></i></b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><i><span lang="ES" style="font-family: ""; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-family: ""; mso-fareast-font-family: SimSun; mso-hansi-font-family: "";">“Giant Behemot</span></i></b><span lang="ES" style="font-family: ""; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-family: ""; mso-fareast-font-family: SimSun; mso-hansi-font-family: "";">” (1959), no estrenado
comercialmente en España, del ex director artístico Eugene Lourié, es un
dinosaurio indefinido que surge del mar para atacar las localidades costeras
(pude visionarla en inglés). Cuando el animal está en el agua, no muy visible,
recuerda las ilustraciones de aquellas sagas nórdicas donde aparecían
gigantescas serpientes marinas y cuando está en tierra firme O’Brien demuestra
su talento. Además de devorar y aplastar a los humanos, el monstruoso renacido
de una explosión nuclear desprende radioactividad y emite un gas altamente
venenoso…<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: ""; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-family: ""; mso-fareast-font-family: SimSun; mso-hansi-font-family: "";">“<b><i>Giant Behemoth</i></b>”
es otra vuelta a la tuerca de “<b><i>El monstruo de tiempos remotos</i></b>”
(1953) del mismo Lourié con los efectos magistrales de Ray Harryhausen. Eugene
Lourié cerraría su trilogía “dinosaúrica” con “<b><i>Gorgo”</i></b> <b><i>(“Gorgo</i></b>,
1961), bastante entretenida pero sin la intervención de O’ Brien ni de
Harryhausen.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: ""; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-family: ""; mso-fareast-font-family: SimSun; mso-hansi-font-family: "";">Finalmente se le confió a
O’Bie los efectos visuales de <b><i>“It’s a Mad Mad Mad Mad World”</i></b> (“<b><i>El
mundo está loco, loco, loco</i></b>”, 1962), comedia de Stanley Kramer donde la
creación de las miniaturas corría a cargo de una joven promesa en el campo del
Stop- Motion, Jim Danforth y la animación efectuada por Marcel Delgado. El día
8- noviembre – 1962 Willis O’Brien (3) nota un ligero dolor en el pecho que él
atribuye a una indigestión. En su casa, durante la noche, sentado ante el
televisor, morirá de un infarto. El cine perdía a uno de sus más insignes
artistas y para mi (en aquel momento era un niño y aún faltaban años para
entender y admirar la obra de O’Bie) se constituyó en gran pesar el no haber
conocido personalmente a Willis O’Brien como años después conocí al que fuera
su alumno y también gran creador Ray Harryhausen…<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: ""; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-family: ""; mso-fareast-font-family: SimSun; mso-hansi-font-family: "";"><span style="mso-spacerun: yes;">
</span>Narcís Ribot i Trafí<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: ""; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-family: ""; mso-fareast-font-family: SimSun; mso-hansi-font-family: "";">1)- “<b><i>King- Kong, el rey
del cine</i></b>”, de Carlos Díaz Maroto. Editorial Jaguar- 2006. Libro muy
recomendable.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: ""; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-family: ""; mso-fareast-font-family: SimSun; mso-hansi-font-family: "";">2)- Irwin Allen (1916-1991),
productor y realizador americano. Diseñó series para TV como “<b><i>Viaje al
fondo del mar</i></b>”, “<b><i>Perdidos en el espacio</i></b>”, <b>“<i>El túnel
del tiempo</i></b>” y “<b><i>Tierra de gigantes</i></b>” que hacían nuestras
delicias infantiles en los 60 (los capítulos que llegaban aquí, claro; ahora
las series completas se pueden encontrar en importación).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES" style="font-family: ""; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-family: ""; mso-fareast-font-family: SimSun; mso-hansi-font-family: "";">3)- “<b><i>Los mundos
perdidos de Willis O'Brien</i></b>”, coordinado por Jorge Adsuara y prologado
por Miguel Fernando Ruíz de Villalobos (2013), editado para la IV Jornada de
Literatura Fantastica, Ciencia- Ficción y Terror de Castellón es el único libro
en castellano centrado totalmente en Willis O'Brien (dedicado a la memoria de
Ray Harryhausen, fallecido el mismo 2013), como he repetido varias veces. Se
trata de una obra coral en la que participó quien escribe estas líneas.<o:p></o:p></span></div>
<br /><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjsFtnDPQa21BpFFmyvXUogP6hmylzcFbAdHFnL1njKIsKEzpIEEEZCwmPccTaqxs-1y73yzmSgR9QH9kKuNYlJ-Z68rd-pTcnuQAz5-cm-dc_a6CJW1quKXN1peSk-0Gm20WhMeTN-kEBz/s1600/kingkong.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="609" data-original-width="890" height="218" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjsFtnDPQa21BpFFmyvXUogP6hmylzcFbAdHFnL1njKIsKEzpIEEEZCwmPccTaqxs-1y73yzmSgR9QH9kKuNYlJ-Z68rd-pTcnuQAz5-cm-dc_a6CJW1quKXN1peSk-0Gm20WhMeTN-kEBz/s320/kingkong.jpg" width="320" /></a></div>
<br />Narcíshttp://www.blogger.com/profile/08118936220217813153noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6384052752908304011.post-76352878211439197982019-05-04T03:48:00.000-07:002019-05-04T03:48:03.691-07:00EL FANTASTICO MUNDO DE WILLIS O’BRIEN (I)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjKNOtoNp1VYT1Wv7CxuvqGwoOO8cCvs_hZtPZrZwkAxQQcMKvCWZO7Gp1ECiPQXWVrWDJlht_UsG8LwEzpQ4-VFRt2qMpfNSYhhyhMkoXhOWg6XS4rbMdbsCzpzGpedipSy7wTdJu8X5If/s1600/WillisObrien.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="345" data-original-width="445" height="248" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjKNOtoNp1VYT1Wv7CxuvqGwoOO8cCvs_hZtPZrZwkAxQQcMKvCWZO7Gp1ECiPQXWVrWDJlht_UsG8LwEzpQ4-VFRt2qMpfNSYhhyhMkoXhOWg6XS4rbMdbsCzpzGpedipSy7wTdJu8X5If/s320/WillisObrien.jpg" width="320" /></a></div>
<br />
<br />
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; tab-stops: 42.5pt; text-align: justify;">
<span style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span>Una familia, una comunidad religiosa,
una parroquia, un grupo o una asociación tienen mucha suerte si entre sus
miembros hay una persona de aquellas “que sabe hacer de todo”. Desde cualquier
reparación doméstica (colocar un enchufe, arreglar una persiana, cuidar el
jardín…) hasta darte valiosas ideas. En verdad es muy positiva la existencia de
esta clase de hombres o mujeres, llamados comúnmente “manitas”. De entre ellos
hay algunos conformados en ir realizando su cometido durante muchos años,
quizás toda su vida… me parece bien y otros poseedores de un espíritu
aventurero, deseosos de conocer cosas nuevas, tierras nuevas, posibilidades
nuevas…también me parece muy bien; he conocido varios de esta casta y en el
segundo caso he admirado su filosofía de la vida, su forma de pensar ante la
cotidianidad, su afán investigador y su deseo aventurero… <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; tab-stops: 42.5pt; text-align: justify;">
<span style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">Willis
Harold O’Brien (Oakland, California, 1886- Los Ángeles, 1962) era uno de ellos,
del segundo grupo. Descendiente de irlandeses, hijo de un etimologista y
director de academia y de hotel, escapa de su casa a los 11 años para trabajar
en ranchos, regresar al hogar y marchase definitivamente dos años después. Será
trampero (en Oregón), guardafrenos, escultor, mozo de granja avícola, de
botones a delineante en una empresa de arquitectos, jockey, caricaturista
deportivo, empleado en una tienda de artesanía en San Francisco, boxeador y
guía para excavaciones arqueológicas. Es en el establecimiento de San Francisco
(1915) donde --- quizás involuntariamente --- descubre el sistema de “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Stop-
Motion</i></b>” (animación escena por escena), cosa que cambió totalmente su
vida. Antes, ya lo dijimos, el procedimiento fue descubierto a cargo de varios
pioneros por separado como Georges Méliès (al encallarse la cámara) o Segundo
de Chomón (al entrar una mosca) pero estos no se preocuparon de patentarlo
(también se atribuyó a James Stuart Blackton aunque se dedicara más y aplicara
sus hallazgos en el campo de los dibujos animados) y la técnica pasó al limbo
del olvido hasta la resurrección efectuada con su propio esfuerzo por Willis
O’Brien (O’Bie, para los amigos). Nuestro hombre modeló por primera vez en
arcilla (comprada en la Feria Mundial de San Francisco) la figura de dos
boxeadores a los que animaba manualmente y remodelaba cada vez que sufrían
desperfectos e hizo filmar el combate (este primer corto se titulaba “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Morpheus
Mike</i></b>”). A continuación se le ocurrió rodar un corto protagonizado por
un cavernícola y un dinosaurio (figuras de algunos centímetros de altura)
también de arcilla, sirviéndose de unos simples esqueletos de madera a los que
animaba imagen por imagen (filmar-cortar- variar la posición de las figuras
unos milímetros- volver a filmar y así sucesivamente…muy laborioso; para rodar
unos cuantos movimientos animados se necesitaban varias horas de trabajo) y con
unas cuantas piedras distribuidas por el suelo funcionando como marco
ambiental. Llamó a un fotógrafo y efectuó la prueba en la terraza del Banco de
Italia en San Francisco. El fotógrafo tomaba un movimiento, Willis variaba la
posición de las figuras unos milímetros y se impresionaba otro movimiento. El
corto duraba un minuto y su resultado entusiasmó a H. Wober, un productor
cinematográfico que financió con un presupuesto de 5000 $ otro corto con el
sistema Stop- Motion: “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">The Dinosaur and the Missing Link</i></b>”
(1917). Para no tener que remodelar una y otra vez cubrió las figuras de
arcilla con finas hojas de goma que conservaban su forma, disponiendo además de
esqueletos con uniones metálicas más flexibles y articuladas que las de su
primer trabajo. Hemos visto como la idea de dedicarse al cine en la rama de
maquetista y animador surgió de su propia y fecunda imaginación en sus últimos
trabajos: 1) arte (comerciante en objetos de artesanía) y habilidad, 2) la idea
de los boxeadores fue decisiva (él había practicado el boxeo), pero<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>aún más, 3), siendo guía en una expedición
científica de Universidad de California descubrió algunos restos de un
prehistórico <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">smilodonte</i></b> (conocido también como el “tigre de dientes de
sable”), aumentando su afición a la prehistoria y a los relatos de fantasía. “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">The
Dinosaur and the Missing Link</i></b>” (<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">conocida también como “The Dinosaur and the
Baboon”</i></b>) fue vendida a la compañía de Thomas Edison a cuyos directivos
entusiasmó por lo cual ofrecieron un contrato a O’Bie para preparar lotes
destinados a un público familiar: esencialmente comedias prehistóricas donde
Willis preparaba los escenarios, moldeaba las figuras y llagaba a producir sus
propias películas. Las cintas eran de 500 pies de largo (150 metros) y O’Brien
recibía un dólar por pie.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; tab-stops: 42.5pt; text-align: justify;">
<span style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">Willis
abandonó la productora al ver su desaparición y en 1918 entró en contacto con
el mayor Herbert M. Dawley, productor y (supuesto) maquetista para realizar “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">The
Ghost of the Slumber Mountain</i></b>” donde O’Bie animaba a varios reptiles
prehistóricos. A pesar del éxito comercial (sobre un presupuesto de 3.000 $ se
recaudaron 100.000 $ de aquel tiempo) la asociación acabó mal ya que su socio
borró el nombre de O’Brien de los créditos y patentó la técnica de Stop Motion
como suya propia. Se entabló un pleito donde los abogados de Willis demostraron
de forma indiscutible, afortunadamente, quien tenía la razón. O’Bie modelaba
muñecos de goma sobre un esqueleto metálico con partes articuladas (según
explica detalladamente el libro de los hermanos Payán, 1) para ofrecer un
abanico de trucajes nunca visto: las estrellas invitadas fueron un
brontosaurio, un “diatrima” (ave gigantesca del Terciario) devorando una enorme
serpiente y una lucha entre dos triceratops cuyo superviviente es atacado y
devorado por un alosaurio (las maquetas eran movidas ya casi en forma estándar
sobre figuras de miniatura en una fracción de pulgada= 2,54 centímetros por
cada fotograma de filmación) . Además de la creación de maquetas y efectos
especiales, O’Brien escribió el guión, fotografió e interpretó al fantasma del
ermitaño. El film de 45 minutos de duración original fue recortado hasta 17
minutos, tal como lo conocemos hoy en día.<span style="mso-spacerun: yes;">
</span><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; tab-stops: 42.5pt; text-align: justify;">
<span style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">El
hecho anacrónico, científicamente, de aparecer en una misma cinta animales del
Terciario junto con los dinosaurios del Secundario y con seres humanos es algo
corriente en el cine, en donde impera la fantasía y en muchos casos se busca el
espectáculo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; tab-stops: 42.5pt; text-align: justify;">
<span style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">En
la época donde llegó la consagración a O’Brien, <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“King- Kong”</i></b> (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">King-
Kong</i></b>”, de Ernst Beaumont Schoedsack y Merian Caldwell Cooper, 1933) se
enfrentó a una gran desgracia al perder de golpe toda su familia. Había
contraído nupcias con Hazel Ruth Collete en 1925, a quien se le diagnosticó
cáncer y tuberculosis en 1931 (la pareja se había separado en 1930) y uno de
sus dos hijos, William, contrajo también la tuberculosis y a continuación la
ceguera. La tragedia total llegó en 1933: su ex esposa, aparentemente bajo un
ataque de locura, asesinó a sus dos hijos e intentó suicidarse con la misma
escopeta quedando gravemente herida. O’Brien no quiso verla más y logró el
divorcio antes de que ella falleciera (1934). O’Brien contrajo matrimonio con
Darlyine Prenett el mismo año y, gracias a su segunda esposa (le sobrevivió
bastantes años), los aficionados al cine fantástico y al cine en general
sabemos muchos datos y anécdotas de O’Bie que podían haberse perdido.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; tab-stops: 42.5pt; text-align: justify;">
<span style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">Retrocedamos
a 1925: O’Brien tenía ya renombre y prestigio en su labor de efectos
especiales. El productor Watterson R. Rothaker decidió dar una adaptación
cinematográfica de la novela de Sir Arthur Conan Doyle (creador del personaje
de Sherlock Holmes) “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">The Lost World</i></b>” (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El
mundo perdido</i></b>”), publicada en 1912, y decidió confiar a Willis O’Brien
la sección de efectos especiales. Nuestro hombre había hecho amistad con el
escultor y modelista mexicano Marcel Delgado (1901- 1976) quien estudiaba y
trabajaba en una tienda para poder pagarse los estudios. O’Brien apreció el
trabajo de Delgado y le animaba a colaborar con él en el cine mas este se
resistía ya que quería ser escultor, al menos en un principio. Finalmente le
pudo convencer y ambos emprendieron el reto de animar “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El mundo perdido”</i></b>, cuya
realización fue concedida a Harry Hoyt. Los dinosaurios de O’Brien, eficazmente
ayudado por Marcel Delgado, combinados con el invento de Ralph Hammeras (1874-
1970), consistente en la “filmación con cristal” o sea superposiciones pintadas
en un cristal colocado delante de la cámara hicieron triunfar el film en forma
espectacular (Hammeras, aparte de efectos visuales y especiales, era director
de fotografía y decorador, actuando en varios films sin acreditar, como “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">The
Black Scorpion</i></b>”, 1957 o <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“20.000 leguas de viaje submarino</i></b>”,
1954).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; tab-stops: 42.5pt; text-align: justify;">
<span style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">Aquí
conseguía O’Bie unas maquetas y una animación aún más perfecta y realista que
en sus anteriores logros (ver la evolución profesional de nuestro hombre):
esqueletos de acero cubiertos con hojas de goma (usadas en las prótesis
dentales) y hule, esponja roja para dar volumen, piel de látex, chocolate de
taza para simular sangre en las heridas de los dinosaurios y, además, se
introducían válvulas de hinchar balones dando sensación de respirar por parte
de los animales. O’Brien combinó perfectamente la acción de personas con
dinosaurios en un mismo encuadre, movimiento de cámara (cfr. planos detalle)
cuando en trabajos anteriores la cámara estaba fija, ofreciendo despliegue de
imágenes mucho más impactantes y emocionantes que antes. Los primeros planos
sobre las cabezas de los dinosaurios son impresionantes, con detalles como la
saliva saliéndoles de la boca, giro de ojos y respiración. La escena en donde
los dinosaurios huyen ante la erupción de un volcán se filmó en una posada de
23 x 46 m y los animales prehistóricos estaban inspirados en los dibujos de
Charles R. Kinght del Museo de Historia Nacional. Aparte de Triceratops
(herbívoro, prácticamente antecesor del rinoceronte, con una especie de collar
protegiéndole la cabeza de los depredadores) Tyranosaurus (el más temido
carnívoro), Pteranodon (reptil volador), Allosaurus (parecido al Tyranosaurus)
y Stegosaurus (cabeza pequeña, toda la espina dorsal hasta la cola protegida
con duras crestas, una cola dura y de golpe mortífero y tres cerebros…)<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>con frecuencia presentes en la ya larga
filmografía “dinosaúrica”<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>y el más
ocasional --- en el cine que vendrá después--- Brontosaurus, aparecerán también
el Agathaumas y el Trachodon. Por vez primera observábamos el movimiento de
muchos dinosaurios a la vez en una llanura (lo normal era ver uno o dos, en
escena de lucha generalmente, no más), todos con movimiento propio por lo cual
es de admirar el trabajo de O’Brien y Delgado. Estos modelos posteriormente se
exhibieron en el Museo de Artes y Ciencias de Los Ángeles. Arthur Conan Doyle
aparecía como presentador del film original que se perdió tras un incendio en
los estudios (circulaba una copia con metraje reducido para colegios pero hace
algunos años, gracias a la Filmoteca Checa, podemos disfrutar de una versión
más completa, la distribuida en circuito DVD). <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“El mundo perdido</i></b>” gozó
también de un buen reparto: Wallace Beery (profesor Challenger), Lewis Stone
(sir John Roxton), Lloyd Hughes (Edward Malone) y Bessie Love (Paula White). La
trama, más adelante estereotipada, se centra en una expedición a una región
rodeada/protegida por montañas donde la vida aún es prehistórica en su fauna y
flora (dinosaurios, cavernícolas) situada en una inexplorada y casi inaccesible
región del Brasil. También se repetirá la captura de uno de los animales (el
herbívoro Brontosaurus) para llevarlo a Londres y poder demostrar Challenger
sus teorías que posteriormente escapa, derrumba paredes, amenaza con aplastar
humanos y finalmente su peso hunde un puente sobre el Támesis y el animal se
aleja a nado para volver a su lugar de origen (lo mismo hará King- Kong en
Nueva York pero en su caso la bestia encontrará la muerte a causa de su amor
por una mujer).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; tab-stops: 42.5pt; text-align: justify;">
<span style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">Al
año siguiente, 1926, O’Brien había pensado en una secuela que, como muchos
proyectos suyos, jamás se realizó: “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Atlantis”</i></b>. Mismo caso para “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Creation”</i></b>
aunque sus esbozos y sus pocos minutos filmados de prueba emocionó al
productor/realizador Merian Caldwell Cooper, para R. K. O. (había un boceto de
un gorila gigante con una muchacha en su mano). Primera idea para la gestación
del inmortal “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">King- Kong</i></b>” (1933). Merien C. Cooper (1894-1973) fue productor
(su faceta más habitual e importante), 2), directivo de varias empresas
cinematográficas, guionista, realizador, aventurero, aviador y oficial de las
Fuerzas Aéreas de U.S.A. Junto con su compañero de aventuras Ernst Beaumont
Schoedsack (1883- 1979) formaron un tándem valiosísimo que eclosionó en dos
obras absolutamente maestras no solo del cine fantástico sino del general: “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">The
Most Dangerous Game</i></b>” <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">(“El malvado Zaroff</i></b>”, 1932),
dirigida por Schoedsack e Irving Pichel, producida por Merian C. Cooper y David
O’Selznick para R.K.O. y guión de James Ashmore Creelman sobre un relato de
Richard Connell y “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">King- Kong” (“King- Kong</i></b>”, 1933), producida por Schoedsack y
Cooper y David O’Selznick (productor ejecutivo) según guión de James Ashmore
Creelman y Ruth Rose (esposa de Schoedsack) sobre un argumento del escritor
Edgar Wallace (falleció antes del estreno del film) y Merian C. Cooper. Los
protagonistas masculinos de “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El malvado Zaroff</i></b>” fueron Joel
McCrea y Leslie Banks (conde Zaroff), los de “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">King- Kong”,</i></b> Bruce Cabot
y Robert Armstrong mientras que la protagonista femenina en ambos films fue Fay
Wray (a quien conocí en Sitges- 1989, había nacido en 1907 y falleció en 2004).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; tab-stops: 42.5pt; text-align: justify;">
<span style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">Para
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“King-
Kong</i></b>” Mario Larrinaga y Byron Crabbe preparaban los fabulosos
decorados, Schoedsack y Cooper, aparte de productores, compartían el asiento de
director (se ha dicho que la 1ª parte, la de la misteriosa isla con sus
apasionante selvas donde el rey Kong hace su aparición fue filmada por Cooper y
la 2ª parte, la de Nueva York aterrorizada por Kong cuando ha logrado escapar
se realizó a cargo de Schoedsack) y Willis O’Brien, junto y perfectamente
compenetrado con Marcel Delgado, modelaban las nuevas figuras aún más perfectas
(la evolución era continuada) que las de “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El mundo perdido</i></b>”. Para ello se
prepararon dos maquetas del gorila (no alcanzaban el ½ metro), además de varios
animales prehistóricos. Se utilizó un nuevo modelo de arcilla como guía; sobre
el esqueleto de acero se colocaba una musculatura de látex que podía ser
animada con gran verismo, se empleaba algodón para dar volumen al animal y se
terminaba empapando con una capa de látex líquido al modelo, creando los
detalles finales antes que se secara. Para las escenas donde intervenían
actores humanos se crearon modelos a escala natural de la cabeza y hombros de
Kong junto con una mano y un pie además de miniaturas representando seres
humanos. La cabeza, mano, pie y hombros formaban parte de un conjunto
proporcional e idéntico, forrado con varias pieles de oso y movido por<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>un dispositivo de aire comprimido.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; tab-stops: 42.5pt; text-align: justify;">
<span style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">Es
conocida la historia del aventurero y realizador cinematográfico Carl Denhan
(Bruce Cabot) --- proyección dentro de la pantalla del dúo Schoedsack- Cooper
--- el cual embarca en busca de una isla perdida y ausente en muchos mapas
llamada “Skull” (“Calavera”) donde hay la leyenda de estar habitada por
animales prehistóricos y un gorila gigante de unos 15 m de altura. Acompañan a
Denham la bella Ann Darrow (Fay Wray), a quien había encontrado robando
manzanas (estamos en USA, durante la depresión iniciada en 1929) y Jack
Driscoll (Bruce Cabot). Los nativos de la isla, separados de “la parte
prehistórica” por una muralla, raptan a Ann para ofrecérsela al dios- Kong pero
este no la matará sino que se enamorará de ella y la defenderá de tres
depredadores: un Tyranosaurus Rex, un Notosaurus (anfibio, prácticamente una
serpiente con patas) y un Pteranodon. La muchacha es rescatada por Driscoll,
derrumba Kong la puerta de separación del mundo perdido- poblado de indígenas y
finalmente es capturado al arrojarle Denhan una granada lacrimógena. Llevado a
nueva York para ser exhibido como “la octava maravilla”, el simio se excita
ante los flashes de los fotógrafos (cree que hacen daño a su enamorada), rompe
las cadenas y huye a la calle sembrando la destrucción, el terror y la muerte
hasta encontrar a Ann a quien rapta y huye con ella en lo alto del Empire
State. Deposita a Ann en una pequeña terraza mientras es abatido por la
aviación militar, cayendo al vacío (los aviadores con bufanda del biplano
monomotor que mata a Kong --- el animal había logrado derribar a uno --- eran
los mismos Schoedsack y Cooper). <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“Por fin la aviación ha acabado con él</i>”</b>,
dice un policía. Denham contesta: <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“No, ha sido una mujer</i></b>”.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; tab-stops: 42.5pt; text-align: justify;">
<span style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">El
éxito fue tan apoteósico que Schoedsack y Cooper prepararon una continuación,
también producida por R.K.O. a finales del mismo 1933: “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Son of Kong”</i></b> <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">(“El
hijo de Kong”</i></b>) con el concurso de O’Brien. Esto lo contaremos, Dios
mediante, en una segunda parte sobre los trabajos de O’Bie a partir de “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">King-
Kong</i></b>” hasta el final de su vida, debido a un ataque cardíaco, en 1962.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; tab-stops: 42.5pt; text-align: justify;">
<span style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">Willis
O’Brien (3), al igual que su alumno y sucesor Ray Harryhausen, siempre fue fiel
a su técnica “Stop- Motion” o “escena por escena”. Verdadero artista y<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>gran creador en una elaboración, podríamos
decir, “artesanal” y “casera”. Quizás hoy, sus movimientos nos pueden parecer
algo mecánicos, como he oído alguna vez en “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">King- Kong</i></b>” (muchos
desconocen el significado de la palabra “sensibilidad”), pero este aparente
primitivismo e incluso estas imperfecciones que algunos se empeñan en buscar
dan una dimensión de “maravilloso” y de poesía que aún hoy en día, con sus
técnicas millonarias de efectos digitales y ordenadores, se está lejos de
igualar.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; tab-stops: 42.5pt; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";"><span style="mso-spacerun: yes;">
</span>Narcís Ribot i Trafí<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">1)-“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">LOS EFECTOS ESPECIALES
(1900-2001): DE KING KONG A LA GUERRA DE LAS GALAXIAS,” </i></b>de Javier y
Miguel Juan Payán. Pozuelo de Alarcón (Madrid, 2001).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">2)- Merian C. Cooper como
productor: <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">“<i style="mso-bidi-font-style: normal;">King- Kong</i></b>” (además de co-realizador), “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Dr.</i></b> <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Cyclops”, “El gran gorila</i></b>”,
“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Los
últimos días de Pompeya</i></b>”, <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“She, la diosa del fuego</i></b>”, todas
ellas realizadas por Schoedsack; asociado con John Ford (Argosy Pictures) le
produjo varios films como “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El sol siempre brilla en Kentucky”, “El
hombre tranquilo</i></b>”, “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Tres padrinos</i></b>”, “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El
fugitivo”</i></b> o la “trilogía de la caballería” (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Fort Apache”, “La legión
invencible</i></b>” y “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Río Grande</i></b>”). Como director: “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Chang”</i></b>
(1927), documental, aún en la época muda, sobre animales, especialmente
gorilas, “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">King-Kong</i></b>” y también al alimón con Schoedsack en <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“Los
últimos días de Pompeya</i></b>”. Como guionista: <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“King- Kong</i></b>” y “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El
gran gorila</i></b>” (1949), donde Willis O’Brien era ayudado por un aficionado
admirador suyo que se convertiría en su dignísimo sucesor: Ray Harryhausen. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">3)- “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">CINESAURIOS</i></b>”,de Adolfo
Blanco Lucas. Royal Books (Barcelona. 1993). Libro recomendado varias veces
como los que vienen a continuación.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">- <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“CINEZOICO” (“EL DINOSAURIO A
TRAVÉS DE LA HISTORIA DEL CINE)”,</i></b> de Octavio David López Payán (prólogo
de José Luis Sanz). Editorial Rosetta Cabezo de Torres, Murcia, 2017).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">- “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">MITOLOGÍA DE LOS DINOSAURIOS</i></b>”,
de José Luis Sanz (Taurus, Madrid, 1999)-<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">- “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">LOS MUNDOS PERDIDOS DE WILLIS
O'BRIEN</i></b>”, obra coral con prólogo de Miguel Fernando Ruíz de Villalobos
y coordinado por Jorge Juan Adsuara. Editado por CINE CLUB MUSEO FANTÁSTICO
para la IV JORNADAS DE LITURATURA FANTÁSTICA, CIENCIA- FICCIÓN Y TERROR en Castellón
(2013- Único estudio, hasta el momento, en formato de libro y en lengua
castellana, integramente dedicado a<span style="mso-spacerun: yes;">
</span>Willis O´Brien.</span><o:p></o:p></div>
<br /><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiHWgeT2yZZ8oW3K_mi70M9EWQU2hJsSnY6jpLNfccbKROU9sCIJxZFLr35Q4hyphenhyphenerxurM2CR7fILJdtz-D_sWNJ6zsGc57jHoaNJCgb2XOz1hsA2is7MEgiFYsJkZANqgefhKac3BSkaCsj/s1600/fliyer-libro-oc3a2c2b4brien.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="500" data-original-width="750" height="213" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiHWgeT2yZZ8oW3K_mi70M9EWQU2hJsSnY6jpLNfccbKROU9sCIJxZFLr35Q4hyphenhyphenerxurM2CR7fILJdtz-D_sWNJ6zsGc57jHoaNJCgb2XOz1hsA2is7MEgiFYsJkZANqgefhKac3BSkaCsj/s320/fliyer-libro-oc3a2c2b4brien.jpg" width="320" /></a></div>
<br />Narcíshttp://www.blogger.com/profile/08118936220217813153noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6384052752908304011.post-1013871811451190562019-04-22T02:15:00.001-07:002019-04-22T02:15:55.661-07:00SEGUNDO DE CHOMÓN, EL PIONERO<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi63RJn41Tlwmb5bDSGNB5gaHDpib_RH-vQOmcqyjhZZs2JUti6nG7WVLXVgEcyONVLkhjfDEzoHfQ-6wsU98NJ7fHu0qNJMAV74bX31tOeCw3Sx9A6IdVxFrDTqCwgXxvnYrlvewGLzX4c/s1600/Segundo-de-Chom%25C3%25B3n.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1009" data-original-width="659" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi63RJn41Tlwmb5bDSGNB5gaHDpib_RH-vQOmcqyjhZZs2JUti6nG7WVLXVgEcyONVLkhjfDEzoHfQ-6wsU98NJ7fHu0qNJMAV74bX31tOeCw3Sx9A6IdVxFrDTqCwgXxvnYrlvewGLzX4c/s320/Segundo-de-Chom%25C3%25B3n.jpg" width="208" /></a></div>
<br />
<br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt;">“Más
como soy un entusiasta de los inicios de este medio de expresión y sus
primitivos especialmente Chomón quien si hubiese nacido francés, alemán, sueco,
americano o ciudadano de cualquier otro país de los llamados civilizados, sería
no tan solo una figura, sino un intocable” </span></i></b><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt;">(Juan Gabriel Tharrats, en el prólogo
de su libro “<i style="mso-bidi-font-style: normal;">Los 500 films de Segundo de
Chomón</i>”)</span></b><span style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt;"><br /></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">Una de las más grandes injusticias
ejercitadas por el ser humano es el llamado “olvido voluntario”, donde hay
cierta cantidad de malicia y buena dosis de hipocresía (si no se trata de algo
importante el otro olvido, el corriente, es perdonable a causa de nuestras
limitaciones). El “voluntario” es el silencio interesado sobre una persona y/o
su obra para que nadie hable de él. Puede darse en el campo de la política, la
ciencia, la literatura, el arte en general, a veces por no coincidir con
quienes llevan en aquel momento las riendas del poder, incluso en democracia
hay actos que recuerdan perfectamente algunos de los practicados por el
nazismo, fascismo o estalinismo: interesa silenciar a alguien y su trabajo u
obra. Ha pasado aquí en varias ocasiones y hace poco tiempo. No es este el caso
del turolense Segundo de Chomón (1871- 1929), pionero del cine mudo (o sea casi
desde su invención por los hermanos Lumière) en muchas facetas; más bien por
desidia,<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>por pereza o por
desconocimiento. En nuestro país el lema “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">que inventen ellos</i></b>” se hace realidad
en muchas ocasiones. En la práctica, y hablando ya específicamente de cine español,
es mucho más fácil, rentable y menos arriesgado hablar de directores, actores y
actrices del cine actual o más bien --- cambiando de género --- de sus vidas
privadas, propio de la “prensa rosa”, un cine subvencionado desde hace más de
dos décadas que a veces incluso ni se estrena y en absoluto refleja la sociedad
y en donde ha predominado el enchufismo, el amiguismo y el proteccionismo para
unos y el paro además del olvido para otros. No es momento ni lugar para
analizar cualitativamente el cine español actual --- el cine está en crisis en
todos los países desde hace tiempo, en el de género norteamericano, p. e., la
función de realizador se ha despersonalizado al máximo, solo los efectos
especiales y prácticamente la superficialidad (mono) temática opuesta a la
reflexión y a la inteligencia (de vez en cuando podemos descubrir un film
“potable”, de acuerdo) --- solo añadir la tramposa maniobra por parte de
algunas plumas en intentar que esta cinematografía pase como miembro honorífico
en el acervo cultural de nuestro país, dispuesto a perpetuarse en el tiempo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">Gracias a la labor de erudición e
investigación del ya fallecido Carlos Fernández Cuenca (1) en los años 70 se
supo bastante sobre el anteriormente casi olvidado Segundo de Chomón y años
después a Juan Gabriel Tharrats, entre otros (2), los aficionados e interesados
conoceremos mucho más sobre este pionero del cinematógrafo. Finalmente, hará
unos años, salió al mercado un DVD --- promocionado por la Filmoteca de
Catalunya --- con algunas películas de Chomón (lo único editado aquí del
maestro pionero) junto con un muy útil librito a cargo del historiador<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>Joan M. Minguet Batllori (3), complementando
algunos títulos que afortunadamente pude visionar en un ya muy lejano Festival
de Cine Fantástico de Sitges en 1978.<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><o:p></o:p></b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">I)- ESBOZO BIOGRÁFICO-</span></b><span style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">Segundo Víctor Aurelio Chomón Ruiz
nació en Teruel un 17 de octubre de 1871, hijo de Isaac Chomón Gil, médico de
profesión, y de Luisa Ruiz, familia de clase media aunque descendía de noble
linaje francés: procedía por línea directa del caballero Henri de Chaumont,
tercer hijo de Hugo de Francia, aparte de dar nombre a la capital del
departamento del Alto Marne, Chaumont, también nombre del famoso castillo del
Loira, residencia de Catalina de Médicis; Henry murió en 1130 en la Cruzada y
siglos después un descendiente suyo se trasladó a España convirtiendo el
apellido en De Chomón por su equivalencia fonética. Después de sus estudios
primarios en Teruel algunos historiadores dicen que cursó ingeniería, unos que
acabó su carrera, otros que la abandonó para dedicarse al incipiente arte del
cinematógrafo (su nieto Piero afirma que acabó sus estudios pero jamás
ejerció). Viajó algunas veces a París durante el último lustro del siglo XIX
(1895-1897 se sitúan las fechas). De los 25 primeros años de su vida se conocen
poquísimos datos. En París conocerá a Julienne Mathieu, actriz de vodevil, y
contraerán matrimonio fruto del cual nacerá un hijo, Roberto, en 1897. El mismo
año Segundo regresa a Barcelona para alistarse en el ejército español en la
Guerra de Cuba prestando servicio en la retaguardia. Al perder España la guerra
es repatriado en 1899 para reencontrase con su esposa e hijo en París. Mientras
Segundo estaba en la guerra su esposa entró en la naciente industria cinematográfica
en el coloreado de películas. Se dice que fue el mismo Georges Méliès quien la
introdujo en la técnica pero, al menos de momento, no existe ninguna prueba
documental demostrativa; si es mucho más probable que fuera Julienne quien
inseriera a su marido en el mundo del cine. También empezó coloreando films (el
cine nació en blanco- negro y mudo) para importantes firmas parisienses, sobre
todo para Star Films (propiedad de Georges Méliès) y Pathé Frères. Es a finales
de siglo o a principios del otro cuando Chomón decide dedicarse al cine
profesionalmente para instalarse en Barcelona en 1901 o 1902. Tiene un taller
(situado en la calle Poniente, nº 61, 2º-2ª, hoy calle Joaquín Costa) para
pintar películas y, posteriormente, una “truca” para rodar los títulos de la
compañía Pathé traducidos al castellano. Aparte de colorear películas y el
rotular al castellano los títulos y --- en alguna ocasión --- los originales,
distribuye films franceses en Barcelona y en diversas regiones (con toda
probabilidad de Pathé y Star Films) y venta de copias para eclosionar
finalmente su iniciativa y experiencia en la realización de sus propias
películas: cintas de ficción, documentales, reportajes históricos o
específicamente de trucajes. Es en esta época donde algún estudioso señala la
asociación de Chomón con los productores Luis Macaya y Albert Marro. Puede ser
pero tampoco existe documentación al respecto. En 1905 Chomón vuelve a París,
cerrando el segundo episodio de su vida profesional, para integrarse en la
plantilla de Pathé creándose merecida fama de operador, experto en lo que se
llama ahora efectos especiales y en cine de animación. Aparte, Chomón será uno
de los primeros en acoplar sus hallazgos en efectos especiales dentro de films
con argumento --- cada vez tienen más peso en la evolución del cinematógrafo
--- desplazando gradualmente a las películas- atracción (el cine había nacido
como una curiosidad de feria, es lógico que en sus principios existiera un gran
bloque de cortos dispuesto a sorprender en similitud con números de verbena).
Esta tercera etapa es la más importante de su carrera y la conquista de un
prestigio ganado a pulso pero en 1910 por propio deseo o por circunstancias
diversas vuelve a Barcelona para asociarse con el industrial valenciano Joan Fuster
Garí y crear la productora Chomón- Fuster, muy prolífera en la creación de
películas (33 en casi diez meses) pero sin la desgraciadamente necesaria
respuesta comercial lo cual hará que nuestro hombre vuelva a trabajar para
Pathé, añadiendo unos cuantos documentales sobre la geografía española de su
propia cosecha. Poco después será el representante de Ibérico, delegada de
Pathé en Barcelona, contribuyendo con films y trucajes en un arte/industria en
constante evolución. Deja definitivamente la compañía francesa en 1912 al ser
contratado en Turín por la productora Itala Film como técnico de trucajes en
cintas propias o de otros realizadores, películas más o menos importantes
(director de fotografía y autor de los efectos especiales de “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Cabiria</i></b>”,
1914, p. e.) y de diversos géneros (dramas, cine colosalista, etc.). Su
colaboración con la filmografía italiana (4) termina en 1922 aunque sin dejar
de cooperar con ella y empieza su 5ª y última etapa, quizás la más oscura y
menos conocida (participación en el famoso “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Napoleón</i></b>” de Abel Gance,
1927). Su constante afán experimentador en trucajes y coloreado de películas o
virados de una manera industrial es combinado con documentales. En uno de
ellos, en Marruecos, contrajo una enfermedad que le causaría la muerte el 2 de
mayo de 1929.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">Al poco de nacer el cine aparece la
disyuntiva real- fantástico. Los hermanos Lumière representarían lo primero y
Georges Méliês (y otros) lo segundo. Los primeros filmaban escenas cotidianas
(llegada de trenes a la estación, entrada de trabajadores en la fábrica, etc.),
el segundo empezó igual pero una avería temporal en su cámara produjo una
evolución para el cine recién nacido y la configuración de un estilo propio por
parte de Méliès. En 1896 había colocado su cámara en el centro de la Plaza de
la Ópera para realizar un trabajo documental sobre el tránsito de la zona.
Durante el rodaje la manivela de la filmadora se atascó deteniéndose la
película en su interior pero sin dejar de grabar las imágenes. Arregló la
avería y siguió filmando. Al proyectar lo filmado vio que de repente el autobús
Madeleine- Bastilla al pasar ante la cámara se convertía en una carroza fúnebre
y allí donde había hombres ahora estaban mujeres. De esta forma Méliès
descubrió por casualidad el llamado originalmente “paso de manivela”, el primer
truco del cine y que en un futuro daría paso al cine de animación y a la
técnica de efectos substitutivos según el registro de imagen por imagen.
Méliès, que había sido prestidigitador, decidió usar este descubrimiento para ilusionar,
para asombrar, para “prestidigitar” a un público deseoso de nuevas emociones.
Hizo cientos de películas- sorpresa con el “paso de manivela” en función del
efecto y su atractivo siendo integrado el efecto especial en pro de la historia
en pocos ejemplos como “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Le voyage dans la Lune</i></b>” (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Viaje
a la Luna</i></b>”, 1902), según historias de Julio Verne y H. G. Wells
(disparo del proyectil que aterriza en un ojo de una Luna antropomorfa).
Gracias a Georges Méliès, Segundo de Chomón, más tarde, y algún otro, habían
nacido las bases para la técnica “imagen a imagen” o “Stop- Motion” tan bien
ilustrada en un futuro por los no menos egregios Willis O’Brien y Ray
Harryhausen. El invento de los Lumière equivale al nacimiento de un arte (el
7º) pero personalmente prefiero el camino, el estilo y la filmografía de
Georges Méliès o la de Segundo de Chomón;<span style="mso-spacerun: yes;">
</span>en cine prefiero lo “fantástico”, lo “feerico”, “la imaginación ante la
fantasía” que no lo real (sin menospreciarlo y con sus valores), me atraen más
Méliès y Chomón (realizaron también films sobre la realidad cotidiana) como ---
en otro campo --- siempre me cautivará más el movimiento y pensamiento
romántico, hablando en la totalidad del arte, que el Neoclasicismo
(independientemente que tenga en alta estima varias de sus obras, como p. e.
las de Jaques- Louis David). <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><o:p></o:p></b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">II- HALLAZGOS-</span></b><span style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">Algunas técnicas en evolución a
principios del cinematógrafo fueron descubiertas y/o aplicadas por distintos
pioneros en diversidad cronológica o bien simultáneamente. Hemos visto unas
líneas más arriba el descubrimiento del “Stop- Motion” o “Paso de Manivela” (o
“Manecilla”) por parte de Georges Méliès en 1896. Según explica Carlos
Fernández Cuenca, Segundo de Chomón descubrirá a su vez (también por
casualidad) la técnica de “Imagen por imagen” en 1902.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">--- Chomón cuidaba personalmente la
creación de los rótulos. Atento a la regularidad del ritmo fílmico no advirtió
que una mosca se había aposentado en el cartón original. Después de salir del
laboratorio venía la proyección de prueba sobre la calidad del producto. Allí
descubrió con sorpresa la bien visible mosca entregada en algunos momentos a
movimientos no naturales ni propios de su condición de insecto. Después
constató que se debía a la relación entre los movimientos y el avance de la película
dentro de la cámara: la impresión avanzaba con lentitud y cuando la mosca se
movía despacio quedaban registrados todas las fases de su movimiento sobre el
papel pero cuando el movimiento del animal era mayor que el del film había
etapas sin registrar en la emulsión, dando sensación de saltos totalmente
inverosímiles. Este fortuito suceso empujó su imaginación a simular
desplazamientos de objetos inmóviles: se interrumpía la impresión después de
cada fotograma, se variaba la posición del objeto, otro fotograma y así
sucesivamente para luego realizar la proyección a ritmo normal mientras el
espectador veía el movimiento del objeto inanimado. La experimentación de este
sistema por parte de Chomón dio el fruto esperado aplicando el truco en su
totalidad en una de sus obras maestras: “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El hotel eléctrico</i></b>” (1908<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">).</i></b>
Había surgido de otra forma la técnica del <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“Paso de Manivela</i></b>” ---<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">--- <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El travelling</i></b> nació
prácticamente con el cine. Es el movimiento de la cámara hacia los lados,
habiendo diferentes tipos de travelling (el desplazamiento se efectúa a veces
sobre un pequeño vagón rodando en unas vías, en otras el soporte de la cámara
está provisto de ruedas de goma, efectuado con una grúa, etc.) como el
travelling horizontal, vertical, paralelo, de profundidad de alejamiento,
circular, divergente (el traslado de la máquina a mano mientras se filma no se
considera travelling)… Descubrimos travelling en el naciente cine con la cámara
colocada en la parte frontal de tranvías, barcas, góndolas, etc. Chomón lo usó
profusamente e innovó (especialmente en los travelling de interiores) creando
formas más profesionales<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>y usadas por
otros más adelante (Fernández Cuenca dice en su libro que en alguna ocasión el
soporte de la cámara estaba montado sobre ruedas de patines) ---<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">--- Actuando como técnico en
efectos ópticos y especiales usaría en el famoso <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">·”Napoleón</i></b>”, de Abel
Gance, un embrionario sistema precedente de los conjuntos <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">panorámicos</b> (se darían a conocer 30 años después) donde la pantalla
se alargaba en forma panorámica tres veces más de lo habitual con las imágenes
filmadas con tres proyectores simultáneos (a veces combinadas entre sí) ---<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">--- Explora y enriquece la doble
exposición y las sobreimpresiones para conseguir en el mismo plano efectos de
gigantismo (“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Pulgarcito” </i></b>y<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"> “Gulliver en el país de los gigantes”, </i></b>ambas
de 1903) en la ilustración de los cuentos publicados por Editorial Calleja.
También la utilización de maquetas, pirotécnica, transparencias (imágenes en
una pantalla colocada detrás de los actores), efectos de desapariciones, planos
cenitales (cuando la cámara se encuentra en posición perpendicular al suelo,
ofreciendo un campo de visión de arriba abajo), encadenados, movimientos
invertidos, tomas de diferentes proporciones, el uso de cachés y el efecto Schufftan,
truco ideado por Eugene Schufftan que consiste en ubicar un espejo en ángulo de
45 grados entre la cámara y la persona u objeto a filmar y después de un
complicado proceso donde se recorta el espejo y tras innumerables maniobras
forzosamente bien cronometradas se conseguía el efecto de situar los actores a
varios metros de distancia para finalmente filmar la acción (nuevas invenciones
jubilaron este truco que fue usado una vez por Hitchcock en “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Blackmail</i></b>”,
en España “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">La muchacha de Londres</i></b>”, 1929). Aparte, trabaja con sombras
chinescas, muñecos y dibujos animados que otros pioneros también usarán ---<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">--- La parte del <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">color</b> es tema importante en Chomón.
Louis y Auguste Lumière habían patentado las placas autocromas para la
fotografía en colores mas no funcionó en el cine<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>(explica Fernández Cuenca)<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>por lo cual, durante años, se pintó a mano
sobre las copias de las películas. Se usaron pinceles muy finos, utilizando
anilinas transparentes se cubría la cara emulsionada de cada copia: color carne
para rostro y manos, negro o amarillo para el pelo, extensa variación para
vestidos, amarillo y verdoso con gradaciones para los paisajes… Cada metro de
película constaba de 52 fotogramas (el cine primitivo, además, encuadraba cada
escena con el decorado completo) por lo cual el trabajo requería mucha
paciencia, pericia, vista y pulso seguro en base de 10/12 tonalidades manejadas
con gran precisión. El primer taller de coloreado a mano fue el de Madame
Thuillier (tenía a Georges Méliès entre sus clientes) en donde trabajó una
temporada Julienne, la esposa e Chomón. En 1908 empieza el sistema
internacional de alquiler de películas a los exhibidores que podían pagar un
alquiler o bien comprar la cinta, bien en blanco y negro, bien coloreada
(pagando un suplemento). Por su afición a la fantasía interesó a Méliès el
color (es curiosa la escena repetida donde un mago, interpretado generalmente
por él mismo, dirigía la varita hacia sí mismo y cambiaba la coloración del
frac: de verde en rojo o de azul en amarillo). No había en España talleres de
coloreado a mano hasta el de Chomón quien con una serie de colaboradores
trabajaban extensiva y minuciosamente para lograr su fin. Jamás entregó un
producto sin las garantías del perfecto acabado. En su constante esfuerzo
experimentador ideó unas planchas de celuloide para reducir y precisar el
trabajo de coloración de los films. Más tarde la compañía francesa patentó este
sistema (“Pathécolor”) ---<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">--- Contribuyó a crear una
industria cinematográfica española en sus etapas barcelonesas, prestó atención
al material propio del teatro transferido al cine (zarzuelas, p. e., algunos le
consideran el creador absoluto), además hizo melodramas, dramas, comedias,
históricas… --- <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><o:p></o:p></b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">III)- RECORDANDO (BREVEMENTE) ALGUNOS TÍTULOS</span></b><span style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">-<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">Aparte de algún fragmento en
Internet mi conocimiento sobre la obra de Chomón proviene del citado DVD de la
Filmoteca y alguna otra cinta visionada, como ya he dicho, en el Festival de
Cine Fantástico de Sitges de 1978 (más adelante el Festival de Sitges dedicó
una sección para el conocimiento de la obra de Chomón. Desgraciadamente no pude
asistir, primero son <span style="mso-spacerun: yes;"> </span>las obligaciones).<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><o:p></o:p></i></b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">“Subida a Montserrat”, “Bajada a
Montserrat”, “Panorama del Tibidabo”</span></i></b><span style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";"> y <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“Panorama de Barcelona desde el
Tibidabo</i></b>” (todas de 1901) son reportajes geográficos con los cuales se
iniciaba Chomón en el cine (producidas por Pathé) mientras “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Choque
de trenes</i></b>” (1902) está subvencionada por el dúo Macaya- Marro (los
expertos Tharrats y Fernández Cuenca lo dan por hecho). Su filmación,
ambientación y trucajes están muy bien conseguidos: musgo utilizado en los
pesebres, dos trenes reales corriendo a gran velocidad, substitución por
maquetas y espectacular choque en un llano (Fernández Cuenca nos dice que su
inspiración se debe a “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Choque de transatlánti</i></b>c<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">os</i></b>”,
realizada poco antes por Fructuós Gelabert, otro gran pionero). <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“Pulgarcito</i></b>”,
según cuento de Charles Perrault y <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“Gulliver en el país de los gigantes</i></b>”,
según la obra de Jonathan Swift están producidas por el mismo Chomón, como <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“Los
héroes del sitio de Zaragoza</i></b>” (1903) --- aparecía el personaje de
Agustina de Aragón--- intercalando otros títulos filmados en Barcelona y sus
alrededores a cargo de Pathé y otros de Macaya- Marro, como p. e. la cómica “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">L’hereu
de Can Pruna</i></b>” (1904), donde un grupo de mujeres persigue al rico
heredero de Can Pruna, presentado con una extrema fealdad, para casarse con él.
Con “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">El
eclipse de Sol</i></b>” (1905), documental científico, usaba por primera vez el
“paso de manivela” (producida dirigida y fotografiada por él mismo).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span>Vuelve a París en 1905 para entrar en nómina
de Pathé 1) como técnico en trucajes de films de otros realizadores o 2) como
director de cintas donde también será responsable de los efectos especiales. En
el primer caso es memorable, entre otros, “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">La Vie et la Passion de Notre Seigneur
Jesus- Christ” (“Vida, pasión y muerte de Nuestro Señor Jesucristo”</i></b>,
1907), de Lucien Nonguet y guión más supervisión de Ferdinand Zecca, película
dividida en cuatro partes con un total de 43 actos. Brillando todo a gran
altura son destacables los efectos de Chomón relativos al caminar de Jesús
sobre las aguas, la Transfiguración delante de sus tres apóstoles escogidos y
la Ascensión (acto nº 42). En el segundo caso destaca especialmente “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Electric
Hote</i></b>l” <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">(“El hotel eléctrico”</i></b>, 1908), pura Ciencia- Ficción: una pareja
se aloja en un hotel donde todo se mueve con electricidad aplicada a funciones
no conocidas (las maletas suben automáticamente a las habitaciones, se abren
solas y reparten la ropa en los armarios, de la pared aparecen cepillos que lustran
los zapatos de los clientes y utensilios de barbería para caballeros y
peluquería para damas) pero el empleado cuidador de los mandos se emborracha y
toca botones y palancas trastornando el orden (los servicios van con mayor
rapidez, los muebles se desplazan, la crema de zapatos embadurna la cara del
cliente, queda todo patas arriba). Un compendio de trucos magistralmente
ideados y puestos en práctica por Chomón. Una maravilla………. Otros títulos: “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">La
Boîte a cigars” (“La caja de puros”</i></b>), <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“Les Oeufs de Pâques” </i></b>(<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“Los
huevos de Pascua</i></b>”), ambas de 1907, “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Voyage<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>au Planet Jupiter” (“Viaje a Júpiter</i></b>”,
1909)<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">La maison ensorcelée” </i></b>(<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“La
mansión encantada”</i></b>, 1908). Pocas referencias dan (a excepción de
Tharrats) de otra joya que tuve la suerte de visionar en aquel inolvidable
Festival de Sitges: “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Cuisine Magnetique” </i></b>(<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“La
cocina magnética</i></b>”, fechada en 1908 o 1909) donde<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>esta vez la magia trastoca el orden: un
cocinero hecha sal a un cazo del que sale una humareda y luego un cochinillo
vivo, el alarmado hombre abre unas estanterías y aparece un resplandeciente
esqueleto bailando, platos y ollas se convierten en sonrientes soles y del
fogón surge la cabeza de un buey. El cocinero huye asustado……….<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">Dice Fernández Cuenca al final de
su libro: “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">La gloria tarda en llegar para muchos. Pero cuando llega queda
inamovible, como un faro deslumbrador para los navegantes que buscan los
tesoros purísimos de la alta condición humana</i></b>”.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span>Narcís
Ribot i Trafí<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">1)- <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“Segundo de Chomón (Maestro de la
fantasía y de la técnica)”</i></b> – Carlos Fernández Cuenca – Editora Nacional
(1972).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">2)- <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“Los 500 films de Segundo de
Chomón</i></b>” – Juan- Gabriel Tharrats – Universidad de Zaragoza (Prensas
Universitarias, colección “Imagen y comunicación”, 1988).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">- <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“Segundo de Chomón, el cinema de
la fascinació</i></b>” – Joan M. Minguet Batllori – Filmoteca de la Generalitat
de Catalunya (2009). En catalán.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">- ”<b><i>El cine de Chomón</i></b>”-
Agustín Sánchez Vidal- Editado por Caja de Ahorros La Inmaculada de Aragón
(1992)-<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">- “<b><i>Segundo de Chomón</i></b>”-
Pascual Cebollada- Instituto de Estudios Turolenses, adscrito al C.S.I.C.-
Editado en ocasión al “V Festival de Cine en 5-8 y Vídeo” (1986)-<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">3)- <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">“Segundo de Chomón- (1903-1912),
el cine de la fantasía</i></b>”- también editado por la Filmoteca de Catalunya
(2010). Librito del mismo Minguet Batllori y DVD con 31 títulos.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "",serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-hansi-font-family: "";">4)- Aparte de las referencias en
los citados libros es interesante para su etapa con el cine italiano el
artículo de Sara Torres, “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Segundo de Chomón en la Itala-Films</i></b>”
en la revista “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Nosferatu</i></b>” (octubre- 1990, nº 4) dedicado al <i style="mso-bidi-font-style: normal;">“<b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Cine
épico italiano mud<span style="mso-bidi-font-style: italic; mso-bidi-font-weight: bold;">o” , </span></b></i>además de los escritos de Louise Beaudet y Manuel
Rotellar.<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><o:p></o:p></i></b></span></div>
<br /><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
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